NOTAS CURSIS PARA LOS AMIGOS

La necesidad de hablar, de sentirse acompañado, de ser escuchado, se desborda cuando es contenida. Todos a su manera relataron sus vivencias y lo digo así porque somos sobrevivientes.

El abrazo del reencuentro, el cariño expresado con y sin palabras, la alegría de sentir el palpitar de los corazones de las personas que han llenado momentos de una vida.

Hay mucho dolor e impotencia, aun así, puedo ver en los rostros de estas personas a seres humanos que dirigiendo el tráfico, ayudando con el dilema de la estratificación social, que con un pico, una pala o simplemente cargando botes con cascajo, olvidaban el dolor y el cansancio para continuar. Veo a personas quienes proporcionaron su casa para otro amigo, que llevaron camas para los perros rescatistas y disponiendo su tiempo y sus medios para apoyar en lo necesario, veo a quien habló y proporcionó consuelo a otros en espera de las noticias más terribles que un ser humano puede tener como lo es la muerte de un ser querido.

AL

En ellos puedo ver esperanza, optimismo y fuerza. Cada uno es fuente de inspiración y es una reafirmación de lo admirable que son cada uno de ellos y de la nobleza de su corazón.

Agradezco cada momento que la vida nos ofrece para compartir en comunidad, y les dedico este pequeño audio.

Gracias Armstrong Liberado.

 

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Partitura-respiración

Creación de espacio sonoro

(Practícalo cinco minutos después de despertarte, al menos dos veces por semana y si puedes hazlo en colectivo)

Levantarse temprano (antes de que el sol salga), lavarse los dientes.

Colócate en un lugar donde el cielo abierto sea tu techo, huele por la piel, te recomiendo te descalces y midas con tus pies la tersura o rugosidad de tu suelo, establece tus escalas. 

 Lleva contigo miel caliente

 

A continuación la partitura visual

*en donde “/ ” es sonido de ambiente, “n” o “N” es sonido que proviene de ti y “(” “)” es sonido que se expande desde tu garganta

1er ciclo

(inhala)          / / /////////////////////////////nnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn

(exhala)         nnnnnnnnnnnnnnn / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / /

(inhala)           / / / / / / / / ////////////////// / / / / / / / / nnnnnnnnnnn n n

(exhala)          n n n n n n n n n n n n n n n n n n n ///////////////////////

(inhala)           / / / / / / / / /  /  /  /  /  /  /  /   /    /    /     /     /      /        /

(exhala)          n  n  n   n  n  n n n n n n n n nnnnnnn      nnnnnnn

 

(inhala)           / / / / / / / / / / / / / / / / / / / n // n // n // N // N / /  /  /  /  /

(exhala)          ((((((((((((((((((((((((((((((((()))))))))))))))))))))))))))))))))))

 

2do ciclo

(inhala)          / / /////////////////////////////nnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn

(exhala)         nnnnnnnnnnnnnnn / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / /

(inhala)           / / / / / / / / ////////////////// / / / / / / / / nnnnnnnnnnn n n

(exhala)          n n n n n n n n n n n n n n n n n n n ///////////////////////

(inhala)           / / / / / / / / /  /  /  /  /  /  /  /   /    /    /     /     /      /        /

(exhala)          n  n  n   n  n  n n n n n n n n nnnnnnn      nnnnnnn

 

(inhala)           / / / / / / / / / / / / / / / / / / / n // n // n // N // N / /  /  /  /  /

(exhala)          ((((((((((((((((((((((((((((((((()))))))))))))))))))))))))))))))))))

 

3er ciclo

(inhala)           / / / / / / / / /  /  /  /  /  /  /  /   /    /    /     /     /      /        /

(exhala)          ((((((((((((((((((((((((((((((((()))))))))))))))))))))))))))))))))))

(inhala)          / / /////////////////////////////nnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn

(exhala)         nnnnnnnnnnnnnnn / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / / /

(inhala)           / / / / / / / / ////////////////// / / / / / / / / nnnnnnnnnnn n n

(exhala)          n  n  n   n  n  n n n n n n n n nnnnnnn      nnnnnnn

 

(inhala)           / / / / / / / / / / / / / / / / / / / n // n // n // N // N / /  /  /  /  /

(exhala)          n n n n n n n n n n n n n n n n n n n ///////////////////////

 

Los tres ciclos anteriores se pueden considerar de preparación

Ahora tienes veinte respiraciones de imaginación libre

No te agobies en ser estricto con contar las veinte respiraciones, sólo ten intuición de que han sido alrededor de veinte, lo más importante es que navegues por tu océano, puedes cerrar los ojos en este tiempo.

Ahora

Captura la palabra-pensamiento que se ha quedado resonando, captura su ritmo y sonido, nunca te apresures a capturar nada eterno, llega cuando no lo esperas, explora los hallazgos  por tres minutos minutos minutos.

 

Destruye ese sonido y ritmo, ahora toma el residuo, explora el residuo el tiempo que necesites.

Mueve la parte de tu cuerpo que sientas la necesidad de mover cuando haces esta exploración-navegación, escucha con tu huesos, explora el residuo del residuo del ritmo, el sonido y el movimiento de tu cuerpo el tiempo que necesites…
Lleva una bitácora, haz anotaciones, empieza el día….

*si te prendes envíanos la grabación de alguna de tus sesiones matutinas de “Partitura-Respiración” por éste medio o al correo daniel3vo@gmail.com

 

photo (1)

 

 

 

Escultura sonora u objeto de crisis

Iván Navarrete

PhonoGrafic

“Te cuento algo de historia. En 1983 yo estaba de gira artística en

Europa, Sigfrido me presentó con Antonio y Coquer, me invitaron a comer

a casa de Francois, y ahí conocí la maravilla que es el Cristal. Después

visité con Coral, mi hija, a Bernard y las estructuras las adquirí en

1986 u 87, no recuerdo bien. La historia es tremenda desde su llegada a

México, ya que estuvieron detenidas en la aduana cerca de 4 meses porque

no había manera de presentarlas de manera pertinente ante los códigos y

exigencias de aduanas. Como instrumentos, no podían ingresar por cuatro

razones: 1) Estaban desarmados, razón por la cual no se podía apreciar

que clase de objetos eran; 2) No eran tambores ni aerófonos, por lo

tanto no eran instrumentos.3) Como esculturas no podían entrar porque

carecían del seguro que debe comprarse para las obras de arte visual; 4)

Como estructuras sonoras tampoco porque el término es incongruente, o

son estructuras o suenan. Cuando tengamos la posibilidad de vernos podré

contarte cómo fue que entraron al país.”

(Correo electrónico entre Antonieta Lozano y Marti Ruiz, 18/2/2016)

Así relata Antonieta Lozano fundadora del Centro de Investigación y Estudios de la Música CIEM la entrada del Instrumentarium Pedagógico diseñado por Bernard Baschet a la ciudad de México. Esto bajo el signo de la falla de origen, de lo indeterminado, lo no legislado, lo no conocido. Las estructuras sonoras que en su momento crearon los hermanos Baschet viajan por el mundo como un objeto crítico u objetos de crisis. Y como no serlo, si en si la escultura sonora hace evidente su pertenencia  a otro mundo, sus características la emparentan más con los objetos mágicos y metafísicos, por lo que evidentemente es más cercana a transitar por otros puertos y portales de la percepción menos terrenales que los cotidianos aeropuertos.

Capacitación. Posibilidades pedagógicas del Instrumentarium Baschet (CIEM, agosto 2017).

¿Es que el mundo no estaba preparado para saber qué hacer frente a la escultura sonora?, ¿Acaso ahora lo está?¿Cuál es la reacción ante lo atípico?¿Es acaso paradójico  enfrentar a los objetos que viven en la ficción del arte con los objetos cotidianos?

Para abordar esto cabe revisar otro objeto emparentado con las esculturas sonoras de los hermanos Baschet, el caso de las cajas Brillo de Andy Warhol, que recién visitan el Museo Jumex de la CDMX.

En su momento, allá por 1964, las cajas de jabón Brillo de Andy Warhol tuvieron dificultades para cruzar fronteras, de forma similar al Instrumentarium Baschet.  En un viaje que tenía como destino Canadá las piezas resultaron  difíciles de clasificar, pero como resultaban ser productos que mostraban tener marca, debían pagar los aranceles respectivos para los productos de su tipo, aunque en realidad no eran cajas apropiadas del producto, sino que Warhol las había construido en madera  y serigrafiado  de forma facsímil a los productos originales. La discusión terminó con el pago de los Aranceles, que era lo que estipulaba la ley. Y con esto la evidencia de que los objetos de Warhol son ‘objetos de crisis’ y de crisis no solo para el mundo del arte que ya todos sabemos, sino de crisis para el mundo de lo cotidiano, que no sabe qué hacer ante ellos.

Hagamos pues un análisis, para el mundo del arte el ‘Ready made’ duchamptiano significó una apertura en el mundo de los objetos, pues el objeto escogido ponía de manifiesto que la conciencia y los valores del arte habían trascendido la mera factura del objeto. Ahora los valores del arte visual  estaban centrados en las ideas, ideas contenidas en la semiótica de los objetos o sea en su contenido sígnico. Y por lo tanto el artista ya no necesita construir el objeto desde cero, ahora puede articular las ideas a partir de las marcas sígnicas que contienen ya de por sí  los objetos.

Estas marcas culturales de la forma, material, contenido y superficie son leídas por todos aquellos individuos siempre que se enfrentan de forma directa con el objeto y mientras esto suceda en el mundo cotidiano las cosas tienen un sentido, un orden, un fin; pero las paradojas ocurren cuando enfrentamos las dimensiones distintas de los objetos de arte y los objetos cotidianos, ante esto se rompe todo sentido de la lógica.

Si bien la revolución Warholeana, cuyo primer frente fue la introducción del objeto de consumo, industrial, masivo y cotidiano como forma a ser representada por el arte (La sopa Cambells), que trascendiendo la crisis de identidad y de sentido que genera en el artista el ‘ready made’ duchamptiano que cuestiona la necesidad de la factura en el objeto del arte logró un reacomodo de piezas dejando un tablero listo para continuar una partida del arte contemporáneo, cuál  peón que se corona y se intercambia por la reina  como salida a una jugada compleja.

Mientras que Duchamp abrió las puertas del arte al mundo de los objetos, conceptualmente acabó con la pintura, la representación  y la construcción señalando que la realidad tiene valores artísticos y solo hace falta señalarlos. Warhol tomó la imagen de los objetos cotidianos, regresó a la representación, cambió la iconicidad de acuerdo con su época, re-encontró el sentido y adaptó a su momento la manera  de pintar, representar y construir.

Ambas acciones son de un valor crítico excepcional, ya que reflexionan de fondo la posible naturaleza de los valores artísticos de su contexto, ambas son ‘acciones críticas’ detonadas por objetos en su transición al mundo del arte.

Sin embargo, iremos más allá, para esto retomaremos nuestro instrumentarium Baschet y reflexionaremos sobre qué hace un aduanero cuando se encuentra con un objeto que se hace llamar estructura sonora. En primer lugar, y ante lo no tipificado, lo primero es retenerlo, si no se puede identificar no tiene libre tránsito, se somete a sospecha su procedencia y su naturaleza, esto seguido de interrogatorios y procesos jurídicos.  Inmersos en esto y recordando las cajas Brillo varadas también en la aduana vemos cómo se desmorona en una paradoja el mundo del arte, no es lógico que una estructura sea estructura y suene, no es lógico que una escultura viaje sin seguro pertinente, no es lógico que sea un instrumento musical sino está categorizado como tal, y sino se puede  reconocer  su forma con otra conocida entonces no es lógico que exista.

Así bien si tiene marca y embalaje comercial lo lógico es que pague arancel. Es en estos momentos en que todo el aparato ficcional del arte cae ante la paradoja del encuentro con el mundo ‘real’, sin embargo en este espacio de posibilidad, queremos suponer tal vez que Warhol iba más allá, tal vez a la par de un pensamiento de un Allan Kaprow (1970) cuando manifiesta que el módulo lunar LM es patentemente superior a cualquier otro esfuerzo escultórico contemporáneo, o que la retransmisión del intercambio verbal entre Houston y los astronautas del Apollo 11 fue más interesante que cualquier forma de poesía contemporánea.  Y entonces pensemos que la pieza de Warhol empieza al entrar en crisis con el mundo real (no el mundo del arte) al llegar a la aduana donde el objeto de arte será sometido como un objeto cotidiano, pero no sin antes hacer entrar en crisis el aparato actual, el cual dudará de sí mismo, se tendrá que auto-revisar,  para finalmente  aferrarse a los comportamientos más dogmáticos como única protección ante lo no conocido, aunque en realidad de alguna manera quedará develada una inconsistencia ante el universo de la posibilidad. Por esta razón llamamos a los objetos antes mencionados ‘objetos de crisis’ ya que son capaces mediante la ‘acción crítica’, de reflexionar sobre las bases más profundas de sus sistemas, en las posibilidades mismas de su existencia.

Así la escultura sonora, como el objeto Warholiano y el duchamptiano, tiene la cualidad de hacer entrar en conflicto al mundo ‘real’ y al mundo del ‘arte’. En ese sentido, hace meses en la presentación ‘Mi nombre es Baschet’(https://armstrongliberado.wordpress.com/2017/07/06/mi-nombre-es-baschet/), se hizo evidente que el mundo del arte, aún no sabe cómo reaccionar ante el objeto sonoro. Donde se pudo advertir que la imposición y generalización de los criterios de conservación dentro del aparato museístico entierran la naturaleza de ser tocada a una escultura sonora. Pero más cercano aún está el simple hecho de cuestionarse qué debe hacer un músico frente a una escultura que suena: ¿La ha de tratar como un instrumento?, ¿Por qué?…  Y una persona común ¿Cómo puede reaccionar a algo que no es un instrumento musical ni una escultura?

La realidad es que fuera del campo que los artistas, en este caso los hermanos Baschet, pudieron abarcar, la ‘escultura sonora’ sigue siendo un objeto socialmente desconocido. Sería interesante que llegue el día en que se obvie la definición de una escultura sonora, como cuando hace poco Josep Cerda manifestó haber llegado a la primer entrevista donde no se le cuestionaba qué era el arte sonoro.

Pero en definitiva, creo que primero es más interesante que la ‘escultura sonora’ manifieste en todo su potencial su ser como ‘objeto de crisis’, hasta desbordarse como objeto transformador de entorno y pensamiento, en otras palabras ser plenamente un ‘objeto de arte’.

Realidad multimedial || Notas sobre la Red de estudios sobre el sonido y la escucha. Sesión 25 de agosto del 2017

La sesión abierta al público de la Red de estudios sobre el sonido y la escucha, celebrada el pasado 25 de agosto en la Fonoteca Nacional, retomó un punto que –personal y profesionalmente– absorbe la mayor parte de mi interés cuando se entabla una discusión acerca del sonido: la poética implícita en la expresión sonora.

            Aun si este campo excede con creces el terreno de cualquier disciplina artística y se nutre de distintas fuentes de información y estrategias de comunicación, pienso que en la medida en que los artistas contemporáneos –entendiendo por ‘contemporáneo’ una condición disciplinaria no exclusiva de las artes plásticas/visuales que incorpora metodologías de otras áreas de estudio, derivada de una crisis interna en la que el pensamiento de la tradición de cada campo ha dibujado ya sus límites acorde al contexto ‘actual’– se reconocen en una circunstancia histórica diferente a la de sus predecesores, advierten ante ellos un horizonte de preguntas y posicionamientos que no tienen precedente en las costumbres adscritas a la historia del arte. A partir de esto es que se vuelve necesario encontrar una nueva perspectiva ante lo que sucede, así como una serie de estrategias formales y discursivas para presentar, representar o re-presentar.

            Así, la indagación sobre el potencial discursivo y poético de otros sentidos, como el oído, encuentra su pertinencia; sin embargo, hay que matizar la idea, pues esto no quiere decir que anteriormente no se haya resuelto en campos como la música o la experimentación sonora de principios del siglo XX: desde luego que se escribió y discutió lo suficiente al respecto, en varias lenguas y en diferentes territorios. A donde trato de apuntar mi argumento es a la revaloración de lo sonoro y la capacidad de escuchar en la práctica artística por encima del simple placer estético. Años de documentos, de exploraciones visuales en medios como la fotografía, el video, la pintura y otras disciplinas nos han dejado patente que el proceso del ver –así como del observar– son más complejos que la acción neurobiológica: su potencial en la conformación de una imagen social, en la cimentación de una política o en la definición de una cultura nos sigue fascinando a muchos y los textos que se han escrito al respecto nos costarían lo equivalente a vivir cinco vidas para leerlos y otras cinco para entenderlos. Desde este punto ¿ por qué habrían de ser diferentes las cosas para todo aquello que orbita en torno al sonido y la escucha?

Retomando lo discutido en la sesión pasada de la Red de estudios sobre el sonido y la escucha –y teniendo los párrafos anteriores como un cúmulo de ideas gestadas a lo largo de esa tarde–, quisiera hablar de la ponencia del investigador Julián Wooside, titulada Semiótica del sonido: Retórica y poética de la expresión sonora, en la que la tesis: “somos el punto de partida de la experiencia sonora” brindó un terreno compartido para pensar el sonido en un estado más complejo que el de la descripción netamente física o fisiológica.

            La manera en las que nos movemos, hablamos, etc. explica Woodside apoyado en distintos autores, aparecen como sociotransmisores que establecen un marco de posibilidad, entendimiento y sentido. Esto, a su vez, es el indicio de un lenguaje transmedial, que concretamente se compone de la repetición de convenciones que dan pie a un sistema de significación; por ende, de una realidad mediada.

            Tomando en cuenta lo anterior y la tesis del sujeto-punto de partida de la experiencia sonora, se advierte una cierta vena idealista, que se puede rastrear en la obra El mundo como voluntad y representación de Arthur Schopenhauer. “El mundo es mi representación”, dice el filósofo en las primeras líneas de todo un estudio influido por Kant y el misticismo del pensamiento hindú, sin por ello enfrascarse en un egoísmo total, sino para denotar que nuestro conocimiento de lo sensible se encuentra mediado por una serie de conceptos, leyes físicas, etc. construidos por la humanidad misma para dar cuenta de lo que ocurre ahí fuera en relación a la condición material de ciertas cosas.

            ¿Esta hipotética convergencia con el idealismo de Schopenhauer podría servirnos para seguir las ideas del ponente? Conforme se desenvolvió la charla, lo confirmé cuando Woodside dirigió sus palabras hacia la forma del sonido y cómo esto deviene en un desarrollo de conceptos que constituyen traducciones sensoriales –visuales, digamos– y usos discursivos del sonido: onomatopeyas, efectos de sonido contenidos en producciones, entre otros ejemplos convergen en el ejercicio de una ideasthesia, es decir, la concepción de una idea a partir de un estímulo sensorial. Esto puede ser tan simple como la reminiscencia de una situación incómoda o graciosa, o tan abstracta como la construcción sonora de un concepto como Ser. En todos los casos, algo que deja patente la ponencia es que la multimedialidad del ser humano dificulta la limitación a lo estrictamente sonoro: del mismo modo en que cuando hablamos movemos el cuerpo, o cuando un músico recurre a una partitura musical, en el estudio de cada uno de los sentidos es inevitable hacer referencia a los que sucede en relación a otras partes del cuerpo; después de todo, es imposible atrincherarnos en un solo sentido en nuestra vida cotidiana. Dependemos de una sinfín de estímulos y reacciones biológicas para conformar la percepción en general de nuestra vida, individual y colectiva. En efecto, el mundo se vuelve una representación constituida por materia, ideas y conceptos que no necesariamente quiere decir que nos brinda una perspectiva total del universo, sino apenas una interpretación velada de lo que consideramos realidad.

Para finalizar, me gustaría plantear una serie de preguntas sobre esta nueva dimensión de lo sonoro, que incorpora aspectos que no son propios de la disciplina musical y están más cercanas a una reflexión crítica sobre las implicaciones sociales, filosóficas y políticas sobre el sonido: Para continuar con el estudio del sonido ¿no es necesario buscar una nueva genealogía que, aunque no niegue las aportaciones de la línea histórica más popular, marque un cierto grado de autonomía de sus estudios más recurrentes? Recordemos que en el campo de la filosofía, por ejemplo, la alegoría de la caverna en Platón se concentra en subrayar cómo los aspectos visuales de la apariencia nos apartan del Mundo de las Ideas, al grado de que el filósofo griego se centra en el juego de luces y sombras; de igual modo, no pasa por alto el protagonismo que lo visual tiene en el campo del conocimiento: como subraya Marshall McLuhan en La Galaxia Gutenberg, términos como observación, reflexión, claridad, etc. Tuvieron en el Renacimiento – y hasta la fecha– un gran auge en lo que respecta a la producción de conocimiento científico y filosófico, de tal modo que si era posible verlo, era posible conocerlo. Situación distinta a lo que ocurre con el sonido que, al diferir en su fenómeno de lo visual, ha sido relativamente más complicado de tomarlo como un punto de partida epistemológico: el sonido sucede en un tiempo delimitado y, a menos que nos remitamos a la causa que lo produce o lo grabemos con alguna tecnología, pasa desapercibido, sin poder analizarse hasta que ocurra de nuevo, dejando un margen de incertidumbre. Tendremos que aproximarnos al estudio del sonido sin colocar en un saco roto todo lo dicho hasta ahora; valernos de tradiciones y relatos desde los que han resonado las dudas sobre algo casi intangible, latente en nuestras preguntas.

 

BREVES NOTAS SOBRE LA EDUCACIÓN MUSICAL EN LOS NIÑOS, y la triste historia de una servidora

Toda mi formación musical fue caracterizada por el terror, la humillación y el condicionamiento, es decir, fui obligada a aprender música. Recuerdo que siempre me ha gustado cantar, soñaba con ser cantante, pero no pensaba en tocar algún instrumento, aun así lo tuve que aprender, posteriormente por voluntad propia decidí estudiar educación musical y es ahí en donde encontré nuevamente la enseñanza a través del terror y la humillación, que en palabras de mis profesores de instrumento “eran para hacernos más fuertes.” Pero también aprendí a enseñar a educar desde el corazón, desde el cariño y el amor por lo que haces, a disfrutar cada nota producida por mi cuerpo y exteriorizada por un instrumento.

Al final del día, mis profesores tuvieron la razón, su maltrato y sobajamiento me hicieron entender la forma en la que NO se debe “educar” y “educar musicalmente” a las personas, principalmente a los niños.

Durante siete años he tenido la oportunidad de trabajar con niños pequeños en una institución de educación pública dando la clase de música; con bebés de 40 días de nacidos, hasta niños que han alcanzado los cinco años de edad.

No tengo hijos y espero tenerlos algún día, es así que mi contacto con los niños pequeños ha sido a través de mi trabajo como profesora de música y el cual me ha mostrado la importancia de formar seres humanos desde pequeños, desde bebés, de la importancia de la repetición de los sonidos para la formación de un oído musical, la importancia del canto materno para relacionarse con los afectos y de la importancia del contacto físico en el ámbito de la confianza y la seguridad.

CENDI NIÑOS

Mis alumnos de Maternal II

Es así que quiero compartir algunas breves notas sobre la filosofía de Shinichi Suzuki, violinista japonés, quien es el fundador del Movimiento de Educación del Talento y mayormente conocido por sus libros para aprender violín, piano, cello y otros instrumentos. El método Susuki, sostiene que los niños pueden aprender a tocar un instrumento así como aprendieron a hablar, es decir, a través de la repetición de los sonidos.

Shinichi Susuki

Shinichi Susuki

En su libro Desarrollo de las habilidades desde la edad cero, Susuki explica que el talento no es innato, no nacemos talentosos, es el entorno y el cuidado que nos dieron nuestros padres lo que nos ayuda a desarrollar un talento.

“Supongamos que tengo un bebé normal y que le atamos la mano derecha hasta que cumpla los cuatro años. Pasados estos años intentamos que use la mano que le amarramos y podremos observar que esta no se ha desarrollado bien. Es una mano inútil, inservible. En cambio la mano izquierda estará perfectamente bien desarrollada y por lo tanto el niño es zurdo. Dejar los talentos de un niño sin atender hasta que tenga los cuatro años de edad, es como si le estuviésemos amarrando su mano derecho. Es lo mismo.

… El destino de un niño está en manos de sus padres” (Susuki, 2007,24)

Suena muy sencillo y tal vez polémico pero, trabajando con mis niños pequeños a lo largo de siete años he podido observar el desarrollo de sus habilidades musicales, puedo decir que he formado una primera generación de niños sensibles a la música. ¿Por qué me atrevo a decir esto? La mayoría de mis niños tomaron clases desde bebés conmigo y cada año fuimos trabajando y reforzando sonidos y nociones musicales, las cuales a sus cinco años de edad han dado frutos al escucharlos cantar y no gritar o recitar, así mismo, a poder palmear rítmicamente una canción, esto significa que escuchan, que han desarrollado un talento que en su mayoría tal vez nunca más vuelvan a necesitar, pero que ya han interiorizado y que se llevaran para siempre.

Con respecto a los padres, no tengo mucho que decir, es difícil criar a un hijo si fueron criados desde la violencia o la falta de cariño. Pero la responsabilidad de traer una vida al mundo supongo en algunas personas crea esa necesidad de hacer las cosas mejor.

“Por favor, recuerden que una habilidad no se puede desarrollar si no hay ciertos momentos de entrenamiento.” (Susuki, 25)

El practicar nos llevará a la concretización de nuestras habilidades seamos niños o personas adultas, algunos necesitan pequeños momentos para realizarlos y otros como yo, necesitaremos más de una hora para lograr interiorizar el aprendizaje.

“Para obtener una continua repetición, las circunstancias que lo rodean deben de ser felices, sin protestas ni jaleos.“ (Susuki, 25)

El gusto de hacer lo que amamos nos llevará a tener un mejor aprovechamiento de nuestro aprendizaje, es por esto que los niños aman su clase de música, porque todo es cantar las mismas canciones que todos nos sabemos y aprender algunas nuevas, de jugar, gritar, reír y tal vez llorar por alguna caída o choque entre cabezas de nuestros compañeros, pero es un momento donde no soy juzgado, donde todos estamos en un mismo nivel y si me cuesta trabajo realizar alguna actividad, siempre hay un compañero que me ayuda a realizarlo lo mejor posible.

“Hay personas que piensan que insistir es educar. El persistir en “¡Tienes que practicar!” o “¡Práctica!” se le puede llamar el método de “Cómo no desarrollar una habilidad”. “ (Susuki, 26)

mozart

 

Esta última frase puede ser utilizada en muchos aspectos y ámbitos de nuestra vida, no sólo en la música, cuando lo hacemos por obligación y no con gusto, el desarrollo de nuestras habilidades no está siendo correctamente ejecutado, la asimilación del conocimiento se quedará a la mitad, ya que al no disfrutar lo que hacemos y en algún momento odiarlo, al final nos llevara a repudiar y abandonar dicha actividad.

Para terminar, lo único que quiero decir, es que educar con autoritarismo, represión e humillación, no es la mejor opción para formar seres humanos. A mí me yudo a ser una mejor profesora, pero pudo tener un resultado negativo y llevarme a repetir las formas en las que fui educada, me quedan secuelas de ese maltrato, pero al final del día sigo pensando que podemos ser mejores y confió en la bondad de las personas.

Eduquemos desde el corazón, por la sencilla razón de compartir para el bien común.

“Liberemos a Armstrong”

Susuki, Shinichi, 2007, Desarrollo de las habilidades desde la edad cero, ENDEMUS, México, pp.96.

La ley innata

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Pioneros del rock transgresivo, Extremoduro es una de esas bandas donde lírica y timbre tienden a confundirse. En 2008 nos sorprendieron con su Ley innata, organizada en movimientos a manera de sinfonía pero concebida como manifiesto o quizá tratado. En su tiempo este disco dilató mis gustos musicales —eran los años en que participaba en la ya extinta banda de ska-punk Mal Vasallo— además de apuntalar mi inacabada crítica del antropocentrismo, por ello quisiera recomendarlo este fin de semana.

Enrique Milpa (@rizomarx)

Pequeños apuntes sobre La Pirinola

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Por Lejana


El pasado 12 de agosto nuestros queridos armstrongs acompañaron a La Pirinola en el cierre de su curso de verano “Laboratorio Arte Pop”, un cúmulo de experiencias en torno al arte, los objetos y la escucha implícita que la banda participante nos compartió en el auditorio del Museo Carrillo Gil.

El suceso consistió en tres partituras de un sentir colectivo: la mirada al mundo desde otras manos. Tres mezclas de sonidos e imágenes fueron el compás perfecto, y afecto, para desatar la acústica armstronguiana y bifurcarse entre cada esquina de la sala hasta merodear en el ritmo interno de los asistentes.

¿Cómo buscar el centro del sonido en lo común? En esta ocasión nuestros compañeros de escucha, integrantes del curso de verano, definieron y defendieron varios minutos de alegría, expeditivos de las ondas, con los ojos brillantes, mientras hicieron de la duración de sus actos un tiempo sonoro sin propietario.

Tonificamos nuestros cuerpos desconocidos cuando todos procuramos integrarnos a la sonorización de Viaje a la Luna de Georges Méliès. Emitimos sonidos sin articular y sin embargo repartimos la suma de algunas meditaciones incomprendidas; un mundo creado, recreado y re-tocado fue posible.

Link para ver la presentación: Cierre Laboratorio Arte Pop

Enseñando Techne en el nivel superior

Autor: Mark Amerika. Traducción: Alejo De la Rosa. Edición: León De la Rosa.
Texto original tomado de: 
Mark Amerika. (2007) META/DATA: A Digital Poetics (Leonardo Book Series) (Kindle Locations 2362-2470). Kindle Edition.
Nota del traductor:

Diez años después, el Teaching High Techne de Amerika se antoja por supuesto datado, sobre todo cuando menciona DVDs, quemadores de CDs, PDAs y Flash; sin embargo, al revisar la propuesta central de un espacio dedicado específicamente a la investigación basada en la práctica que pudiera arrojar contenido digital con valor creativo, académico, histórico e incluso comercial, la iniciativa de Amerika en la Universidad de Colorado en Boulder empieza a adquirir valores agregados como un texto de revisión obligada para educadores interesados en la pedagogía del HACER. Hacer a partir de quebrar, a partir de dudar, a partir de presionar todos los botones erróneos en el orden equivocado. También es interesante reparar en las preguntas que el mismo Amerika sugiere pueden ser abordadas dentro de un espacio como el TECHNE y reflexionar sobre cuales ya han sido contestadas y cuales siguen en el aire diez años después.

Finalmente, esta traducción se ofrece con el afán de recapacitar acerca de las posibilidades y sub-valorizaciones de las prácticas creativas en general y las digitales en particular en lo que a la generación de conocimiento se refiere. Como educador y académico de las artes visuales me doy cuenta cada semestre de la cantidad de trampas retóricas en las que mis colegas y estudiantes caen tratando de justificar sus prácticas a partir de la sociología, la mitología, la historia y la política (entre un largo etcétera) obviando por adelantado las posibilidades reales de contextualizar el HACER como una avenida digna de ser explorada bajo sus propios términos.


Enseñando Techne en el nivel superior

Introducción general

La TECHNE es una iniciativa de investigación de las artes digitales basada en la práctica, que fundé como profesor recién contratado en la Universidad de Colorado en Boulder. La iniciativa TECHNE desarrolla acercamientos innovadores a la invención de nuevas formas de conocimiento generalmente consideradas tanto artísticas como doctas. Estas nuevas formas de conocimiento suelen manifestarse como proyectos de arte digital distribuidos por Internet y son el resultado de que los participantes de TECHNE interactúen con nuevas tecnologías mediáticas, emergentes y convergentes que cada vez están más accesibles al gran público.

Las formas del arte digital investigadas mediante la iniciativa TECHNE intentan agregar valores al de una sociedad democrática que opera al mismo tiempo en una economía de libre mercado de bienes, servicios, información e ideas. La academia, estudiantes e investigadores asociados a la TECHNE utilizan tanto hardware y software altamente especializado como aplicaciones de fácil acceso al consumidor para impulsar los límites de los cuestionamientos artísticos, escolares y científicos hacia áreas aún no descubiertas.

Una transición significativa se está desarrollando en la cultura de la información. La información ahora se está diseñando artísticamente para ofrecer una experiencia más visualmente estimulante e interactiva, más inmersiva, que lleve al usuario (consumidor, lector, observador, etc.) a un ambiente digital, sumamente manipulado, que cambia tan rápido que requiere una agenda de investigación enfocada y basada en la práctica sólo para empezar a asimilar las nuevas herramientas de investigación y marcos conceptuales requeridos para analizar adecuadamente al arte digital como un fenómeno emergente en la nueva economía mediática.


Objetivo del estudio

El objetivo de este breve estudio es desarrollar una introducción al marco conceptual de la iniciativa TECHNE y en lo general delinear algunas de las investigaciones preliminares que ya se están desarrollando. Estas investigaciones preliminares no representan el fin absoluto de la iniciativa TECHNE, sino que más bien sirven como marcadores conceptuales que señalan el marco más amplio que en realidad nos interesa. Sólo tras lograr construir un marco conceptual coherente podemos siquiera empezar el lanzamiento exitoso de la iniciativa de investigación en su contexto adecuado.

La elección de temas de investigación, definir las preguntas que deben hacerse y permitir el desarrollo de métodos así como metáforas que adecuadamente aborden los temas que deben ser analizados en un marco conceptual de “arte digital, forman parte de la iniciativa TECHNE, a la vez que apunta a investigaciones futuras y anticipa sus resultados.

Fijar una agenda de la investigación basada en la práctica es un proceso complejo e intuitivo que depende de desarrollar métodos confiables para juzgar cuáles son las líneas de cuestionamiento más valiosas. El surgimiento de Internet como una herramienta de investigación y desarrollo, y como una red global de arte digital ha creado grandes oportunidades para que artistas y académicos puedan, potencialmente, crear líneas alternativas de cuestionamiento que tengan ramificaciones críticas para nuestra cultura, particularmente en las áreas que investigan las formas en las que componemos, publicamos, exhibimos, distribuimos y conectamos estas formas emergentes del conocimiento en una cultura del consumidor dirigida por la tecnología. Con esto en mente, creemos que el siguiente marco conceptual debería:

  1. Crear una serie de parámetros que nos permitan desarrollar tanto una visión a largo plazo de la iniciativa como producir resultados muy visibles en el corto plazo.
  2. Ofrecer la suficiente flexibilidad como para que podamos crear modelos progresivos de prácticas de arte digital y publicación/exhibición en línea que destaquen las maneras en las que las artes ahora se están integrando más a la economía de la información.
  3. Anticipar el uso de plataformas cruzadas de medios para incluir nuestros hallazgos y, al hacerlo, cambiar la forma en la que el trabajo académico y artístico se da a conocer en el campo.

Marco conceptual e investigaciones preliminares

  1. Contexto de Internet como medio de arte y un contexto de publicación/exhibición

Al acercarnos a Internet como un medio de composición, al igual que uno de publicación/exhibición, los investigadores de arte en la iniciativa TECHNE se están preparando para llevar a cabo una serie de prácticas de arte digital en línea enlazadas con otras instituciones que están, de forma similar, posicionando sus agendas e investigaciones en varios lugares del mundo. Uno de los principales objetivos de TECHNE como una plataforma activa de investigación y desarrollo enfocada en demostrar el valor de una iniciativa basada en la práctica es tener influencia considerable sobre la forma en que estas iniciativas y sus hallazgos son percibidos y dados a conocer como nuevas formas de conocimiento. Generalmente se asume que estas nuevas formas del conocimiento, empaquetadas con arte digital interactivo, alterarán la forma en que interactuamos socialmente unos con otros, además de educarnos para participar en este ambiente dinámico y mediado por la computadora. Internet es antes que nada una red extendida por todo el mundo que ofrece a varios puntos nodales la oportunidad de visibilizar los resultados de investigaciones durante distintos momentos del proceso creativo. Estos logros pueden ser publicados/exhibidos inmediatamente en Internet y bajo las condiciones adecuadas pueden atraer una red de enlaces externos que le darán a la investigación un lugar más significativo en la economía de la atención.

Para este efecto, nos estamos posicionando como líderes de una de las primeras iniciativas de investigación basada en la práctica en el nivel de universidad estatal para reinventar la educación del arte. TECHNE utiliza varias tecnologías de los nuevos medios para crear un entorno de aprendizaje más colaborativo para estudiantes que buscan transferir sus habilidades creativas y críticas a la economía de los nuevos medios. Estos estudiantes –que buscan participar en un proceso social, altamente tecnológico, de descubrimiento personal e invención artística- ahora se dan cuenta que el proceso creativo involucra tanto las conexiones en línea como la colaboración grupal en tiempo real.

TECHNE se está preparando como una unidad modelo para ayudar a estudiantes y otros investigadores de arte a alcanzar este objetivo.

  1. ¿Qué es Techne?

El nombre TECHNE viene del uso griego del término Techne, que se refiere tanto a arte como a tecnología, especialmente en su aplicación y práctica (crear o hacer). TECHNE permite a sus docentes, sus estudiantes y asistentes de investigación utilizar tanto software y hardware altamente especializado como aplicaciones fácilmente accesibles para reiterar el valor de crear proyectos de arte digital más interactivos, a la par de analizar críticamente su lugar en el mundo. Los proyectos investigados son variados y se enfocan en muchos temas contemporáneos cuyas implicaciones culturales revelan la interdependencia cada vez mayor entre el arte y la ciencia. El ambiente actual de nuevas tecnologías mediáticas que se desarrollan velozmente permite facilitar a investigadores dedicados a tanto el arte como la ciencia el descubrimiento de nuevas formas del conocimiento.

Los temas explorados en investigaciones actuales y recién hechas de la iniciativa TECHNE incluyen la publicación en la web, narrativa digital, arte en PDA (agenda electrónica), conexiones inalámbricas, cine interactivo, ebooks artísticos, arte en Java, arte biotecnológico, gráficas para el cine, radio por Internet, visualización de datos, DVDs con instalación de sonido envolvente, contexto del arte en línea y su exhibición, presentaciones hiper-improvisadas de DJs/VJs, usos parasicológicos y paranormales de tecnologías de la telecomunicación, arte en GUI, ambientes de juegos en 3D para varios usuarios, la historia del arte multimedia en relación tanto con la ciencia de las computadoras como con la práctica de arte, arte generativo, arte en código o programación, estética de la base de datos e investigación basada en la práctica como proceso creativo.

Muchos de los proyectos de arte que se están investigando en TECHNE requieren un equipo de estudiantes productores cuyas habilidades creativas y críticas pueden variar. Al dar a los estudiantes una oportunidad para compartir sus fortalezas críticas y creativas en un ambiente de trabajo colaborativo, a la vez que se les permite aprender nuevas habilidades de su red de compañeros, TECHNE se separa del modelo del “artista individual como un genio” generalmente asociado con programas de bellas artes y escritura creativa, y se enfoca más en la investigación y desarrollo de habilidades prácticas que son más fácilmente transferibles al mercado laboral en rápida transformación de la industria de la tecnología y de la academia. Aunque TECHNE no es una fábrica de diseño gráfico que arroja cientos de obreros de diseño para satisfacer las necesidades industriales, la iniciativa sí reconoce que los estudiantes con habilidades técnicas, talento creativo excepcional y facilidad crítica para la toma de decisiones, seguramente serán más competitivos una vez que se gradúen de nuestro programa. Con esto en mente, muchos de los proyectos de investigación creativa iniciados en TECHNE están ligeramente ligados a un modelo de aprendizaje colaborativo y procesal que requiere actividad intelectual rigurosa de los participantes. Algunos ejemplos recientes de esto proyectos investigados en TECHNE incluyen:

– Cómo crear una narrativa digital multilineal que incorpora diversos medios en su estructura interactiva (imágenes en movimiento, sonidos, texto, lenguaje de programación avanzado, etc.).

– Cómo exhibir varias obras de arte de Internet en un entorno en línea además de crear un contexto educativo que se enfoque en la relevancia creativa, teórica e histórica de las obras curadas al mostrar cómo se pueden relacionar o diferenciar de otros medios más tradicionales, como la pintura, el cine o la novelística.

– Cómo implementar novatoriamente nuevas tecnologías de publicación y distribución que cuestionen los viejos modelos económicos de la producción impresa con un énfasis particular en reconfigurar nuestras nociones de términos como “escribir” y “leer” y su relación con los recientes avances en áreas como los lectores portátiles de Ebooks, lectores PDA, HTML, XML, PDF, Flash, estándares abiertos de Ebooks y audiolibros en mp3.

– Cómo crear interfaces de usuario personalizadas y bases de datos back-end que se enfoquen en temas como la navegación de sitios y la funcionalidad de programas en relación con la obra de arte digital, tanto como una forma de arte visual como un modelo cercano de un entretenimiento educativo futuro, interactivo y distribuido en las redes.

– Cómo articular teóricamente, mediante habilidades de diseño visual y de lenguaje crítico, una justificación para hacer disponibles obras en línea a la vez que se considera la facilidad con la que la información se vuelve parte de una red de código abierto que reta las nociones tradicionales del derecho de autor y la propiedad intelectual.

– Cómo experimentar con Internet como una plataforma abierta, en vivo y en línea, para la expresión y acción creativa que investiga las relaciones entre el alfabetismo en diseño digital, la narrativa multimedia, la teoría de la representación y la arquitectura de la información en el contexto de un webcast mundial.

– Cómo evaluar críticamente las nuevas formas de conocimiento que se están desarrollando para el nuevo entorno mediático y cómo empezar a desarrollar sitios web robustos, flexibles y colaborativos que comuniquen nuestros descubrimientos críticos a la audiencia en Internet, particularmente a nuestras instituciones compañeras nacionales e internacionales cuyas agendas de investigaciones en desarrollo pueden complementar las nuestras.

  1. Arte / tecnología / pedagogía

El término amplificación de la inteligencia parece aplicable a nuestra meta de aumentar el intelecto humano de forma que la entidad que se produzca exhiba más ‘inteligencia’ que un humano fuera capaz de exhibir sin asistencia; habremos amplificado la inteligencia del humano al organizar sus capacidades intelectuales hasta niveles más elevados de estructuras sinérgicas.

-Douglas Engelbart, “Augmenting Human Intellect: A Conceptual Framework”

Aumentar el intelecto humano y su capacidad de inventar nuevas formas de conocimiento requiere un entorno de aprendizaje mediante la experiencia más tecnológicamente sofisticada. Parte de la razón para lanzar la iniciativa TECHNE en el departamento de arte e historia de CU es ofrecer este entorno educativo tecnológicamente sofisticado tanto a estudiantes de posgrado como de pregrado para que así puedan participar en un ambiente apoyado por computadoras y colaborativo que da prioridad al trabajo en redes y a la evaluación entre pares como parte del proceso creativo.

Crear obras de arte, diseño y representaciones innovadoras, requiere un nuevo acercamiento a la pedagogía, y TECHNE ya está aplicando estos nuevos métodos de aprendizaje basados en procesos a nuestra currícula. Nuestro objetivo es:

– Crear una iniciativa basada en la práctica que eleve el intelecto humano al ofrecer a los académicos, sus estudiantes e investigadores asociados un entorno personalizado de aprendizaje equipado con las nuevas y más recientes tecnologías mediáticas.

– Dar prioridad al uso de estas nuevas tecnologías como herramientas para asistirnos en la invención de nuevas formas de conocimiento manifestadas como arte digital.

– Usar este entorno de aprendizaje personalizado para crear acercamientos innovadores a la pedagogía.

– Facilitar el desarrollo de un modelo de “mejores prácticas” para la investigación y desarrollo del arte digital en el contexto de la educación superior.

El entorno de aprendizaje TECHNE se facilita en parte por el desarrollo constante del Estudio Experimental de Artes Digitáles (EDAS por sus siglas en innglés) que nos permite integrar las nuevas y más recientes tecnologías mediáticas a la currícula mientras dejamos al frente el uso de hardware y aplicaciones de software fácilmente accesibles al consumidor. El laboratorio actualmente tiene cuatro computadoras Macintosh G4 con monitores planos de 15 pulgadas, el más reciente software de herramientas web, un proyector de datos, bocinas estéreo y un amplificador, un scanner y un quemador de discos compactos. Además hemos comprado una pantalla de plasma da de 15 pulgadas. También hemos empezado a construir un espacio que llamados el Estudio de Audio, que actualmente tiene dos poderosas PCs, un teclado MIDI, un micrófono profesional, una mezcladora Roland y software personalizado para cada computadora especialmente elaborado para las necesidades de producción de audio de primerizos y expertos. Actualmente estamos en el proceso de crear un nuevo espacio que llamaremos el Estudio de Narrativa Digital.

Nuestro objetivo principal al construir este laboratorio tecnológicamente sofisticado es crear un laboratorio de vanguardia en investigación y desarrollo de arte digital que nos ayudará a alcanzar nuestras metas de investigación mencionadas anteriormente, además de permitir a nuestros mejores estudiantes comenzar a realizar prácticas de arte digital que les servirán en todos sus objetivos futuros, sean artísticos, científicos, académicos, comerciales o simplemente técnicos. La carga estándar de herramientas de software usadas para crear obras para que sean distribuidas en la red está disponible en el laboratorio principal en todas las estaciones de trabajo individuales. Las habilidades adquiridas al usar esta serie de nuevas herramientas mediáticas disponibles en el laboratorio experimental de TECHNE son fácilmente transferibles al mercado laboral y preparan a nuestros estudiantes para la carrera de su elección.

  1. Historias de Internet: Ficciones y Facciones

En el curso de Historia y Teoría del Arte Digital que doy en la Universidad de Colorado, los estudiantes exploran los primeros desarrollos en arte realizado en computadoras, que ha permitido a artistas adelantados a su época y experimentales crear obras nunca antes imaginadas. Cuestiones y temas vistos en este curso incluyen:

– La evolución de la computadora como una herramienta artística.

– Cómo usar Internet como una herramienta de desarrollo e investigación así como un medio de composición/publicación.

– Dónde encontrar obras de arte exclusivas para la red y cómo criticarlas eficazmente.

– Cómo curar una exhibición en línea.

– Cómo responder a la condición contemporánea de la división digital.

– La historia y práctica del hipertexto antes y después de la World Wide Web.

– La interfaz tecnológica/de género.

– El creciente debate alrededor de la propiedad intelectual, derechos de autor, comunicación usuario a usuario y las licencias Creative Commons en línea.

– Cómo ubicar a las formas de arte digital emergentes en su contexto histórico y estético indicado a partir de otros medios artísticos, en particular la pintura, la fotografía, el video y la literatura, además del trabajo de teóricos contemporáneos de los medios.

Estudiantes en el curso de Historia y Teoría del Arte Digital han construido su propio sitio web a gran escala y dirigido por una base de datos llamado Histories of Internet Art: Fictions and Factions (HIAFF), que está actualmente localizado en https://art.colorado.edu/hiaff/. Este sitio tremendamente exitoso ya ha sido adoptado por varios profesores de distintas instituciones en todo el mundo como una fuente clave en la historia del arte en línea. El sitio tiene:

– Entrevistas realizadas por los estudiantes mediante correos electrónicos y video con algunos de los practicantes de arte digital contemporánaos más importantes.

– Una exhibición de arte de Internet curada por los estudiantes.

– Una sección dedicada a la teoría de los nuevos medios creada por los estudiantes.

– Un área que presenta nuevas obras de arte curadas por los mismos estudiantes.

En mi introducción al sitio como director de la facultad describo al portal como una “exhibición continua que muestra una interfaz web diseñada por estudiantes que lleva a los lectores a obras de arte en línea creadas tanto por artistas de Internet internacionalmente reconocidos como por los aún emergentes. El sitio también ofrece contenido original muy requerido para ayudar a contextualizar el surgimiento repentino del arte de Internet al mainstream en el mundo del arte”. Uno de los componentes claves para una pedagogía activista e interconectada es que los estudiantes sean capaces de participar inmediatamente en la economía de la atención apoyados por lo que Manuel Castells llama el “espacio de flujos” interconectado. Ya no hay una progresión lineal o jerarquía vertical que separe la historia distante y canónica del arte del estudiante observador. En lugar de eso, el estudiante es invitado a crear una historia alternativa aún en desarrollo al relacionarse con practicantes contemporáneos del arte de Internet en un discurso sobre las cualidades del medio mismo a la vez que usan este mismo medio que trabajan los artistas para facilitar el diálogo de la investigación y el descubrimiento.

En un diálogo publicado que tuve con el teórico alemán de medios Roberto Simanowski sobre su libro Interfictions: Von Schreiben im Netz, Simanowski me preguntó: “¿Cómo se siente cuando un artista de Internet se convierte en un profesor de arte de Internet?”. Yo respondí:

La sola noción de una práctica de arte de Internet enfocada en la narrativa digital y la teoría en plataformas intramediáticas cuestiona nuestra evaluación tradicional sobre lo que cierto tipo de trabajo o producción cultural es en realidad. Este tipo de práctica es muy conceptual e interdisciplinaria y requiere de un acercamiento flexible al ser maestro o, según sea el caso, ser “académico”. No soy un académico típico en el verdadero sentido de la palabra, pero en realidad, muchos artistas que son profesores no son académicos de verdad. Aunque lo que compartimos con las comunidades académicas y científicas está cambiando. Los ambientes más colaborativos, apoyados por las computadoras que estaban antes sólo disponibles para estudiantes de informática e ingeniería ahora son los mismos modelos que yo, como estudiante de arte, estoy explorando en mi nuevo rol.

Continúe diciendo que creo que es importante para los estudiantes sentir que tiene cierto control sobre la distribución de su obra. Tradicionalmente, los estudiantes batallan por encontrar contextos de exhibición para su obra, y usualmente no se les toma en serio. Parte del problema es la carencia de espacio físico o sólo encontrar un lugar adecuado. Pero con el arte digital, están descubriendo que pueden exhibir o publicar su obra en línea y que hay audiencias potenciales allá afuera que están dispuestas a comprometerse con su obra.

La realización que viene con este momento de descubrimiento para el estudiante es crucial porque los obliga a pensar en sus roles como artistas en la cultura. Por ejemplo, sólo porque puedes poner algo en línea, ¿significa que debes poner toda tu obra en línea? ¿Cuál es el contexto de tu obra cuando se publica en la red? Y además están las cuestiones de derechos de autor y la participación en una economía de la atención donde el pago puede no ser necesariamente en dinero pues muchas de las cosas dispuestas en la web se dan de forma gratuita.

El sitio HIAFF crece exponencialmente con el tiempo cada que una clase de Historia y Teoría del Arte Digital contribuye a su desarrollo como una fuente en línea enfocada en las historias tempranas del arte de Internet aún en desarrollo. Los nuevos estudiantes aprenden estas historias alternativas del arte de Internet al estudiar el sitio al comenzar el curso y más adelante empiezan a realizar sus propias investigaciones colaborativas para fortalecer su potencial durante la última parte del semestre. Cada grupo de investigación colaborativa inventa su propia versión de la historia del arte de Internet, y estas ficciones teóricas inevitablemente se entrecruzan, conectan o confunden una con otra. Una red con valor agregado de ideas compartidas entre estudiantes nace y se sigue pariendo a sí misma de forma que rápidamente recibes un conector multilineal de narrativas potenciales practicado como una forma de conexión social e intercambio comunitario. Esto es mucho más valioso que sólo ganarse tres créditos para la titulación.

Una versión anterior de este ensayo se publicó originalmente en linea en el European Journal of Higher Arts Education, 2 (Economies of Knowledge: New Technologies in Higher Arts Education) (2005).

[http://www.elia-artschools.org/userfiles/Image/customimages/products/33/Amerika.pdf]

La máquina de grietas

Screenshot - 08082017 - 16:08:03

iDrone, expuesta en el CompArte digital

¿Es posible otro internet, o sea otra red?

¿Se puede hacer Arte en la red?

¿El Arte en, por y para la red banaliza la lucha y la trivializa, o la potencia y escala, o “nada qué ver, mi buen, es arte, no célula militante”?

¿Puede el Arte en la red arañar los muros del Capital y herirlo con una grieta, o ahondar y perseverar en las que ya hay?

Estas son algunas de las preguntas con las que el EZLN convocara a la edición cibernética del CompArte: diálogo entre artistas y anartistas, hartistas y artesanas que se sienten interpeladxs por la lucha zapatista… o por la lucha social global a la que el movimiento zapatista se suscribe.

¿Cómo no sentirnos interpeladxs por tal provocación, si en tantas ocasiones hemos insitido en la necesidad de generar un movimiento artístico alternativo, concretamente uno que haga uso de las herramientas tecnológicas y los principios filosóficos, económicos y pedagógicos del llamado software libre? ¿Cómo no darnos un momento para responder a las preguntas que irrumpen en la Red en momentos tan saturados de campañas mediáticas

Hasta cierto punto sorprendidos por la alegre co-incidencia de agendas y provocaciones, saludamos al CompArte, muy a nuestra manera, con una suerte de dossier que en este caso se conforma de apuntes marginales: notas o tachones, bocetos e ideas inconexas, de esas que se escriben sobre los textos en proceso cuando sabemos que algo tiene que cambiar, pero no sabemos exactamente cómo, cuándo ni por qué.


Tratado de grietología, o la Máquina de grietas

A costa de que se nos acuse de eurocéntricos, o mejor aún, de “posmos”, de “clisés” o de “innecesariamente complejos”, hemos de referirnos a Deleuze y Guattari, particularmente a su Tratado de nomadología, conocido también como la Máquina de guerra. Y hemos de vincular esa máquina de guerra con el llamado zapatista a agrietar los muros del capital: con su llamado a arañar, herir, resistir un modelo de Estado que resulta nocivo a la vida social.

Dicen los franceses: “La situación actual es sin duda desesperante. Hemos visto a la máquina de guerra mundial constituirse cada vez más fuertemente… la hemos visto asignarse como objetivo una paz quizá todavía más terrorífica que la muerte fascista; la hemos visto mantener o suscitar las más terribles guerras locales como formando parte de ella; la hemos visto fijar un nuevo tipo de enemigo, que ya no era otro Estado, ni siquiera otro régimen, sino el enemigo indeterminado” -léase, por ejemplo, el ciudadano común que pretende subvertir el orden y las leyes del mercado global.

Dicen loas chiapanecoas: “Para nosotras, nosotros, pueblos originarios zapatistas, la tormenta, la guerra, lleva siglos. Llegó a nuestras tierras con la patraña de la civilización y la religión dominantes… En ese entonces, la espada y la cruz desangraron a nuestra gente. Con el paso del tiempo, la espada se modernizó y la cruz fue destronada por la religión del capital, pero se siguió demandando nuestra sangre como ofrenda al nuevo dios: el dinero”.

Responden los franceses: existe otro polo “que es el de la esencia, cuando la máquina de guerra, con ‘cantidades’ infinitamente inferiores, tiene por objeto, no la guerra, sino el trazado de una línea de fuga creadora, la composición de un espacio liso y el movimiento de los hombres en ese espacio. Según este otro polo, la máquina encuentra la guerra, pero como su objeto sintético y suplementario, así pues, dirigido contra el Estado, y contra la axiomática mundial expresada por los Estados” (Mil mesetas, p.421-22).

Loas chiapanecoas agregan:  “Como zapatistas que somos, nuestra memoria también se asoma a lo que viene. Señala fechas y lugares… Si no hay un punto geográfico para ese mañana, empezamos a juntar ramitas, piedritas, jirones de ropa y carne, huesos y barro, e iniciamos la construcción de un islote, o más bien, de una barca plantada en medio del mañana, ahí donde ahora sólo se vislumbra una tormenta… Y si no hay una hora, un día, una semana, un mes, un año en el calendario conocido, pues empezamos a reunir fracciones de segundos, minutos apenas, y los vamos colando por las grietas que abrimos en el muro de la historia… Y si no hay grieta, bueno, pues a hacerla arañando, mordiendo, pateando, golpeando con manos y cabeza, con el cuerpo entero hasta conseguir hacerle a la historia esa herida que somos” (El muro y la grieta, s/p).

Por esas co-incidencias, por esas voces que viniendo desde distintos tiempos y geografías parecieran conformar un mismo “arañazo”, hemos trastocado el concepto deleze-guattariano de la máquina de guerra para trazar en nuestro plano una “máquina de grietas”. Nos interesa, sobre todo, remitirnos a la noción de la línea de fuga: del rayón que se desvía, de los surcos y las grietas que se generan sobre el papel.


La red y la grieta

El nacimiento del internet tiene fechas inciertas. Algunos marcan sus inicios en proyectos como Arpanet -aquella red de ordenadores generada por la milicia estadounidense hacia los tiempos ya lejanos de la década de 1960-, y otros piensan que es hasta el surgimiento de la llamada World Wide Web cuando podemos hablar propiamente de internet.

No nos interesa de momento debatir orígenes históricos, sino señalar una contradicción inhenerente a La Historia y las historias de esta extraña tecnología: por una parte, la inter-red fue producto experimentos militares que buscaban fortalecer los poderes del Imperio, y por otra parte se deriva de iniciativas ciudadanas que buscaban subvertir los mecanismos del Poder. Entre milicia y movimientos sociales, y para colmo un mercado neoliberal que reduce al internet a un enorme escaparate, es difícil responder a las preguntas zapatistas:

¿Es posible otro internet, o sea otra red?

¿Se puede luchar ahí?

¿O es que ese espacio sin geografía precisa, ya está ocupado, copado, cooptado, atado, anulado, etceterado?

¿La Red es un espacio de dominación, de domesticación, de hegemonía y homogeneidad?

¿O es un espacio en disputa, en lucha?

En contundente decepción para quien espere resupuestas concretas, hemos de conformarnos con prender otro cigarro. Reflexionar. Dibujar un par de puntos en nuestro cuaderno maltratado. Hacer sonar las grietas de nuestro ruido des-preciado.

Nos vigilan. Nos controlan. Nos convierten en engranes de un mercado (des)informativo, en códigos de barra y en acciones financieras. He ahí la “red libertaria” que los hackers aplaudieran hace escasos veinte años. Pero al mismo tiempo, no podemos negar las redes solidarias que se tejen en la web, y el CompArte digital es una clara muestra de ello.

Desde las montañas del rupestre internetario, dedicaremos la semana a CompArtir nuestras reflexiones sobre la lucha cibernética que tiene el arte y la creación como flancos de batalla.

Que se encienda la máquina de grietas.