¿Qué puede ser el arte mexicano? Circunstancias políticas, económicas y académicas de la práctica artística contemporánea

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“Relativity”, 1953 (lithograph) by M.C. Escher

 

Por: Manuel Guerrero

Para bien o para mal, no hay campo profesional o conocimiento humano que eluda tanto a la categorización como el arte lo ha hecho en el último siglo; en particular, la producción artística derivada de la tradición plástica y los planteamientos estéticos sobre los que se sostuvo la noción clásica de bellas artes.

¿Qué es el arte? es una pregunta que evoca en nuestra mente el sonido del vinilo rayado cuando alguien hace un comentario inoportuno o fuera de contexto: corta inevitablemente la serenidad en la conversación; inunda nuestra lectura con un sentimiento de repulsión frente a los argumentos de quien se atreve tan siquiera a esbozar una posible respuesta y nos anuncia el crepúsculo de la controversia.

Algunas de las respuestas que he escuchado/leído versan sobre una obsolecencia de la incógnita: “el arte es una práctica que se define en negativo”, es decir, en base a lo que no es. En sus diferencias y estados de excepción respecto a necesidades utilitarias, epistemológicas o cuestionamientos morales, empezamos a vislumbrar los borrosos límites de una práctica que, aún sin operar con una definición clara de lo que se propone, –al menos en México– puede ser lo suficientemente valiosa como para estructurar una economía alrededor de ella; tan rigurosa como para formar un programa de estudios de nivel posgrado y demasiado importante en el campo político como para canalizar recursos públicos a través de programas de estímulos a la creación.

Con todo esto, resulta difícil sostener que no hay alguna directriz que nos brinde una certeza sobre lo que el arte y, por extension, los artistas hacen en una sociedad y un contexto histórico –dirigiendo este texto a un punto específico­– como el de México. A partir de ello, podríamos comprender cuan pertinente es hablar de una necesaria condición contemporánea en sus artes, más allá de la noción de ‘contemporáneo’ que entiende dicha circunstancia netamente cronológica, o bien, como un llano punto en una línea histórica que reconoce –a un grado casi narcisista– su diferencia relativa a otras épocas o como la simple y llana concordancia temporal de un grupo de seres humanos en un momento específico. En medio de dichos extremos, hay un punto medio con el que podemos advertir que nuestra existencia individual y colectiva descubre de su eventualidad histórica la vanidosa malla de un futuro aún no escrito, orgullo detonado por la infinidad de caminos que se pueden recorrer.

Para plantear una posible respuesta, encaminemos nuestra atención de nueva cuenta a la pregunta ¿Qué es el arte? De verdad, ¿es tan absurda como pensamos? Tal vez lo único que hace falta para vislumbrar un grado de certidumbre es cambiar el ángulo desde el cual nos aproximanos a ella, lo cual no es poco, pues requiere una apertura filosófica capaz de soportar a la vacuidad o la nada como réplicas aceptables.

I. Sobre un arte vacuo

Dudar sobre la ‘realidad’ que nos envuelve, sospechar que detrás de lo que percibimos hay ‘algo’ que presenta la esencia de una obra divina, no es una actitud tan moderna como para situar una línea de salida en el pensamiento de René Descartes ni una meta en los argumentos cinematográficos de películas como Ghost in the Shell o Matrix: el planteamiento del Mundo de las Ideas platónico y el ἀρχή de Heráclito son antecedentes llenos de suspicacia sobre lo que está y lo que acontece en el mundo, sin embargo –en el fondo– es palpable la sed de una explicación plausible que satisfaga la curiosidad ontológica. Después de todo, es ilógico pensar que, detrás de las apariencias y el baile de las sombras no exista respuesta alguna. ‘Algo’ o ‘alguien’ se encuentra en el otro lado, esperando a ser descubierto: Ideas, Devenir, Espíritu, Sustancia Voluntad o Ser, algo de ello seguro que se encuentra ahí.

La historia occidental de la filosofía no ha escatimado en volcar con ímpetu sobre sus papeles y tinteros cientos de teorías a través de los siglos, sin ser de igual manera tan valientes para rasgar la apariencia y dejar de lado la seguridad de la especulación, sin embargo, al margen de esta incógnita tal y como la hemos entendido, se puede mencionar a un filósofo hindú que dio un paso más allá –entre el siglo II y III–, y encontró, irónicamente, la vacuidad no sólo de la pregunta misma, sino del mismo pensamiento que lo condujo a ella. Ese pensador fue Nāgārjuna.

Puede que para este momento, mi estimado lector encuentre un disparate asociar la circunstancia histórica del arte contemporáneo mexicano con un filósofo que se encuentra tan distante, en el tiempo y en la geografía, de lo que ni siquiera los teóricos nacionales terminan de explicar de una manera comprensible, pero ¿a dónde nos han llevado las genealogías filosóficas establecidas? Sería arriesgado decir que, en el arte, a un bucle alimentado por el absurdo, pero algo que parece cierto es que hoy más que nunca las prácticas artísticas, los circuitos y las ‘escenas’ no están de acuerdo: Ora porque lo podamos vivir en carne propia y conocer de primera mano, ora por desconocimiento de la situación específica de otros tiempos, la única constancia que por el momento se perfila es que el arte[1] seguirá siendo un campo de batalla en disputa.

Pero retomemos el hilo del texto. ¿Qué puede aportarnos el pensamiento de un filósofo como Nāgārjuna a la pregunta por el arte en su condicional esencial, que devendrá en una especificación de la geografía e historia de México? En primer lugar, el planteamiento nāgārjuniano de la dependencia mutua entre las cosas que ‘existen’ en nuestra realidad acierta un primer corte en el velo de māyā que nos impide ver que no hay algo que exista por sí mismo[2]. El objeto de nuestra pregunta sencillamente está vacío desde el comienzo si creemos que hay algo que buscar. Cuando nos preguntamos por el arte, en términos tan generales, específicamente por una práctica que definimos sólo desde el pensamiento lógico-discursivo y no en conjunto con un pensamiento visual, sonoro, táctil, etc. Además de plantear nuestra duda únicamente desde una ilusoria condición esencial, nos preparamos para enfrentar el horror del silencio que devora nuestra voz y no devuelve un mínimo rastro al que aferrarnos como respuesta. A diferencia del tinte fatal que se le puede atribuir a la vacuidad[3] de las cosas, en el hecho de que no existe tal cosa como una esencia inherente a cada forma de vida y objeto en el mundo, esto –esta sencilla idea– brinda el giro ontológico que estaba buscando demostrar para pensar en el arte. ¿Por qué esmerarse en demostrar in abstracto una práctica que, como realidad, acontece en relación a algo/alguien más? En sintonía con la aspiración budista del bodhisattva derivada del planteamiento de Nāgārjuna, que plantea que el mundo “está por hacer”[4]a través de –entre otras cosas– la manera particular de percibir, bien podría inferirse que nuestro entendimiento del arte –un asunto más banal frente a la representación del mundo que se encuentra en proceso– está en construcción, sin embargo, esa sería la forma más sencilla de librarse del problema que implica conectar los puntos; saber qué red están tejiendo ciertos hilos, desde cuales puntos provienen las líneas de la trama y qué imagen general se empieza a vislumbrar. Efectivamente, preguntarse qué es el arte no cobra sentido hasta que empezamos a dibujar los límites de nuestra pregunta. En ese terreno, nuestra duda se torna razonable y brinda una estructura metodológica de gran riqueza: a la incógnita ¿Qué es el arte? Se precisa la adición de claves que nos faciliten pistas de su espacio y tiempo[5]. Sólo basta añadir, digamos, la preposición adecuada o la relación precisa. Así, la pregunta se modifica: ya no nos preguntamos por lo que es el arte, sino por lo que puede ser. En lo sucesivo, trataremos de indagar sobre lo que es o puede ser el arte para la política, el mercado y la academia.

II. Cool México

Rodando cuesta abajo, hacia terrenos más firmes en los cuales se puede sembrar la claridad, la pregunta por el arte en México toma forma en la medida en que se definen los parámetros de dependencia práctica entre algunos circuitos, es decir, qué instituciones influyen en su circulación y producción. Algunas directrices que nos pueden ser útiles en este camino se pueden reconocer en los factores históricos, comerciales, políticos y académicos que operan en las escenas artísticas más comentadas en la actualidad. Empecemos por ver qué ha ocurrido con las producciones artísticas nacionales en la actualidad: cómo se han valorado y qué proyección tienen a nivel internacional.

Es bien conocido el interés que despierta principalmente el trabajo de Frida Kahlo y Diego Rivera en otras partes del mundo cuando se habla de arte mexicano, y no por el contenido político-revolucionario que se puede leer en sus obras, sino por las exóticas formas y paletas cromáticas, así como la idealización prehispánica del país y las narraciones orientadas a avivar el mito romántico del artista que sufre –en el caso específico de Kahlo–; tópicos recurrentes en otras figuras de la historia del arte, pero que, en el contexto de México, generan un corto circuito si consideramos que el trabajo de Rivera, enmarcado en un movimiento tan complejo como el muralismo, centró su práctica en medios y espacios a los que, contrario a lo que se enseña en la historia oficial, muy poca gente tenía acceso: los muros de instituciones gubernamentales y los cuadros que formaban parte de colecciones privadas, con gran dificultad podrían ser vistos en otros lugares. En el fondo, la etiqueta popular gozaba de una contradicción. Acorde a los comentarios del historiador estadounidense James Oles, los artistas mexicanos de aquella época “no están pintando para el pueblo, porque nadie del pueblo va a comprar obras de caballete, tampoco los murales están pintados en lugares populares; muchos son para burócratas, turistas y políticos.[6]” Pensar en sus ventas dentro de galerías neoyorkinas es un golpe duro a la fantasía que flota en nuestra mente cuando se piensa en la práctica artística post-revolucionaria de personajes como Rivera, que despejan todo rastro de malicia del imaginario indígena y, citando los análisis categóricos de la investigadora Elsa Cecilia Frost: “En su obra no presenta, pues, la realidad mexicana como tal, sino un pasado irreal y un nuevo orden social ideal que está aún muy lejos de haberse realizado.”[7]; en lugar de ello, nos muestra “una imagen idílica que sólo tiene realidad en su arte.”[8]

Con todo ello jugando en contra, el nacionalismo –reflejado en el binomio Rivera- Kahlo– de principios de siglo XX mantiene su relevancia en la agenda pública si se piensa en las exposiciones que se exportan al extranjero dentro de la cultura contemporánea de México: Las exhibiciones de Kahlo o de los “Tres Grandes” del muralismo toman la delantera cuando emerge el tópico[9]. Por eso mismo, no es un lugar común replantearse a esta dupla de artistas como problema cuando se habla de arte mexicano y se trata de poner en una perspectiva actual, con todas sus posibles complejidades históricas, políticas y económicas. Pero, ¿es cierto que en materia de producción artística es lo único que debería recibir el cobijo político? La pregunta es retórica: el esquema del arte mexicano en los años 20’ es una buena moneda de cambio que a probado su éxito a través de las décadas, desencadenando un interés en el propio país –como lo mostró el auge y caída del neomexicanismo en los años 90’– sin embargo, un punto de gran interés es la interrogante por las nuevas producciones artísticas contemporáneas. ¿Qué papel juegan en la agenda político-cultural de México, independientemente del sexenio? Podría pensarse que con la aparición de instituciones como el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) a finales de los años 80’, hay un genuino interés gubernamental por incentivar la práctica artística a nivel nacional, y sobre todo, una claridad sobre lo que es el arte. Analicemos sus objetivos y veamos que es el arte para las administraciones que han dado seguimiento a este programa.

            El portal electrónico oficial de la Secretaría de Cultura señala como objetivos principales del FONCA “fomentar y estimular la creación artística en todas sus manifestaciones”[10], y sintetiza su operatividad y misión de la siguiente manera:

“(…) [su] aparición obedece a una de las respuestas que ofreció el Gobierno Federal a la comunidad artística para construir instancias de apoyo basadas en la colaboración, la claridad de objetivos, el valor de la cultura para la sociedad y el aprecio de la diversidad de propuestas y quehaceres artísticos.

Desde que se creó, el 2 de marzo de 1989, al FONCA le fueron asignadas las siguientes tareas: apoyar la creación y la producción artística y cultural de calidad; promover y difundir la cultura; incrementar el acervo cultural, y preservar y conservar el patrimonio cultural de la nación.

Invierte en los proyectos culturales profesionales que surgen en la comunidad artística; ofrece fondos para que los creadores puedan desarrollar su trabajo sin restricciones, afirmando el ejercicio de las libertades de expresión y creación. Por ello, convoca a los artistas y creadores para que participen en sus  programas, mediante la presentación de propuestas que son evaluadas por Comisiones de Dictaminación y Selección, formadas por artistas y creadores.”[11]

En esta contundente explicación hay muchas lagunas en las que podemos caer nuevamente, en la nada que es el arte in abstracto. Uno de los más evidentes es la constante polimerización entre arte-cultura como factores indisociables y paradójicamente, en otros renglones, se habla de arte y cultura como elementos diferentes. Hay que señalar el papel de la promoción artística y cultural de “calidad” en su discurso, lo cual es ya un síntoma que nos dice que hay parámetros suficientes –sobre todo objetivos– para pensar categóricamente en la relevancia de una propuesta artística sobre otra; no obstante, antes de siquiera pensar en la pregunta por el arte mexicano –ahora en la década de los 90’– tendremos que despejar un elemento del discurso: la cultura.

Si dilucidar un camino coherente para la pregunta sobre el arte era una tarea difícil, tratar de definir cómo se entiende la cultura aquí requeriría otra genealogía que excede al presente texto. Afortunadamente, esto no es necesario si tomamos en cuenta las circunstancias políticas que alentaron la creación del FONCA, las cuales se remiten a la agenda del gobierno presidido por Carlos Salinas de Gortari, en el periodo de 1988-1994.

Tal y como se refleja en sus informes de gobierno, la idea de cultura utilizada durante el mandato de Salinas de Gortari no era muy diferente de la perspectiva jerárquica[12] que circunscribe dicho concepto al cúmulo de información y la pretensión erudita –en nuestro caso de estudio– de lo que aconteció en México y, tratándose de un país con un pasado colonial, el legado prehispánico presente en sus vestigios arquitectónicos, en su gastronomía, etc. Datos con los que se establece un parámetro para separar a los pueblos civilizados de los bárbaros; a los cultos de los incultos. Sin embargo, el ingrediente de cambio estaba en las aspiraciones de insertar a México, desde una visión nacionalista, en un contexto global, destacando su participación en el desarrollo humano a nivel mundial:

“Somos parte de la humanidad; nuestra cultura ha contribuido al desarrollo del ser humano y nuestros recursos al bienestar material de muchas naciones. También nos hemos beneficiado y transformado con el intercambio. Entendemos que la revolución de las telecomunicaciones acerca a culturas y multiplica sus influencias mutuas. Muchos de los principios que nos hemos dado en nuestra vida independiente, en especial la defensa de los derechos del hombre, se han extendido hoy en la comunidad de naciones. Por eso, al asegurar su valor y vigencia en México, cumplimos con nosotros mismos, con nuestra aspiración histórica y con la comunidad mundial a la que pertenecemos.”[13]

La insistencia por remarcar la incursión de México en el ámbito internacional no es casual: En los distintos rubros del tercer informe de gobierno de Salinas de Gortari (1991) se percibe el interés por representar a México frente a los mexicanos como una nación que compite a la par de potencias como Estados Unidos, Japón o los futuros integrantes de la Unión Europea dentro de un marco cosmopolita. Esto sería el preámbulo de la firma del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN) que, aún con el espectro del nacionalismo cobijado por el presidente mexicano, era perceptible que no podía circunscribirse a su propia frontera: “La cultura crece en contacto con el mundo”[14], dice el presidente, mientras aclara que, en materia de arte, “mantendremos los apoyos para difundir los resultados de nuestra creatividad, alentar a nuestros artistas y promover su presencia en el exterior. Este ha sido el propósito de los programas de becas y de fondos para la promoción de la cultura. ”[15]

Aquí, el asunto se tornado complicado nuevamente, pues arte y cultura vuelven a tratarse como sinónimos, cuando la particularidad del arte es sólo una pequeña parte del enorme complejo que es la cultura. La cultura se define por cientos de fenómenos y circunstancias históricas que ocurren en un grupo social, pero, considero que ante todo, se define por una condición de praxis; es decir, de su condición vital adscrita a la comunicación entre individuos, no sólo a la muestra de exposiciones en recintos institucionalizados.

Si la diferencia es clara, ¿Por qué existe la tendencia a considerar arte y cultura, en la política, como términos gemelos? Pienso que Pau Rausell Köster, economista español, ha contestado a tal incógnita mejor que nadie al añadir el factor poder que parece implícito. En su libro, Políticas y sectores culturales en la Comunidad Valenciana: un ensayo sobre las tramas entre economía, cultura y poder, define puntualmente las relaciones entre la tríada Poder-Cultura-Arte:

“La relación entre poder y cultura es una relación entre poderes que tanto tiene que ver en la historia de la Humanidad: el poder del vencimiento de las armas o de las letras de cambio con/contra el poder de convencimiento de la imagen y las palabras. (…) Para morir por la patria, la causa, Cristo o Mahoma, que es la savia de los ejércitos que, a su vez, son expresión del poder de la fuerza, es necesario que generaciones de poetas, escritores, músicos y pintores, inventen y distribuyan con eficacia todo un discurso que persuada multitudes sobre el hecho de que vale la pena cambiar la propia existencia por palabras en mayúsculas.

(…)Los tratantes de mensajes, es decir, los creadores, disponen a través de sus habilidades de uno de los recursos más eficientes para activar el comportamiento de los seres humanos y por eso se han convertido en objeto de deseo de otros individuos poderosos que beben sólo de las fuentes de la fuerza y/o el dinero.”[16]

Las palabras de Rausell Köster, cultivadas en el contexto español, nos hablan a un nivel profundo, considerando que hay una fuerte reminiscencia entre la perspectiva nacionalista/global propuesta por Salinas de Gortari y la política artística –o cultural– del Porfiriato, que concebía las exposiciones en el extranjero no sólo como una forma de reivindicar la imagen de los mexicanos a nivel internacional, sino también como una oportunidad para “corregir los ‘errores de la opinión mundial sobre el clima, la política y la sociedad mexicanos”[17]. De vuelta a la década de los 90’, dicha estrategia no pasó inadvertida en otros países que, se podría decir, conformaron el Zeitgeist político-cultural: el auge del Cool Japan, todo ese imaginario Eye Candy[18] en el que todo era posible, nutrido por la tradición y tiempo de la producción gráfica y audiovisual contenida en el manga y anime –y el diseño en general–, asociado al artista japonés Takashi Murakami y el estilo Superflat, funcionó tanto como un concepto diplomático como una estrategia económica alentada por el Partido Liberal Democrático (PLD) del país nipón: una vez que reventó la burbuja económica de los 80’, Japón se enfrentó a un estancamiento económico sin precedentes. Incapaz de sostener las promesas de plenitud en todos los aspectos de la vida japonesa común, aunado al bajo desarrollo automotriz e informático que en otros tiempos caracterizó al país, lo único que podía otorgar de nueva cuenta su trono en el mercado internacional era posicionar su producción cultural –videojuegos y anime– como “principales industrias de exportación”[19]. El impulso a las industrias creativas y a la imagen nacional permeada por una estética kawaii se mantuvo hasta los últimos días del 2009, cuando el PLD perdió las elecciones[20]. La agenda política subsecuente centró sus esfuerzos en las industrias tecnológicas estancadas, con un escaso interés por alentar las artes que algunos años atrás jugaron un papel fundamental en la diplomacia nipona. Japón dejó de ser cool.

Caso similar es el que ocurrió en Reino Unido durante la misma época: los comicios para primer ministro del 97’ fueron significativos porque representaron una oportunidad para dar un cambio a las rancias políticas heredadas del tatcherismo, por lo que se precisó una imagen fresca, cool, de lo que podría llegar a ser Reino Unido. Compartiendo adjetivo con el movimiento cultural japonés anteriormente citado, Cool Britannia fue un término acuñado en 1996 por los medios de comunicación británicos e internacionales[21] para aglutinar una floreciente producción cultural que rondaba más allá de las artes derivadas de la tradición plástica: entre la música, la moda y la vida nocturna, se establecieron las pautas de una nueva forma de vida británica más jovial, respecto a los últimos años, que reconocía en sus imágenes tradicionales (los colores y la misma bandera Union Jack, la Guardia de Gales y los sonidos de la British Invasion de los años 60’) no un lastre, sino el punto de partida idóneo para construir una imagen nacional sólida que pudiera hacer frente a la homogeneidad cultural derivada de la globalización[22]. Oasis modeló un sonido reminiscente a la era dorada del rock británico: de cara al mundo, Noel Gallagher portaba la Union Jack en su Epiphone Casino –el mismo diseño que el del otrora símbolo inglés, John Lennon–; a la par, Geri Halliwell de las Spice Girls, se presenta en los BRIT Awards de 1997 con un atuendo conocido a partir de ese momento como el “Union Jack dress”. Dos fenómenos icónicos de una época donde exhibir enseñas nacionales y sentirse orgulloso del diseño de las cabinas telefónicas y el Big Ben Londres no era exagerado.

El planteamiento optimista del Cool Britannia, como en el caso del Cool Japan, no estuvo políticamente aislado: la cercanía que tuvo Tony Blair del Partido Laborista a las manifestaciones artístico-culturales, específicamente en la música, durante su campaña política en el 96’ sirvió para difundir su agenda política sin caer en los esquemas rígidos de las administraciones anteriores. Era necesario renovar la cara del gobierno en puerta.

Lo sucedido durante el periodo de tiempo asociado al Cool Japan y Cool Britannia son ejemplos que, indirectamente, refuerzan las palabras de Rausell Köster y nuestro planteamiento desarrollado sobre las perspectivas culturales del gobierno mexicano durante el sexenio salinista, sin embargo ¿fue exitoso el proyecto del FONCA, en términos de alentar la proyección internacional de los artistas? Para Sebastián Romo, beneficiario del programa de becas para intercambios en el extranjero, “la beca ayuda a elaborar una producción, y a veces gracias a esto puede ayudar a insertarse en otros sistemas de valores en el extranjero.”[23]

Y añade:

“No sé si es en términos de autoestima, pero la beca sí ayuda al menos a realizar trabajos más formales, y creo que sí regresan al país las inversiones, de otra manera, pues con el tiempo estos fenómenos como Gabriel Orozco y Teresa Margolles retribuyen a la imagen de México.[24]

Las palabras de Romo al respecto son muy curiosas, especialmente por la enorme concordancia con el proyecto de Salinas de Gortari en materia de cultura y sobre la conformación de la imagen de México, en el extranjero y a nivel nacional. Los casos de éxito a los que hace mención son claros: han dejado una huella indeleble en la historia del arte mexicano, especialmente por el aura cosmopolita que envuelve la figura de Orozco, el artista nómada que produce entre las ciudades más importantes del mundo en lo que al mercado del arte se refiere.

En este punto, considero pertinente señalar que hay material suficiente para decir lo que puede ser el arte mexicano en términos de política: en su historia, de un modo similar a lo que ocurrió en otros países como Japón o Reino Unido, las prácticas artísticas –independientemente de la disciplina– han funcionado como un dispositivo diplomático. La tradición de las primeras décadas del siglo XX –marcada por un aliento a la búsqueda de una raíz cultural prehispánica de la mano de artistas como Diego Rivera y Frida Kahlo– y, en décadas posteriores, la avidez de la política de Salinas de Gortari en los años 90’ por colocar a la producción cultural de México en distintos mercados y escenas, representa, como lo señalaba Pau Rausell Köster, una forma de persuadir a los gobernados y a los países vecinos de que lo que ocurre en determinada gestión política marcha bien. En el caso de la política cultural salinista, equiparable a la estrategia utilizada por Porfirio Díaz, el arte jugó un papel importante para construir una imagen nacional a la vanguardia, capaz de jugar el mismo juego que los países señalados como potencias a nivel económico e intelectual. Después de casi veinticinco años de esta postura política, es claro que las promesas del TLCAN estuvieron inflamadas de esperanzas sin argumentos. Aún sí las administraciones que sucedieron a Salinas de Gortari han mantenido en operación al FONCA, con ciertos recortes, y sus artistas beneficiados continúan cosechando éxitos en uno u otro campo, los bajos pronósticos respecto al crecimiento económico, al menos para el 2018, no son nada favorables y resulta complicado saber si México seguirá formando parte de la ‘comunidad mundial’, como lo decía el presidente, únicamente a través de la cultura y arte que han financiado. En algún momento, como una pintura se irá borrando la imagen del México próspero y cool.

III. Arte mexi©ano

Este apartado podría considerarse uno de los más cortos del presente texto, pues en lo que respecta al mercado de las artes, las obras no son nada más ni nada menos que una mercancía: artes derivadas de la tradición plástica; música, literatura, etc. son otro medio del cual se puede extraer una ganancia. No hay mucho más que decir. Aunque quizá sea necesario en este punto matizar los términos: cuando hablamos de mercado del arte, de inmediato nos puede venir únicamente la imagen de las galerías y las ferias de arte, tema del cual se han escrito una cantidad modesta pero significativa de textos, sin embargo el espectro nos pide un cierto grado de compromiso si pensamos en ese término tan incómodo que es la industria cultural y el controvertido concepto de propiedad intelectual.

Ahondando en la terminología propuesta, nos encontramos con un panorama más complejo, pues la discusión sobre la propiedad intelectual en México conlleva a revisar a detalle la precarización del trabajo relacionada con el arte y la cultura que deriva en una falta de reconocimiento social, alentado por la tradición más ortodoxa del marxismo, de estas actividades en las relaciones capitalistas de producción[25]. Acorde con el tratamiento realizado por otros autores [26], la infravaloración institucional de los resultados de la práctica artística, tan sólo en México, ha conducido a formas de organización al margen de los sistemas de financiamiento convencionales relacionados con el arte.

Sin embargo, es necesario preguntarse hasta qué punto dichas iniciativas operan fuera del cerco que han construido y entablan una discusión con otras perspectivas sobre el valor del arte y sus condiciones laborales intrínsecas. Lo menciono debido a que considero un ejercicio críptico la discusión de la propiedad intelectual dentro del mismo círculo del arte, lo cual podría llevar a una discusión tan añeja como la sentencia el arte por el arte. ¿Hoy en día sólo los agentes involucrados en el arte cuentan para definir el valor de la propiedad que generan? ¿Cómo se percibe fuera de su núcleo dicha práctica? Esto no conduce al sometimiento de las agendas artísticas y culturales individuales al capricho de un difuso y amorfo sector como el de “la sociedad mexicana”, sino a una amplitud del criterio que reafirme o niegue la urgencia por operar desde una posición independiente.

Centrando la dirección de este apartado, una consideración que nos ayuda a desenvolver las disertaciones respecto a la propiedad intelectual generada por el trabajo en el arte es la prevalencia de una forma de trabajo enfocada en la producción material. En México se ha reforzado hasta el cansancio la visión unilateral del trabajo como una actividad que genera mercancías objetuales, de dimensiones físicas y palpables –se trate de la maquilación de muebles, automóviles o la construcción de un centro comercial– como el verdadero camino hacia la modernidad y el progreso. En cada discurso político de campaña presidencial, la carta fuerte presentada es la “generación de fuentes de trabajo”, pero que no se trata de aquellas que han superado el esquema fordista, sino de las que siguen el modelo de trabajo basado en salario x hora[27].

Otro indicio que subraya la apatía institucional, en materia de propiedad intelectual, respecto a la práctica artística es el reconocimiento de su distancia respecto a la dinámica de mercado convencional. Por ejemplo, en el arte derivado de la tradición plástica, la gran mayoría de la producción intelectual generada, “al no encontrarse regulada estrictamente dentro de los parámetros industriales”, vuelve “irrelevante” la operatividad de términos como Ley de Propiedad Intelectual (LPI), como lo señala Gregory Sholette[28], situación muy diferente a la que ocurre en las industrias culturales tipificadas, como el cine o la música, cuya dinámica de producción sí se encuentra reconocida por algún órgano fiscal. Sholette menciona el funcionamiento de los artistas en esta dinámica como marcas registradas: responsabilidades que no recaen en un solo individuo sino en toda una célula de trabajo que no corresponde íntegramente a la realización plástica de las obras, sino a su movimiento burocrático. Dentro de sus meditaciones, cita nombres de peso para el arte contemporáneo a nivel global, como Damien Hirst, Marina Abramović o Ai Weiwei[29].

A pesar de que no se cuenten con ejemplos debidamente documentados para estos dos casos de industrias culturales en el contexto mexicano, no quiere decir que no se perciban las consecuencias en la configuración cultural de un país como México, en el que el acceso y difusión de materiales realizados bajo derechos autorales no está regulado, prevaleciendo así la difusión indiscriminada de material ‘protegido’.

El cuestionamiento sobre los resultados de los aparatos burocráticos en México que se han propuesto regular la difusión de la propiedad intelectual de los artistas y creadores apuntan a que dicha iniciativa aún se encuentra en un plano incipiente, por decirlo de una manera amable. Tal como analiza Eduardo Nivól Bolán en su ensayo Propiedad intelectual y Política cultural: Una perspectiva desde la situación Mexicana, “todavía no se reconoce claramente en México algún espacio que permita que la sociedad se vea beneficiada por la creatividad de sus artistas e intelectuales” [30]. Esta es una declaración certera para la política cultural que analizamos en el apartado anterior, de la mano de gobierno salinista y el FONCA.

La mayoría de los casos se enfocan –por ejemplo– en el conflicto de Lars Ulrich de Metallica contra Napster; las cuantiosas demandas de las disqueras contra civiles que usaron una canción accidentalmente en el video de una fiesta, entre otros. Pero esos ejemplos difícilmente operan en el contexto mexicano, y es aún más complicado en lo que refiere al arte, mas no imposible.

Después de años de mantener esta estructura laboral modernista, y apoyando en lo dicho por otros estudiosos, no es sorpresivo que el valor resultante de la práctica artística inmaterial y de otros agentes relacionados a ella sea aminorado por no tener una función inmediata en la vida diaria.

Esto ha sucedido, en parte, por una progresiva disolución de la figura autoral en el arte y la desmitificación de la práctica artística como un proceso de creación desde la nada: el reconocimiento de las influencias formales, de una tradición y de teorías de las que las obras resultantes se pueden valer para definirse conceptual e históricamente[31], lo que conduce a un distanciamiento de las figuras productivas relacionadas al arte que tenían como fin último la construcción de objetos.

Podemos convenir en que la propiedad intelectual refiere a cuestiones que exceden el campo de las artes, sin embargo, esto no quiere decir que lo que ocurre en otros contextos no pueda brindarnos una pista de cómo se podría recibir socialmente la propiedad intelectual generada desde las artes, tal como ocurrió con la investigación del equipo de Aristegui noticias en relación al plagio del proyecto de titulación del actual presidente de México.[32] A diferencia de lo ocurrido en el año 2012 con el ex-presidente de Hungría Pál Schmitt[33], donde el escándalo por el plagio lo orilló a anunciar su dimisión, lo ocurrido en nuestro país no llegó a mayores consecuencias, salvo en el ‘reconocimiento’ de ‘errores metodológicos’ o de estilo.

Más que la situación del plagio per se, lo que develó la controversia es el desinterés por la producción inmaterial –creativa o intelectual-. Y no es extraña considerando la cantidad de productos piratas que se venden en las calles de la Ciudad de México, por ejemplo, las licencias crackeadas de software privativo; la música o películas adquiridas vía MEGA o alojadas en sitios como YouTube, etc. Sin ánimos de generalizar paranoicamente, nos encontramos rodeados y tan habituados al consumo ilegal de propiedad intelectual –sin que la situación pueda pasar a mayores represalias– que la noticia sobre un plagio en un trabajo de investigación resulta un caso risible.

Lo inofensivo de este contexto dista de ser un paraíso para una cultura recombinante, como la que se ha desarrollado colaborativamente por medio de internet o en los espacios artísticos: la negación de las fuentes, de influencias directas o indirectas, la búsqueda por la originalidad por encima del reconocimiento de la tradición y el tratamiento de un problema por parte de otras personas a lo largo del tiempo es lo que, como menciona Sísifo Pedroza- integrante del colectivo de música libre Armstrong liberado- “en vez de contribuir a una cultura de circulación libre, son medidas de expropiación cultural que paralizan el flujo informativo.”[34]

De la mano de lo ocurrido en el 2016, viene una consideración crítica más allá de la nación, retomando el Acuerdo de Asociación Trans- Pacífico (TPP), iniciativa de la cual forma parte México y que, entre sus múltiples y extensas acepciones, la que más se viene a construir el discurso de este apartado es su consideración de la propiedad intelectual.

El resumen ejecutivo del Acuerdo de Asociación Trans- Pacífico (2015) es muy puntual al enunciar:

Sobre los derechos de autor, el capítulo de propiedad intelectual establece compromisos que requieren la protección de las obras, interpretaciones, y fonogramas tales como canciones, películas, libros y programas computacionales, e incluye disposiciones eficaces y equilibradas sobre medidas tecnológicas de protección e información sobre gestión de derechos. (…) En particular, las Partes del TPP proveerán de medios legales para prevenir la apropiación ilegal de secretos comerciales, y establecer procedimientos y sanciones penales para el robo de secretos, inclusive por medio de robo cibernético y para la videograbación en salas de cine[35].

Esto suena a una gran oportunidad para la resolución de varios problemas relacionado con la propiedad intelectual, sin embargo, en nuestro país, con dichos antecedentes ¿Qué tan plausible es, cuando el comercio informal y la piratería son algo relativamente cotidiano?

Para concluir esta sección, me gustaría subrayar la cantidad de problemáticas mercantiles que posibilitan la valoración del arte en general en tanto un producto reproductible en el sentido de la distribución ilegal de sus copias y cómo esto impacta su consumo en la sociedad mexicana. Sé que la cuestión excede territorios y épocas, lo cual hasta cierto punto diluye su relevancia y lo vuelve un problema común, pero la circunstancia económico-histórica que envuelve a las artes mexicanas las coloca en una posición particular, ya que, en un país donde los productos de la canasta básica encarecen derivado de una dependencia –casi– total de mercados extranjeros, ¿la producción artístico-cultural ha sido relegada fuera del consumo de cada familia mexicana? ¿Qué pasa con las producciones nacionales? ¿Son acogidas y defendidas por la población, o bien, son eclipsadas por los productos de casas productoras estadounidenses, por ejemplo? El consumo de cine, música, imágenes, etc. no se detiene; únicamente se obtiene de otros modos que van en contra de la ley y que, sin embargo, no parecen ser un crimen de peso el cual perseguir. De otro modo, lugares como Tepito –en la Ciudad de México– no gozarían de la fama que cargan. Mi postura no es un alegato total a favor de las leyes de propiedad intelectual, pero es curioso que México, como nación en alianza con gobiernos que condenan abruptamente las violaciones a las leyes de propiedad intelectual, permita de una manera tan cotidiana estas irrupciones, al grado de que las copias son parte del paisaje urbano o la imagen del hogar. En el fondo, parece que es más redituable olvidar unas leyes a favor del consumo de ciertas producciones simbólicas, que es lo que al final del día se difunde, independientemente de que la copia haya sido adquirida de una manera legítima o no, asegurando algo más que la adquisición del álbum o la película en sí: la ideología a expandir.

Epílogo. Del arte académico al arte en las academias

Si hablamos de lo que el arte significa para el entorno académico de México, probablemente venga a nuestra mente sin mucho esfuerzo el caso de la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España –fundada en 1781–, hoy conocida como Academia de San Carlos, un bello recinto ubicado en el centro de la Ciudad de México. Caminar rumbo a ella, reconocer su fachada entre la multitud de vendedores ambulantes y transeúntes es una experiencia que detona la imaginación de sobria manera si recordamos algunos aspectos de su historia: una anécdota, contada por los maestros con sólidas raíces en los planteles de la licenciatura en artes visuales de la UNAM, narra que los exámenes profesionales consistían en realizar reproducciones a punta de plata, sanguina u otro material para dibujo, de alguna obra perteneciente al acervo de la academia. Las sesiones para acreditar los conocimientos de los estudiantes eran exhaustivas: no sólo eran pruebas de habilidad, sino de rendimiento físico y mental, pues pasar varias horas en una sola posición, esforzando la vista y el propio cuerpo, distaba de ser divertido.

Las razones detrás de esta y otras pruebas no eran casuales, ya que precisaban una habilidad técnica excepcional, pero no para crear nuevas obras, sino para replicar los esquemas “clásicos”. La colonización de la Nueva España no se podía limitar a las cuestiones geográficas y políticas, implicaba condiciones culturales, por lo que no es extraño saber que “el objetivo primordial al fundar la Academia de San Carlos era educar y capacitar a los llamados “naturales”, es decir, los indígenas de la Nueva España. Para ello se invitó a artistas españoles relevantes como Manuel Tolsá para que formaran parte del grupo de profesores que impartieron cátedra, tomando en cuenta los modelos franceses, ingleses y españoles como principal influencia.”[36]

La Academia como proyecto fue un parteaguas no sólo por el hecho de ser la primera escuela de artes de América: en lo que refiere a la formación en oficios y profesiones para la época, mientras distintos espacios académicos eran cerrados para la población indígena, aquí encontraban cabida; además de ello, representó un duro golpe al sistema de castas colonial[37] debido a que la matrícula estaba abierta tanto a “naturales” como a jóvenes estudiantes de familias acomodadas, nacionales o de otras partes del mundo[38], que buscaban pulir su técnica en alguna de las bellas artes y sus cánones europeos, lo que devino en un sistema casi equitativo de convivencia profesional. Podría parecer un maravilloso panorama para la perspectiva ilustrada del arte, si mantenemos esa segura distancia histórica.

Desde 1910, la Academia de San Carlos fue incorporada a la UNAM; los programas de estudio en arquitectura y artes visuales se han expandido a distintas entidades; existen posgrados en arte y diseño en nuevos planteles; paulatinamente, ha germinado el brote de la investigación, las colaboraciones interdisciplinarias, los coloquios, encuentros, etc. El sistema de titulación –si es que así se podía llamar al antiguo sistema de reproducción de obras – actualmente incluye pero no se limita a la redacción de una tesis: si alguien eligiera reproducir un dibujo como en la vieja escuela, tendría que darle un marco teórico respaldado por bibliografía selecta. Las reglas del juego han cambiado porque la mesa de juegos es otra. Hoy en día se precisa otra imagen de lo que pueden ser las artes; sus perspectivas laborales son distintas, su mercado y desempeño social se pone en crisis, por la misma condición crítica de su sociedad. El paisaje de productos made in China que envuelve a San Carlos lo demuestra.

El arte en los primeros años de la Academia tenía un fin claro: aglutinar y formar –en el sentido más cuadrado de la palabra– una producción artística que respondiera al canon occidental de lo que se considera(ba) bello, a la vez que mantenía el control iconográfico del arte novohispano al no dejarle espacio a los elementos prehispánicos o endémicos del continente en pro de una perspectiva clásica. Pero hoy en día ¿Qué es el arte para las academias de arte? Nos adentramos a una nueva bifurcación, ya que, a la par del perfil cientificista de la investigación que persiguen algunos núcleos en el ámbito artístico, prevalece la condición técnica y la avidez por la factura de productos artísticos de cierto corte clásico. Para la UNAM como proyecto ¿qué papel desempeña un programa de licenciatura y posgrado en artes? Sé que existe el caso de las carreras creadas por el INBA, sin embargo, por el peso, historia e influencia que tiene la Academia de San Carlos en el posible entendimiento del arte mexicano contemporáneo, me he concentrado tanto en ella: formar parte de una institución universitaria pública y contar con un programa de investigación en artes despierta bastantes preguntas por el simple hecho de que el arte como campo de conocimiento no tiene bases claras y sus agentes en el campo del mercado y la política los utilizan a manera de comodín, con una definición prescindible. ¿Qué investiga un posgrado en artes que no puede definir su mismo campo disciplinario? No escribo esto como un reclamo visceral, más bien, esgrimo mi duda con toda la curiosidad posible.

No hecho en saco roto lo dicho acerca de la vacuidad de la definición del arte que estudiamos al inicio con Nāgārjuna, pero genera incertidumbre pensar si el sistema escolarizado contemporáneo del arte se pregunta por sus relaciones con otros medios y, por ende, su papel como disciplina en este momento histórico. ¿De verdad en la academia, ese ente omnisapiente, se gestan todas las respuestas? ¿Acaso no hay preguntas que, desde el inicio, ni siquiera tienen respuestas?

Bibliografía

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Notas

[1] Entendiendo por arte, en este párrafo en particular, a todas las manifestaciones conocidas y por venir, así como la estructura mediática, comercial e institucional que posibilita su difusión en ciertos lugares.

[2]“No existe ninguna cosa que no dependa de las demás, por tanto no exista nada que no sea vacío”. Mulamadhyamakarikah: 24.19.Citado y traducido por Juan Arnau Navarro en La palabra frente al vacío. Filosofía de Nāgārjuna – Fondo de Cultura Económica; Primera edición, 2005, primera reimpresión, 2013. Impreso en México. Colección Filosofía. Pág. 121

[3] A través de un estudio riguroso del concepto de vacuidad en la filosofía de Nāgārjuna, Juan Arnau define dicho término en La palabra frente al vacío (2005) como una representación –o forma–generada desde la capacidad mental del ser humano y la tecnología de la escritura, que si bien nos ayuda, en principio, a reconocer la apariencia y dependencia de todas las cosas en el mundo circundante, no dejar de ser una interpretación más con la que nos aproximamos al camino de la ‘vía media’. Esto suena paradójico en una primera lectura, pero en la exposición de Arnau se define de una manera bastante clara que por el momento no me compete abordar.

[4] “En el ideal del bodhisattva el mundo está por hacer, en esa construcción participan, entre otros materiales, la mente, el deseo, la imaginación, la atención, la conciencia y la forma de percibir las cosas.” Juan Arnau (2005) La palabra frente al vacío. Filosofía de Nāgārjuna ibid. Pág. 223

[5] Me atrevería a decir que esto no es algo exclusivo del campo de las artes: aún si las ciencias cuentan con un método científico, algunos de sus hallazgos han tenido que pasar la prueba del tiempo para ser validadas o desechadas. ¿Cuántas personas nacieron, vivieron y murieron creyendo que la tierra era el centro del universo, o pensando que la gravedad era sencillamente la fuerza de atracción instantánea entre cuerpos celestes y no una posible deformación en el espacio/tiempo, como planteó Einstein? Ideas así que hoy nos pueden parecer obvias, han definido la percepción de toda una vida, algo que no es poco.

[6] ¿Cómo construyó Frida Kahlo su propio mito a fuerza de inteligencia, impostura y creatividad? – publicado en Sin Embargo, 9 de diciembre del 2017. Disponible en: http://www.sinembargo.mx/09-12-2017/3361197

[7] Elsa Cecilia Frost (1972) Las categorías de la cultura mexicana – Fondo de Cultura Económica, México; 4ª edición, 2009. Pág. 272.

[8] Elsa Cecilia Frost. Ibid. Pág. 271

[9] Arte que cautivó a México y el mundo – publicado en El Informador, 27 de diciembre del 2017. Disponible en:

https://www.informador.mx/Arte-que-cautivo-a-Mexico-y-el-mundo-l201712260003.html

[10] Secretaría de Cultura. ¿Qué es el FONCA? Disponible en: http://fonca.cultura.gob.mx/inicio/que-es-el-fonca/

[11] Secretaría de Cultura. ¿Qué es el FONCA? Ibid.

[12] Categoría estudiada por Zygmunt Bauman en La cultura como praxis (Culture as Praxis) SAGE Publications, Londres, 1999. Editado en español por Paidós Ibérica, Barcelona, España y traducido por Albert Roca Álvarez, 2002.

[13] Carlos Salinas de Gortari, III Informe de Gobierno del Presidente Constitucional de los Estados Unidos Mexicanos Carlos Salinas de Gortari 1° de noviembre de 1991 – Fuente: Diario de los Debates de la Cámara de Diputados del Congreso de los Estados Unidos Mexicanos. Año I.- periodo ordinario LV Legislatura.- Núm. 2 viernes 1° de noviembre de 1991. Consultado en Carlos Salinas de Gortari, informes de gobierno, documento electrónico, Servicio de Investigación y Análisis, H. Congreso de la Unión. Disponible en: http://www.diputados.gob.mx/sedia/sia/re/RE-ISS-09-06-17.pdf Págs. 155-156

[14] Carlos Salinas de Gortari, III Informe de Gobierno del Presidente Constitucional de los Estados Unidos Mexicanos Carlos Salinas de Gortari 1° de noviembre de 1991. Op.Cit. Pág. 175

[15] Carlos Salinas de Gortari. ibid.

[16] Pau Rausell Köster (1999) Políticas y sectores culturales en la Comunidad Valenciana: un ensayo sobre las tramas entre economía, cultura y poder – Universitat de València, 1999. Pág. 43-44

[17] ”Mientras el gobierno de Díaz concebía las exposiciones como oportunidades de mejorar la imagen de los mexicanos, servían también para corregir los ‘errores’ de la opinión mundial sobre el clima, la política y la sociedad mexicanos.’’ Robin Greeley, Adéle, Artistas mexicanos en Europa durante el porfiriato y la revolución en Hacia otra historia del arte en México.Tomo II coordinado por  Acevedo, Esther y Stacie G. Widdifield CONACULTA/CURARE, A.C., 2004), pág. 302.

[18] “Algo que es puramente agradable, en términos estéticos. Agradable a los sentidos.” Trad. Basada en la definición brindada por el Urban Dictionary. Disponible en: https://www.urbandictionary.com/define.php?term=eye%20candy

[19] “What they talked about [the Liberal Democratic Party (LDP)], as the economy remained stagnant and Japan’s influence in the world declined, was culture: how to rebrand and repackage Japan’s international image. And so they put manga and anime on official brochures. Video games and toy character stars replaced cars and computers as the image of Japan’s principle export industries.” Adrian Favell (2011) Before and After Superflat: A Short History of the Japanese Contemporary Art 1990-2011 – Blue Kingfisher Limited, Hong Kong. Impreso en China. Pág.41

[20] “In the early 1990s, the magazine industry went into its most intense period of expansion and success, sucking in talent and creativity out of the conventional corporate economy. (…) There was a boom in graphic design, in toy design, in music, in fashion, in literature, in independent publishing, in freelance journalism, in film making, in manga, in anime, in video game design – and in contemporary art. All of the eventual protagonists of Cool Japan emerged during the period that gets going in the early 1990s. The economic boom led to a cultural boom, driven by a generation who grew up in the bubble (…)” Adrian Favell (2011) Before and After Superflat. Ibid. Pág.83

[21] Stryker McGuire, This time I’ve come to bury Cool Britannia – The Guardian. 29, Marzo 2009. Disponible en: https://www.theguardian.com/politics/2009/mar/29/cool-britannia-g20-blair-brown

[22] Aunado al desprecio de las relaciones diplomáticas con Estados Unidos durante la administración pasada, que trajeron consigo privatizaciones en distintos sectores, y una notoria influencia cultural proveniente del país norteamericano, el nuevo Reino Unido apostó por un enaltecimiento de sus raíces y un nacionalismo que erradicara lo estadounidense de su territorio, de tal suerte que la bandera y los objetos típicamente ingleses formaron parte de la vida diaria en los 90’: las cabinas telefónicas, los perros pitbull, etc.” Manuel Guerrero, Live Forever: The Rise And Fall Of Brit Pop. ¿Hay una escucha inocente? – Armstrong Liberado, mayo, 2017. Disponible en: https://armstrongliberado.wordpress.com/2017/05/11/live-forever-the-rise-and-fall-of-brit-pop-hay-una-escucha-inocente/

[23] Sonia Ávila, Jóvenes Creadores, sus primeros años cuando eran becarios –Excélsior, 03, junio de 2014. Disponible en: http://www.excelsior.com.mx/expresiones/2014/06/03/962946#imagen-2

[24] Sonia Ávila, Jóvenes Creadores, sus primeros años cuando eran becarios. ibid.

[25] “El veredicto, más o menos explícito, de la improductividad del trabajo no material ha conducido siempre a los marxistas a dejar de lado la cuestión de los trabajadores intelectuales. Los «artistas ejecutantes, oradores, enseñantes, médicos y sacerdotes» no participan explícitamente de las relaciones capitalistas de producción.” Blondeau, Olivier, Génesis y subversión del capitalismo informacional en Capitalismo cognitivo, propiedad intelectual y creación colectiva (2004) Olivier Blondeau, Nick Dyer Whiteford, Carlo Vercellone, Ariel Kyrou, Antonella Corsani, Enzo Rullani, Yann Moulier Boutang y Maurizio Lazzarato tr: Emmanuel Rodríguez López (cap. 1, 2, 3 y 5) Beñat Baltza (cap. 4 y 5, y anex. 1, 2, y 3) Antonio García Pérez-Cejuela (cap 4) 1ª edición, editorial Traficantes de Sueños C\Hortaleza 19, 1º drcha. 28004 Madrid. Tlf: 915320928 pág: 32

[26] Entonces sí es posible hablar de propiedad creativa en México, ¿quién puede ostentar dicho término? Yo creo que deberían de ser en primer lugar los mismos artistas, que tengan claro que no es necesario producir más empleados para una sociedad con aspiraciones exclusivamente hacia el capital, sino instituciones que generen experiencias significativas y equitativas tanto para productores e inversores, como consumidores del arte y la cultura.” Gómez Arias, Alejandro en Financiamiento y propiedad creativa en el arte contemporáneo mexicano, mmmmetafile, noviembre 17, 2016 http://www.mmmmetafile.net/uncategorized/financiamiento-y-propiedad-creativa-en-el-arte-contemporaneo-mexicano-por-alejandro-gomez-arias/

[27] Este tema lo he tratado con más profundidad en mi ensayo Nowhere men: Una revisión a Capitalismo Cognitivo y La sociedad de consumo en el capítulo 2: La condición laboral del arte. Pueden consultarlo en el siguiente link: https://drive.google.com/file/d/0ByBEuGGKwLfMRngxTGNWZGxoWkk/view

[28] “Gregory Sholette señala en un texto imprescindible, Dark Matter. Art and Politics in The Age of Enterprise Culture (2011), que la inmensa mayoría de los artistas y las instituciones vinculadas al arte actual no opera bajo los criterios del mercado ni es productiva para éste. Por tanto, la LPI le es irrelevante.  Esta irrelevancia es evidente de igual manera para el arte contemporáneo mexicano, principalmente porque no es un sector profesionalizado bajo la perspectiva de las “industrias culturales”.” López Cuenca, Alberto Opinión: ¿A quién beneficia la Ley de Propiedad Intelectual en el arte? En Revista Código, abril, 01, 2014 en http://www.revistacodigo.com/opinion-a-quien-beneficia-la-ley-de-propiedad-intelectual-en-el-arte/

[29] ibid.

[30] “¿Se encuentra en México algún espacio que permita que la sociedad se vea beneficiada por la creatividad de sus artistas e intelectuales? Por lo pronto no parece claro.” Eduardo Nivón Bolán, Propiedad intelectualy Política cultural: Una perspectiva desde la situación mexicana en Propiedad intellectual, nuevas tecnologías y libre acceso a la cultura, coordinado por Alberto López Cuenca y Eduardo Ramírez Pedrajo, Centro Cultural de España en México y Universidad de las Américas Puebla, Primera edición 2008, México, pág. 51

[31] Lo cual, en el más trágico de los casos, sólo ha representado una oportunidad para repetir esquemas y asegurar fórmulas.

[32] Investigaciones especiales, Peña Nieto, de plagiador a presidente, en Aristegui Noticias, agosto 21, 2016

http://aristeguinoticias.com/2108/mexico/pena-nieto-de-plagiador-a-presidente/

[33] Univisión, Renunció presidente de Hungría por plagiar tesis de doctorado, en Univision.com, abril 03, 2012

http://www.univision.com/noticias/noticias-del-mundo/renuncio-presidente-de-hungria-por-plagiar-tesis-de-doctorado

[34] Pedroza, Sísifo, El Plagio Tópico en Armstrong Liberado, septiembre 3, 2016 https://armstrongliberado.wordpress.com/2016/09/03/el-plagio-topico/

[35] Secretaría de Economía, México, Acuerdo de Asociación Trans- Pacífico, pág. 10

http://www.sice.oas.org/TPD/TPP/Negotiations/Summary_TPP_October_2015_s.pdf

[36] Presidencia de la República. La Academia de San Carlos. La primera escuela de arte del continente americano. 04 de nov. Del 2010. Disponible en: http://calderon.presidencia.gob.mx/2010/11/la-academia-de-san-carlos-la-primera-escuela-de-arte-del-continente-americano/

[37] “El acta de fundación también requería que la academia reclutara estudiantes de todas las razas y clases sociales, afectando el sistema de castas del período colonial. Carlos III personalmente le dio a cada estudiante indígena un título de nobleza, en los primeros años de la academia, para garantizar que nadie pudiera cuestionar la participación de estudiantes indígenas.” Steven Carr, La Academia de San Carlos de México: Cómo una escuela de arte ayudó a construir una nación – The Schiller Institute, Octubre de 2013.

Disponible en: http://www.schillerinstitute.org/spanish/art/academy_of_san_carlos.html

[38] “Al ser la primera escuela de arte fundada en el continente americano durante varios años, tuvo gran afluencia de jóvenes provenientes de otros países que llegaron a conformar una plantilla de estudiantes de alrededor de 400 alumnos”. Ibid.

 

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Una lucha contra la privatización de la información, la historia de Aaron Swartz

La información es poder. Pero como todo poder, hay quienes quieren mantenerlo para sí mismos.

Aaron Swartz

A cinco años de la muerte de Aaron Swartz, comparto el documental sobre la historia de su vida. Considerado un genio desde pequeño, fue programador, escritor y activista de Internet. Su ideología pretendía liberar el conocimiento para todos,  accedió y descargo información de la base de datos JSTOR en el MIT siendo acusado de compartir esta información, la cual esta protegida por derechos de autor, en portales de internet. Lamentablemente las políticas gubernamentales las cuales determinan a qué tipo de información se tiene derecho (privatización de la información), vertieron todo su poder judicial sobre Aaron para dar así, una lección a todos los que intentaran distribuir y liberar el conocimiento o cualquier tipo de información que afecte económica y políticamente los intereses de las grandes empresas o de los mismos gobiernos.

 

 

 

El eclipse y la fundación de Tenóchtitlan

El relato de una larga peregrinación fue conservado por los mexicas como parte de su tradición y origen. Así fundaron la gran Tenochtitlan, en el lago de Texcoco, guiados por su dios Huitzilopochtli.

Los mexicas habían salido de una isla llamada Aztlán, por cuyo nombre también son conocidos como aztecas, situada probablemente en algún lugar remoto al norte de Tenochtitlan. Este hecho está documentado, en especial en el códice conocido como la Tira de la Peregrinación, que es una tira de papel de maguey que representa el viaje del pueblo desde su salida de Aztlán. Los historiadores consideran que alrededor de los años 1150 y 1300 los mexicas peregrinaron por diversos lugares hasta asentarse en los lagos del Valle de México.

La mayor parte de las fuentes históricas señalan que la fundación de México-Tenochtitlan ocurrió en el año 1325. Esta fecha corresponde a la que declararon los propios indígenas en los años siguientes a la Caída de Tenochtitlan. Los estudios arqueoastronómicos indican que en ese año también ocurrió un eclipse solar, suceso astronómico que pudo ser tomado por los mexicas como un marcador mítico que pudiera legitimar la supuesta relación entre los toltecas y los tenochcas.

Huitzilopochtli dijo a su pueblo que fuera hacia nuevas tierras, también les ordenó que dejaran de llamarse aztecas porque a partir de ese momento serían todos mexicanos, así es recreado en el Códice Aubin y el Códice Durán.

La Tira de la Peregrinación señala que Aztlán estaba ubicado en una isla donde había seis calpullis (clan formado por un conjunto de familias) y un gran templo, probablemente dedicado a Mixcóatl, después que los mexicas llegaron a Teoculhuacan en el año 1-pedernal, partieron ocho calpullis encabezados por cuatro teomamaque (cargadores de los dioses); uno de ellos, identificado como Tezcacóatl, quien “cargaba” a Huitzilopochtli.

Según el mito, Huitzilopochtli ordenó que fundaran la ciudad donde estuviera “un águila parada sobre un nopal devorando una serpiente”. Siguiendo este designio, los mexicas deambularon por varios lugares, siempre en busca de la señal.

De acuerdo con la Tira de la Peregrinación, la gente de Cuitláhuac se separó del resto de los calpullis.

Más tarde, los mexicas llegaron al Valle de México y pasaron por varios pueblos, hasta que se asentaron en territorio de los tepanecas de Azcapotzalco, a quienes les sirvieron como guerreros mercenarios.

Finalmente, encontraron el sitio señalado por Huitzilopochtli en un islote del lago de Texcoco.” (1)

(1) Texto copiado del sitio http://www.templomayor.inah.gob.mx/historia/mito-de-la-peregrinacion.

Pequeña Biografía Armstrong (II)

Como ya se ha hecho en una ocasión, les traigo a continuación a los integrantes Armstrong que aún no se han presentado. Os dejo aquí para el deleite 😉

enblanco

Neural Xolotl

Neural Xólotl escucha el eco de quienes han muerto. Ama lo deforme. Habla con todo lo condenado a la sordera. Hunde al silencio en analgésicos de ternura. Predice el pasado. Adormece la furia. Sueña al amor perdido. Grita bajo el agua. Descansa en paz

Daniel Delgado Herrera (Daniel Evo) es artista visual-escénico. Nació en México D.F. el 25 de mayo de 1985. Empezó produciendo imágenes como diseñador y reflexionando el cuerpo en colectivos de danza butoh. Le interesa el tránsito entre la práctica de las artes visuales y la experimentación escénica. En febrero 2017 terminó el segundo seminario de pintura contemporánea en TACO exhibiendo una pieza de instalación pictórica en la muestra final. En noviembre de 2016 realizó “Montaña y agua” proyecto de intervención en las canchas de London Squash a partir del cruce entre instalación y coreografía. En marzo de 2016 presentó “3RROR” instalación escénica en la nave superior del Centro de las Artes de San Agustín Etla, en Oaxaca, como muestra final del diplomado interdisciplinario “Interacciones, Cuerpos en Diálogo Plataforma de creación coreográfica”. Como artista escénico se ha presentado en el Teatro de la Ciudad, Teatro de las Artes, Teatro “Raúl Flores Canelo” con colectivos como Círculo de Investigaciones Escénicas “Tlahkitli”, Laboratorio de Danza Butoh “El Caldero”, entre otros. Con su proyecto audiovisual Mo T Mo en 2012 presentó en Italia “The forest frog crosses a forgotten chain” en el encuentro de artistas multimedia “LPM Live Video Performers, Visual Artist and VJ Meeting”, edición XI Roma-Italia. Estudió la  licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la exEnap-Unam.

 

Me Latex cacahuatex o no importa lo que escribas si lo escribes bonito (tuto de cómo escribir la tesis en Texstudio).

Queridos todos.

En esta ocasión escribo un tutoríal sobre  \LaTeX.  Seguramente saben que  \LaTeX sirve para generar documentos con una alta calidad tipográfica, es decir, sus documentos les quedan bien bonitos, sí, mejor que en word y además es gratis.  \LaTeX se utiliza especialmente cuando el documento que escribimos tiene ecuaciones matemáticas, sin embargo, cómo ya mencione, te permite dar un estupendo formato a tu documento, especialmente si se trata de una tesis o de un articulo. En está ocasión nos dedicaremos al primer documento. Este tutorial lo pueden aplicar sin mayor problema en cualquier editor de  \LaTeX, pero en esta ocasión utilizaremos el famoso  Texstudio  ya que es gratis y multiplataforma. Sin más comencemos.

El primer paso a seguir, sobre todo si se va a escribir una tesis, es generar en su computadora una carpeta especifica en la cual todos los archivos de su documento se almacenen, es decir, capítulos, imágenes y  bibliografía. Para cada uno de estos apartados, es preciso generar una carpeta especifica (para que no se haga un desorden) dentro de la carpeta principal del documento.

El siguiente paso abrir el editor de \LaTeX ( Texstudio), una vez dentro del programa creamos un archivo nuevo y lo guardamos en la carpeta principal del proyecto. Este será algo así como el archivo madre.  El primer código que va en el documento es el que determina el tamaño de pagina, iniciar capítulos nuevos hacia la derecha (como en un libro) , el tamaño de fuente ,  escribir texto en ambas caras de una hoja y el tipo de documento que realizaremos. Escribiremos entonces:

\documentclass[a4paper,openright,12pt,twoside]{book} 

Lo siguiente es definir los paquetes que utilizaremos, es decir, paquetes de idioma, para escribir ecuaciones, hacer dibujos, colocar imágenes, notas y un montón de otras cosas útiles. Pero para definir los paquetes crearemos otro documento de Textmaker  al que podremos llamar “paquetes”. El contenido básico de este documento es:

\usepackage[spanish]{babel}% idioma español 
\usepackage[utf8]{inputenc}% para escribir correctamente acentos
\usepackage{setspace} %cambiar interlineado
\usepackage{amsmath}% para hacer referencia a una ecuación incluyendo la sección donde se encuentra
\numberwithin{equation}{section}
\usepackage{amssymb} %fuente especial para matemáticas
\usepackage[colorlinks=true,breaklinks=true]{hyperref} %para poder navegar a travez de nuestras referencias dentro de nuestro documento. Este hipertexto estará resaltado con color
\usepackage{xcolor} %con las siguientes líneas podemos definir el color de las referencias
\definecolor{c1}{rgb}{0,0,1} % azul
\definecolor{c2}{rgb}{0,0.3,0.9} % azul clarito
\definecolor{c3}{rgb}{0.3,0,0.9} % rojo azuloso
\hypersetup{ linkcolor={c1}, citecolor={c2}, urlcolor={c3} } % especificamos el color para cada tipo de referencia (imágenes o ecuaciones, citas bibliográficas y paginas de internet
\usepackage{graphicx} % incluir imágenes.
\usepackage{natbib}% paquete para hacer referencias a la bibliografía
\usepackage[nottoc]{tocbibind} %mostrar la bibliografía en la tabla de contenido
\usepackage{enumerate} %para opciones de enumeración de listas (viñetas y todo eso) \usepackage{todonotes} %para poner notas en el documento, las cuales no se veran en el archivo final.
\usepackage{fancyhdr} %para tener encabezados bonitos en nuestro documento 

Una vez guardado este documento (en la carpeta principal del proyecto), dentro de nuestro documento principal tenemos que incluir este documento (el documento donde definimos los paquetes). El comando que escribiremos es:

\include{paquetes} 

Les recomiendo que guarden constantemente los cambios realizados, por aquello de los imprevistos. Ahora escribimos el comando para comenzar a escribir propiamente nuestro documento:

\begin{document}
%aquí van la portada los capítulos la biblio y otras cosillas
\end{document} 

Hasta este punto el documento se verá así

Texstudio1.png

Marcado en azul vemos nuestro documento principal y el documento paquetes, allí veremos todos los documentos que agreguemos a nuestro documento principal. Marcado con rojo  vemos las pestañas que corresponden a cada documento nuevo que agreguemos, con ellas podemos visualizar cada documentos  El archivo “paquetes” tendrá esta pinta:

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 18.23.50.png

Ahora escribiremos la portada del documento. Para hacer esto nuevamente crearemos un archivo nuevo dentro de Texstudio. Este documento se debe ver así

\begin{titlepage} %iniciamos una pagina de titulo
\newcommand{\reglita}{\rule{\linewidth}{0.5mm}}% Este es un ejemplo de lo que se conoce como macro, a un comando de latex le asignamos un nuevo nombre que nos resulte familiar, en este caso se renombra \rule que sirve para dibujar una línea
\center
%%%% Encabezado
\textsc{\LARGE Nombre de la Universidad}\\ [1.5cm]
\textsc{\Large Nombre de facultad}\\ [0.5cm]
\textsc{\large Nombre del departamento}\\ [0.5cm]
%%% Titulo del trabajo
\reglita \\[0.4cm]
{ \huge \bfseries Aquí mero va el titulo\\
\Large\bfseries (y subtitulo del trabajo)}\\[0.4cm]
\reglita \\[1.50cm]
%% nuestros datos
\begin{large}
Tesis escrita por Paco del Barrio.
\end{large}\\[0.4cm]
\rule{80mm}{0.1mm} \\[0.4cm]
\begin{large}
Tutor:\\
Señor Profesor Jirafales.
\end{large}\\[4cm]
\includegraphics[width=0.3\textwidth]{imagenes/ubuntu}\\[1cm] % Así añadimos una imagen
\vfill %Llenamos con espacios en blanco
\end{titlepage} 

De las lineas anteriores cabe destacar que con \LARGE, \Large y \large modificamos el tamaño del texto. Con \textsc {aquí va el texto} hacemos letras capitales que tienen el tamaño de letras minúsculas. Este comando pertenece a una serie de instrucciones que permiten enfatizar las palabras; además de \textsc están:

\textit{} % italicas
\textbf{} % negritas
\texttt{} % tipo maquina de escribir
\textsf{} % sans-serif, ósea las letras no tienen bordes estilizados.

En cuanto a la inserción de imágenes hasta ahora bastará con saber la forma general de

\includegraphics[width= ancho deseado]{ruta de la imagen dentro de nuestra compu} 

Yo recomiendo que en la carpeta del proyecto creen una nueva carpeta  donde estén todas sus imágenes. Si colocamos \textwidth después de width=, entonces el ancho de nuestra figura tendrá una relación con el ancho del texto.  Por ultimo tenemos que incluir nuestra portada en el documento principal, para esto simplemente añadimos lo siguiente.

\include{portada} 

Este comando va entre las ordenes de inicio y final del documento, es decir,

\begin{document}
\include{portada} %aquí mero va
\end{document} 

Ahora es tiempo de ver como queda nuestra portada. Posteriormente podemos utilizar los atajos F6 para compilar el código  \LaTeX y  para compilar y generar el archivo PDF utilizamos F5. Comúnmente nuestro PDF se visualiza a un lado de la pantalla, si no es así entonces  utilizamos F7. Tendremos el siguiente resultado.

latex4.png

En el programa nuestra portada se ve así :

texstudio3.png

La siguiente sección es la dedicatoria. Una vez más generamos un documento nuevo (“dedicatoria”). Un formato de dedicatoria puede ser el siguiente

Texstudio4.png

Para obtener este resultado en especifico, el documento dedicatoria tendrá la siguiente forma

\chapter*{}
\begin{flushright}
\null\vspace{\stretch{1}} 
Dedicado a mi madresita santa. 
\vspace{\stretch{2}}\null
\end{flushright}
 

La instrucción \chapter* sirve para generar el titulo de un capítulo, con el asterisco evitamos que este capítulo tenga un número de capítulo. El siguiente capítulo es el abstract. Primero haremos un nuevo archivo con este nombre. Este archivo lo podemos guardar dentro de la carpeta capitulos. La pinta de este archivo es la siguiente

\chapter*{Abstract}
\onehalfspacing
bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla bla 

La instrucción \onehalfspacing sirve para que tengamos un interlineado a medio espacio. Para los agradecimientos y si su escuela no confía en ustedes, la declaratoria, deben generar archivos similares.

Ahora haremos dos archivos nuevos de capítulos. A uno le podemos llamar cap1 y a otro cap2. Estos archivos tendrán cada uno esta forma

\chapter{Titulo de cap.}
\onehalfspacing
%aquí va mucho texto 
\section{Titulito de la sección.}
%más texto
\subsection{Titulillo de la subvención.}
%texto

Nótese que la instrucción \onehalfspacing debe estar en cada archivo de capítulo, después del título del capítulo.

Ahora acomodemos todo esto en nuestro archivo principal, para compilarlo y ver el pdf. Para hacer esto primero pensemos en como queremos que se vean los encabezados de nuestro documento. Un posible estilo es dónde en cada página par tengamos del lado derecho el número de la página y en el lado izquierdo el número y nombre del capítulo. En las páginas impares queremos del lado izquierdo el titulo de la sección y del lado derecho el número de pagina. Para hacer todo esto primero, en nuestro archivo principal daremos las instrucciones para editar la parte central de los encabezados y pies de página. Igualmente daremos formato a la primera página de cada capítulo para que no contenga encabezados ni pies de página. Posteriormente incluiremos cada uno de nuestros capítulos con el comando \include. Nuestro documento tendrá esta facha

\documentclass[a4paper,openright,12pt,twoside]{book}
\include{paquetes}
%editar encabezados
\chead[]{}
% primera pagina de un capitulo
\fancypagestyle{plain}{
 \fancyhead[L]{}
 \fancyhead[C]{}
 \fancyhead[R]{\thepage}
 \fancyfoot[L]{}
 \fancyfoot[C]{}
 \fancyfoot[R]{}
 \renewcommand{\headrulewidth}{0pt}
 \renewcommand{\footrulewidth}{0pt}
}
%quitar número de pagina del pie de pagína
\cfoot[]{}
\pagestyle{fancy}
\frontmatter
\begin{document}
\include{portada}
\newpage
\thispagestyle{empty} % para que no se numere esta pagina
\include{dedicatoria}
\newpage
\thispagestyle{empty}
\include{capitulos/abstract}
\newpage
\thispagestyle{empty}
%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%
\lhead[\thepage]{\thechapter. \rightmark}
\rhead[ \leftmark]{\thepage}
\tableofcontents
\markboth{Índice general}{Índice general}
\mainmatter
\include{capitulos/cap1}
\include{capitulos/cap2}
\end{document}

Ahora bien, la indicación \frontmatter sirve para que las paginas de la dedicatoria, agradecimiento, índices y abstract tengan numeración rompa. \mainmatter permite que el cuerpo de la tesis  se numere con números arábigos . Regresemos a editar los capítulos para arreglar los encabezados

\rhead[\thechapter. \leftmark]{\thepage}
\chapter{Introducción}
\markboth{Introducción}{Introducción}
\onehalfspacing
%un poco te texto
\section{Mi título}
\lhead[\thepage]{\thesection. Mi titulo}
%Más texto

Con ayuda de \lhead y \rhead editamos el lado izquierdo y derecho del encabezado, respectivamente. Del lado izquierdo queremos el número de pagina  y el nombre de la sección.  Este comando debe ir entonces después del título de cada sección. Con \rhead queremos simplemente el número de capítulo y que coloque el número de página en las paginas impares. Con la indicación \markboth podremos colocar el nombre de capítulo en cada lado del encabezado, aunque solamente se vera del lado derecho. Esta indicación debe ir después de cada declaratoria de capitulo.  Con estás modificaciones  un capítulo se verá así

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 20.31.47.pngCaptura de pantalla 2017-03-26 a las 20.32.29.pngCaptura de pantalla 2017-03-26 a las 20.33.03.png

Ahora agreguemos algunas imágenes y ecuaciones  en nuestro documento. Como ya mencionamos anteriormente, es recomendable guardar todas nuestras imágenes en una subcarpeta dentro de la carpeta de nuestro archivo. Para que nuestro documento de \LaTeX sepa donde están nuestras imágenes podemos agregar una linea de comando después de la instrucción que carga los paquetes que usamos, esta linea es

\graphicspath{ {nombre de la carpeta/}}

Para colocar una imagen utilizamos el siguiente código

bla bla bla bla 
\begin{figure}[h]
 \centering
 \includegraphics[scale=0.5]{Onda_senoidal}% escalar imagen y nombre de nuestro archivo de imagen
 \caption{Onda senoidal}
 \label{ondas}
\end{figure}
más bla bla bla

Este código lo podemos poner en la parte del texto dónde más nos apetezca. Con la indicación [h], \LaTeX nos acomoda bien bonito la imagen, ahora que si la queremos poner dónde realmente queremos, en lugar de [h] usamos [H]. Lo siguiente es centrar la imagen con \centering  y después incluir la imagen dandole la escala que nosotros queramos. Lo que sigue es darle un pie de foto a nuestra imagen con \caption{}. Por ultimo con ayuda de \label{} etiquetamos nuestra figura para después poder hacer una referencia a ella en nuestro documento.  Esto se hace con el comando \ref{}. Un ejemplo de esto sería

bla bla bla bla bla bla. bla blabla como se ve en la figura (Fig. \ref{ondas}). bla bla bla.
\begin{figure}[h]
 \centering
 \includegraphics[scale=0.5]{Onda_senoidal}% escalar imagen y nombre de nuestro archivo de imagen
 \caption{Onda senoidal}
 \label{ondas}
\end{figure}
más bla bla bla

Tendríamos algo así

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 21.54.28.png

Podemos agregar un índice de imágenes con el siguiente comando

\lhead[\thepage]{\thechapter. \rightmark}
\rhead[ \leftmark]{\thepage}
\listoffigures
\markboth{Índice de figuras}{Índice de figuras}

El cual va justo después de \tableofcontents. Ahora veamos como realizar una tabla. Una forma sencilla es la siguiente

\begin{table}[h]
\centering
\begin{tabular}{|l | l | l |}
Lugar & Fecha & Personas\\
\hline
Paris&2004&4\\
Tula&2045&7 
\end{tabular}
\caption{Tabla de valores.}
\label{tablalugares}
\end{table} 

 

Como pueden observar la estructura es similar a la de una figura. Simplemente indicamos una tabulación para las lineas de la tabla con el símbolo |. Agregamos \hline para colocar una linea horizontal, agregamos \\ para obtener un salto de fila y & para agregar un espacio igual entre caracteres. Para hacer referencia a nuestra tabla lo hacemos de la misma forma que se hizo con una figura. El resultado es este

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 22.16.52.png

Para generar el índice de tablas usamos lo siguiente

\lhead[\thepage]{\thechapter. \rightmark}
\rhead[ \leftmark]{\thepage}
\listoftables
\markboth{Índice de cuadros}{Índice de cuadros}

Por último provemos con una ecuación. Usemos la ley de Gausss para el campo eléctrico. Para obtenerla escribimos en nuestro texto

\begin{equation}
\label{gauss}
\phi_E =\displaystyle \oint_S \vec{E}\cdot d\vec{S}
\end{equation}

 

Nuevamente observamos que la estructura es similar a las de una figura y una tabla. Lo único distinto son los símbolos matemáticos. Para hacer referencia a la ecuación igualmente utilizamos \ref{nombre de ecuación}.  Este código nos da lo siguiente

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 22.42.29.png

Por ultimo vamos a por la bibliografía. Para crear la bibliografía necesitamos hacer un archivo nuevo dentro de Textstudio al cual podemos llamar mibibliografia. Es importante que la extension de este archivo sea .bib. Tendremos entonces mibibliografia.bib

Antes de editar este archivo, vamos primero a incluir en nuestro archivo de paquetes el siguiente comando

\usepackage{natbib}

Este comando permite que la bibliografía se visualice de manera apropiada en el documento.  Ahora, en nuestro archivo principal, después de nuestros capítulos ingresamos el nombre de nuestro archivo que contiene nuestra bibliografía y después el estilo que queremos para citar. Esto se debe ver así

.............
\include{capitulos/cap1}
\include{capitulos/cap2}
\lhead[\thepage]{\thechapter. \rightmark}
\rhead[ \leftmark]{\thepage}
\bibliography{mibiblio}% aquí mero va el nombre de nuestro archivo
\markboth{Bibliografía}{Bibliografía}
\bibliographystyle{apalike}
\end{document}

Ahora editemos nuestro archivo mibiblio.bib. Para esto recomiendo ampliamente el uso de  google académico, ya que es la forma más sencilla de obtener la ficha bibliográfica de un libro. Para usarlo simplemente buscan el libro o articulo, una ves localizado pinchan donde dice Citar y les saldrá una ventana como esta

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 23.41.16.png

Clickean donde dice BibTex y saldrá un texto que deben copiar y pegar en el archivo de la bibliografía, el texto es así

@techreport{benham1973mechanics,
  title={Mechanics of solids and structures},
  author={Benham, Peter Philip and Warnock, Frederick Victor},
  year={1973}
}

Pueden editar la primera parte de este texto para que sea más fácil citarlo, ósea algo así

@techreport{benham1973,
  title={Mechanics of solids and structures},
  author={Benham, Peter Philip and Warnock, Frederick Victor},
  year={1973}
}

No importa el orden en el que acomoden las fichas, el comando del estilo bibliográfico lo hará por vosotros. Para hacer referencia a una fuente lo que tenemos que poner dentro de nuestros capítulos es lo siguiente

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Morbi a dolor cursus, tempus sapien ac, elementum quam. Etiam eget felis sem. Aliquam vel nibh sed velit elementum lacinia \citep{yang2002}.

Esto se ve así

Captura de pantalla 2017-03-26 a las 23.50.03.png

Bueno, con esto pueden dar un formato muy bonito a su tesis. Por supuesto cada uno de los puntos que hemos visto tiene muchas posibilidades. Tanto las imágenes como las tablas y las ecuaciones son todo un mundo para editar e distintas formas. Veremos más a fondo estos temas en los próximos post. Eventualmente mostraremos como dibujar directamente en \LaTeX y como utilizar otros programas junto con \LaTeX. Por ejemplo para generar sus propias gráficas matemáticas y colocarlas en su documento.

Por lo pronto esperamos que este pequeño tutorial sea de ayuda y ustedes experimenten un poco con todo esto. Cualquier duda o comentario será bienvenido.

Siempre suyo guapodfde8bits

P.D. les dejo la carpeta con todos los archivos. A cada archivo deben cambiarle la extensión a .tex menos a mibilio, la cual debe ser .bib

paquetes

portada

principal

mibiblio

cap1

cap2

Pequeña Biografìa Armstrong

Este Post esta dedicado para aquellas personas que se cruzò con algùn Armstrong en festivales, cursos, talleres, toquines y un sin fin de eventos. Naciendole la curiosidad de indagar sobre los pseudònimos originales que manejan cada uno de los Integrantes. Aquì les dejo una pequeña Biografìa, animàndolos a que nos conozcan un poquito màs…

Abrazo Soñador! (*-*)/

Rizomarx

cmgeoag8

by Rizomarx

En algún lugar donde se cruzan los senderos del pensamiento crítico y la intuición mística fue visto por primera vez rizomarx. Estaba sentado, inmóvil, diríase ausente ante la presencia de una piedra de ilimitada belleza. La segunda vez lo encontraron platicando con una doñita octogenaria que vende remedios herbales afuera del metro Chapultepec, quien le entregó un cubo que tenía limada una arista. La última vez nadie lo vio sino que fue hallada una de sus notas en donde se leía: “¿Es verdad que hemos estado encerrados entre tantos contornos sin hacer nada al respecto? Perderse en el bosque a manera de desagravio. Cauterizar la piel. Desgastar nuestros caminos.”

Phonografic

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By PhonoGrafic

Cuando el mismo Dios que creo a todos moldeando barro con sus manos se dispuso a trazar las montañas misteriosas, se dio cuenta de que le falto pensar quien habitaria esta periferia, fue entonces como todo Dios creativo que mirando a su alrededor decidiò tomar los sonidos que caìan bajo el àrbol, entonces los petrificò y tallo como acordes de èbano, entonces lo nombro Phonografic como el que puede visualizar lo invisible, lo etèreo, lo audioble, lo sonoro.

Una vez terminado lo tomo y esparciò en el mundo como ecos del aire a contraflujo del mundo improvisando sonidos y construyendo caminos.

Sísifo Pedroza

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by Sìsifo Pedroza

Hace unos cuarenta siglos, Sísifo engañó a los dioses del inframundo y a causa de ello fue castigado. ¿Cuál fue su condena? Cargar una piedra montaña arriba y ver cómo ésta caía, una y otra vez al abismo, cuando estaba a punto de llegar a la cima. Durante años, décadas, siglos y milenios, Sísifo ha venido repitiendo el absurdo ritual que ha causado el estupor de filósofos, pintores y poetas. Los humanos, por su parte, han aprendido de Sísifo el don de la necedad: esa gracia antropológica de estar siempre dispuestos a soñar, a luchar por la libertad y la dignidad, aun sabiendo que los sueños volverán a desplomarse cada vez que se encuentren a pocos metros de alcanzarlos. A lo largo de tanto tiempo, Sísifo se ha vuelto aficionado a la poesía, al teatro del absurdo, y algunas corrientes filosóficas que exploran las complejidades del cosmos. Gusta de promover el software libre, de hacer música ruidosa, y de ver algunas series televisivas como Los Simuladores y Black Mirror. De entre todos los homenajes que le han rendido, el que más le gusta repetir es el siguiente: “En ese instante sutil en que el hombre se vuelve sobre su vida, Sísifo, volviendo hacia su roca, en ese ligero giro, contempla esa serie de actos sin ligazón en que se convierte su destino. Creado por él, unido bajo la mirada de su memoria y pronto sellado por su muerte. Así, persuadido del origen completamente humano de todo lo que es humano, ciego que desea ver y que sabe que la noche no tiene fin, está siempre en marcha. La roca sigue rodando” (A. Camus).

Heràclita Efesa (La Oscura Heràclita Efesa)

foto-de-perfil

by Heràclita Efesa

Para Heráclito Efeso: ” el arjé es el fuego, en el que hay que ver la mejor expresión simbólica de los dos pilares de la filosofía de Heráclito: el devenir perpetuo y la lucha de opuestos, pues el fuego sólo se mantiene consumiendo y destruyendo, y constantemente cambia de materia”.

En una ocasiòn, una soñadora se topò sin querer en una de sus investigaciones con el fragmento que presenta esta Biografìa, sin conocer en profundidad los pensamientos de este personaje, le pareciò algo curioso he indago algunas de sus obras, le tomo por sorpresa la similitudes de pensamientos que ambos tenian. Entre ellos los que se destacan en un continuo pesimismo de lo que se concreta, tomandolo como un esfuerzo inùtil, pero como un cambio necesario. Esta modalidad sobreexigue una cuota de esperanza a sabiendas que al pasar los años se tendra un resultado exitoso o no.

Entonces tomo la desiciòn de convertirlo en su nueva identidad transformandolo en un ser femenino que entre sus argumentos, da vida a aquella figura.

Sus animales favoritos son el lobo y el bùho. Amante de los cortos independientes, y del cine clàsico. En la actualidad le encanta todo lo que tenga que ver con la mùsica experimental y la tècnica Glitch influenciado por la experiencia que obtuvo en uno de sus ultimos viajes, conociendo a un grupo de personas increìbles, dedicadas y pasionales, que dejaron en ella una fascinacion y admiraciòn en lo que hacen.

Hasta el dìa de hoy, se mantiene pesimista, tiene presente la critica e incorformodidad como su sucesor, ha caìdo inumerables veces en su lucha insaciable por defender la injusticias, por ejecutar planes con el programa sobre el software libre en las escuelas proyectandolo en la pràctica, el legado que recibio de su visita, pero principalmente entregada en cuerpo y alma a la educaciòn, impulsada por las quimeras que mantienen su ideal, con la perspectiva de que cada persona puede aspirar a un mundo mejor y poner su granito de arena para poder lograrlo.

“Glitze”

delphinus-2-0

by Glitze

La unión de un nombre dictado por los dioses mayas que fue enviado del cielo y la palabra glitch art o estética del error, da origen a “Glitze” a quien le gustan las estrellas ya que brillan en la obscuridad y guiaran a cualquier marinero a un lugar seguro, a casa, a tierra firme, en medio del inmenso y profundo mar. Glitze puede ser una estrella que cayó por error para brindar luz a todo el que se la encuentre por su camino. Su animal favorito son los delfines, el color rojo siempre formara parte de su esencia. Cree firmemente en la bondad de las personas, la familia y amigos, lo que siempre protegerá. La vida le asigno la tarea de enseñar a los más pequeños el amor por la música y también le regalo un “Salterio” para que sea su compañero musical, su compañero de viajes, de aventuras, de vida.

Muchas gracias, saludos y abrazos apapachadores!!!!

Glitze. 

¿Dónde están las mujeres en la política? ¿Por qué la presencia de la mujer en la política es tan escasa? Brevísima reflexión.

Decidí publicar mi post en día jueves para emitir una opinión acerca de las mujeres en la política y sobre todo hablar acerca de la nueva presidenta de Estados Unidos, esperando poder hacer un análisis de lo que conllevaba que una mujer dirigiera al país más poderoso del mundo (aunque tal vez dejó de serlo hace mucho tiempo), pero como muchas de las personas en este planeta esperaban, eso no ocurrió.

De acuerdo con la UNICEF la participación de las mujeres en la política se ve mermada principalmente por su condición de mujer, a que me refiero con esto, según el artículo “Mujeres y política: realidades y mitos” , las mujeres no son tomadas en cuenta por dos principales razones, la primera es que, al ser mujeres fortalecerán  al género femenino, lo que podría llevar a debilitar el poder político de los hombres, es decir, los intereses son distintos, las mujeres ven de manera diferente a la sociedad, por lo consiguiente, su idea de política es distinta y podría concentrarse más en una política local que en una global. Es decir, sus preocupaciones están centradas en la familia y el bienestar infantil, así como de las personas mayores, lo cual según las encuestas, deja a un lado, cuestiones políticas como las económicas y judiciales.

Con respecta a lo anterior, esta primera encuesta fue realizada en 1999 a186 mujeres que forman parte de la vida política en 65 países, en otra encuesta, las mujeres dentro de la política, aceptaron que se interesaron en participar en este rubro ya que querían realizar cambios sociales, y otras promoverlos a través de organizaciones no gubernamentales, es decir, las mujeres se preocupan más por el bienestar de la sociedad, que en el ejercicio de un autoritarismo que no contempla al ciudadano y ve por intereses más elevados en la escala política  como es el caso de los hombres.

La segunda razón es que las mujeres no se presentan a cargos políticos ya que su papel dentro de la sociedad como amas de casa o madres de familia conlleva actividades que son mucho más difíciles de realizar por un hombre, es decir, al tener hijos, una casa y un marido,  les quita tiempo para poder llevar a cabo bien su trabajo dentro de la política.

Es muy cierto que en el mundo de la política las relaciones sociales son muy importantes, a que me refiero con esto, la mayoría de los acuerdos y alianzas se dan fuera del parlamento o para simplificarlo, se da fuera de la oficina. Si una mujer intenta entrar a un mundo donde la mayoría está integrada por hombres, ellos siempre querrán excluir a la mujer para mantener una estabilidad, una mujer tomando en un bar con puros hombres se presta a malas interpretaciones. Es aquí donde el machismo, sexismo, misoginia, etc., se hace presente, los hombres tienen códigos de conducta que al verse interferidos por la presencia femenina los condiciona, por otra parte, si la mujer en cuestión tiene cierta belleza existirá una lucha de egos entre ellos para ver quién es el primero en tener una relación con dicha mujer. En pocas palabras las mujeres seremos inferiores u objetos sexuales para los hombres antes que ser consideradas por las aptitudes intelectuales o políticas en este caso.

Es una realidad que las mujeres en la actualidad pueden acceder a una educación universitaria, y por consiguiente aspirar a cargos políticos, pero en algunos países que forman parte del continente africano, del medio oriente y otras regiones del mundo, las condiciones de vida no permiten que la mayoría de las mujeres accedan a una educación universitaria, los usos y costumbres siguen manteniéndose, la mujer debe mantener un papel de sumisión ante la presencia masculina y no puede tener una mayor visibilidad dentro de la escala política de dichos países, en México, en algunas regiones indígenas la mujeres solo sirven para cuidar maridos y tener hijos.

La creencia de que una mujer no sirve para la política es persistente y cuando alguna de ellas se postula para un cargo político, por lo general es vencida por un contrincante masculino.

En el caso de Hillary Clinton es notable el discurso de misoginia que existió por parte del candidato oponente, lo cual llevó a fortalecer el pensamiento de los hombres y también de las mujeres al considerarla incapaz de llevar el rumbo de una nación, pudo más la inexperiencia política y la mentira, que la confianza hacia una mujer. Una famosa frase pronunciada por el magnate durante su campaña fue la siguiente: “Lo único que tiene es la carta de la “mujeres”. Y lo más bonito es que ella no le gusta a las mujeres”.

De acuerdo a una encuesta presentada por CNN, Trump ganó el 62% de los votos de las mujeres sin educación universitaria, a comparación de su oponente que ganó el 34% de esta comunidad. En cambio Clinton ganó el 51% de los votos de las mujeres con educación universitaria y Donald Trump solo el 45%.  ¿Qué significa esto? Podemos deducir que una mujer que ha leído, se ha informado y pretende sumergirse en el mundo laboral, entiende lo difícil que es abrirse camino en un mundo dominado por hombres.

Sabemos que Hilary tampoco era la mejor opción para estar al frente de la Casa Blanca, también es cierto que su popularidad y carisma no convencía del todo al electorado, en el reportaje presentado por CNN “Lo que la derrota de Hillary Clinton dice del papel de las mujeres en la política de Estados Unidos” menciona que las mujeres no se dejan llevar y emitir un voto simplemente por el hecho de que sea una mujer la candidata a la presidencia, contraponiendo lo descrito arriba por la UNICEF, o al menos en Estados Unidos no es así, el hecho de ser mujer no influirá en las decisiones del electorado, lo que en verdad interesa, son las propuestas que presenta cada candidato.

Según el reportaje el 52% del electorado para los comicios presidenciales en Estados Unidos está conformado por mujeres, de acuerdo con Jennifer Lawless, directora del Women & Politics Institute de la American Univertsity

“Ella estaba postulada como la primer mujer nominada por un partido mayoritario y eso es increíblemente significante. Pero también representa el “establishment” y esas son fuerzas conflictivas”.

En pocas palabras no era conveniente que Hillary ganara el puesto de presidenta para la política comercial y empresarial de ese país, y en otras palabras mujeres contra mujeres, un tema mucho más profundo, sin embargo el argumento principal aquí es como la mujer ha tenido que luchar más arduamente para mantenerse dentro de una contienda política, las cosas no cambian, las mujeres tenemos que luchar el doble o el triple para sobresalir en un sistema totalmente patriarcal, por supuesto tenemos grandes ejemplos de dirigentes mujeres en el mundo como Angela Merkel en Alemania, o la primera ministra del Reino Unido Theresa May y no olvidar a Christine Legarde quien es la Directora del Fondo Monetario Internacional, pero aún así seguimos siendo minoría.

Considero que el papel de la mujer se ha ido transformando dentro del ambiente político cada vez tomamos más fuerza y cada vez hay más mujeres intentando y luchando por formar parte de las decisiones políticas y sociales en el mundo. Lo único que queda es seguir preparándonos y e ir erradicando los conceptos de debilidad y poca inteligencia de las mujeres para estar al frente de un cargo político, una tira cómica de Quino donde su personaje Mafalda se cuestiona ¿Por qué una mujer no puede llegar a ser presidenta? refleja abiertamente los estigmas a los que las mujeres estamos sometidas constantemente, al ser consideradas como poco confiables, entre muchos otros más.

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Ahora me permitiré hacer una pequeña reflexión sobre los acontecimientos ocurridos en esta semana con las elecciones para presidente en USA.

Esto realmente podría ocurrir, cuando tomamos en serio las burlas y palabrerías de las personas, las fortalecemos, les damos poder, los engrandecemos, es como una mentira contada muchas veces, al final se convierte en realidad y eso paso, nos tomamos demasiado en serio y le dimos la importancia que no se merecía a las palabras del que será ahora el nuevo presidente de Estados Unidos.

He tenido la oportunidad de viajar a Estados Unidos en un par ocasiones y en todas esas ocasiones he sido objeto de manifestaciones de racismo, lo más sorprendente es que ha sido principalmente por parte de la comunidad afroamericana, por la comunidad latina y en especial por la comunidad mexicana, si, están leyendo bien, por la comunidad mexicana.

Creo que debemos poner atención a lo que sucede en este momento en todo el mundo, como yo lo veo, el próximo presidente de Estados Unidos es el reflejo de lo que realmente piensan las personas en este momento, el ser humano genera sentimientos racistas, miente, odia y desprecia, pero momento, nuestra condición de ser humano nos lleva a tener todas estas manifestaciones emocionales que gracias a lo que llamamos sentido común y consciencia podemos manejar. Estamos viviendo un momento de transformación del pensamiento, lo que sucede en el Reino Unido con el Brexit o lo que sucedió en Colombia con la negación  a la firma de un acuerdo de paz con la guerrilla colombiana.

Si analizamos detenidamente, el cambio puede realizarse a partir de las personas, de las acciones, de las buenas voluntades, de la educación que les demos a los niños, en escucharnos y comprendernos, en no fomentar el odio y las diferencias raciales o de género. Sí, sé que suena muy utópico, pero no imposible.

Aquí dejo mi muy particular punto de vista.

¡Liberemos a Armstrong!

 

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Si desean consultar los dos artículos sobre las mujeres y la política dejo aquí los enlaces

https://www.unicef.org/spanish/sowc07/docs/sowc07_panel4_1_sp.pdf

Lo que la derrota de Hillary Clinton dice del papel de las mujeres en la política de Estados Unidos

 

 

 

“Liberemos a Armstrong”

Una de las preguntas más frecuentes que recibimos es ¿Qué es? o ¿Quién es Armstrong Liberado?

Armstrong Liberado se define así mismo en su blog de la siguiente forma:

“Somos un colectivo de creación, educación e investigación sobre la música libre. Provenimos de diversos campos como la música, la psicología, y las matemáticas, reunidos para mostrar las posibilidades creativas del software libre, de la cultura libre y de la filosofía hacker. Nos dedicamos a generar obras y proyectos que emplean recursos expresivos como la poesía, el performance, la improvisación sonora, el live coding, el databending y la música noise. Al mismo tiempo escribimos en este blog e impartimos cursos y talleres, siempre con herramientas y recursos pedagógicos libres.”

Armstrong Liberado toma su nombre en homenaje póstumo a Edwin Armstrong (si me es permitido expresarlo así) inventor de la radio en Frecuencia Modulada, es decir La radio en FM en 1933, entre otros inventos de los cuales algunos fueron reclamados en su autoría por otras personas o compañías como AT&T o la RCA, esta última ganando y quitándole la patente a Armstrong sobre la invención de la radio en FM, dejándolo en la miseria y en un estado emocional devastador, lo que finalmente lo llevó al suicidio el 31 de enero de 1954. Su segunda esposa continuó el litigio por la patente contra la RCA, ganando finalmente la adjudicación de la patente a nombre de Edwind Armstrong en 1967, más de 30 años después de la invención de la misma.

Aún así, Edwind Armstrong es poco conocido. El colectivo decide tomar el apellido de Edwin y liberarlo, es decir, exaltar la lucha que mantuvo Armstrong contra una gran compañía que pudo monopolizar un invento como este y cobrar por escuchar la radio, es gracias a Edwin Armstrong que podemos escuchar la radio FM libremente.

De esta manera nuestro colectivo se denomina “Armstrong Liberado”. Espero haber despejado algunas dudas sobre qué es el colectivo y el porqué de su nombre. Si no, los invito a que visiten el blog más a fondo y conozcan toda la labor artística, educativa y de investigación que el colectivo realiza.

Ahora dedicaré unas sinceras y breves palabras provenientes de sentimientos que Armstrong Liberado ha generado en mí.

¿Qué es para mí Armstrong Liberado?

Querido Armstrong Liberado:

Tus ideales y cada una de las personas que forman parte de este colectivo han cambiado la forma en que veo la vida. Encontrar un espacio en el cual puedas proponer, debatir, confrontar, escuchar, experimentar y crear, es muy difícil de hallar. Pero dejémonos de clichés, la experimentación sonora, el noise, el glitch, y hasta el databending que me gusta tanto, nunca fueron parte de mi formación musical recibida por la academia donde este tipo de manifestaciones sonoras son consideradas ajenas a la música culta y melódica que ocurre en estos lugares. Ha sido una revolución sonora para mis sentidos.

A este colectivo han pertenecido distintos caracteres, comenzó siendo un ejercicio académico y de comunidad entre tres personas, pero ahora más de diez integrantes han formado parte de sus filas. Hemos sufrido sensibles pérdidas, pero sabemos que aunque sea en pensamiento y espíritu siguen los pasos de Armstrong (Atención, nadie se ha muerto en Armstrong, estoy hablando metafóricamente), pero también han llegado nuevos integrantes que han revitalizado y generado otro tipo de relaciones sociales dentro de Armstrong Liberado.

Hemos sobrevivido a la pérdida de los integrantes, ha performances desgarradores que reflejan el dolor que contenemos como seres humanos, no somos ajenos a las tragedias e injusticias que ocurren en nuestro país y nos hemos manifestado, hemos expuesto nuestro ser, algunos más que otros, hemos sobrevivido a presentaciones buenas y otras no tanto, ha entender  las organizaciones sociales y mantener posturas defendiendo nuestros ideales. Una parte importante en Armstrong Liberado se encuentra en la educación, la realización de talleres donde se comparten los conocimientos que cada uno de los integrantes posee, el trabajo en equipo, el compañerismo y la generación de nuevos conocimientos entre toda la comunidad.

Armstrong has dejado que me exprese, que proponga, que lloré y reciba consuelo, así como tomarnos el tiempo de compartir y escucharnos musicalmente, de entender cómo somos a través de la música, a través de nuestros deseos y de nuestros temores, de nuestra pasiones y lujurias, de nuestros odios, de nuestra impaciencia y desesperación, así como a través de nuestras ternuras y afectos, sí, porque eso hemos hecho, platicar, convivir, conocernos, entendernos, tolerarnos y finalmente querernos. Armstrong queda mucho camino por delante.

“Que la colaboración nunca termine, que la fraternidad siempre nos acompañe, que la libertad nos inspire y que la amistad nos una.”
¡LIBEREMOS A ARMSTRONG!

Dedico este breve post a todas y cada una de las personas que han pertenecido al colectivo, o que de alguna manera, han colaborado y forman parte de nosotros:

Sísifo, Rúben, Neural Xolotl, Holomorfo, Subcorticalmedia, Michele, guapodfde8bits, Marce y Elisa, Esteban, Hernani, Otto y Adela, Heraclita Efesa, Forastero, rizomarx y Citlali, Phonographic y los que vengan.

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Armstrong Liberado

¿Quién es dueño de qué?

Nudo

Fotografía: Enrique Milpa (@rizomarx)

Ahora toca hablar de las inconsecuencias conceptuales de la propiedad. Lanzar saetas y dejarlas volver a la misma tierra que las vio nacer, previo al tiraje de los mares. Hoy toca encender el horno. Hablar acerca del sinsentido de la propiedad pero no en términos jurídicos ni morales, sino desde y a partir de la termodinámica del ser. Todo es, a su manera, todo va hacia: eso es algo que he recordado viendo los paisajes y platicando. Célebre por aquella ley de las transformaciones donde nada se crea ni destruye, la termodinámica, a su vez, establece que la entropía es la estadística del desorden (eventualmente, del último desorden antes del reposo universal). Las caguamas no se recomponen al estrellarse contra el piso sencillamente porque es improbable que eso ocurra. Es más probable que se hagan pedazos, que su estructura fundamental sea perturbada por el caos.  Los trozos de cristal podrán adquirir cierta autonomía pero, pese a la marca de su amputación, seguirán remitiendo a la totalidad ambarina de la que provienen. Hay algo de nostálgico en una caguama rota. Así, el régimen de propiedad pretende pulverizar el mundo en esquirlas omitiendo que, no obstante, tales astillas de mundo seguirán refiriendo siempre al vacío. El collar de Indra contiene la imagen del infinito en cada una de sus perlas, igual que los fractales se multiplican en su autorreferencia. La realidad está interpenetrada de sí.

Se puede hablar de la propiedad de manera desapropiada (suponer, por ejemplo, que esto es mío/tuyo/suyo/nuestro). Muy a menudo hablamos de manera desapropiada sobre la propiedad, hay algo funcional en ello. Casi siempre hablamos desapropiadamente sobre cualquier cosa, suponemos que existen fronteras estables entre yo/ellos/algo/todo/aquí/entonces. Se puede vivir hablando desapropiadamente, no pasa nada, incluso se puede actuar desapropiadamente. Ya ves que los sistemas sociales, aunque abrumadoramente fácticos, gravitan en torno a un sol desapropiado. La propiedad privada es un artefacto jurídico-político de posesiones y desposesiones sustentado en un bucle de territorialidades imaginarias. Su verdad depende de un aparato coercitivo y de la autoridad del pasado. La propiedad es exterior a la cosa, igual que lo que se dice de algo se dice desde afuera. Lo importante es que también podemos (re)apropiarnos del significado de lo que decimos para decir algo semejante a lo que queremos decir. Hacemos lo que podemos.

Si afirmas algo a título personal, recuerda que has condensado, a lo sumo, una síntesis de lo que dijeron tus predecesores. En ello radica lo verdaderamente genuino y nuestra potencia creadora. Todo lo demás es repetición, afortunadamente. Si un contrato señala que eres propietario de algo, recuerda que no hay propiedades absolutas. Acaso hay propiedades transitorias. En última instancia, da lo mismo poseer que ser propietario de algo. Entre la tenencia y la potestad yace un inmenso desierto, pese a que sus bordes estén en contacto. Se puede cruzar el desierto guardando un buche de agua en la boca. Se puede perderse en el desierto, se puede morir.

Aquí vendría bien la siguiente acotación: al clasificar los bienes, los economistas clásicos ponen el acento en la rivalidad. Los bienes privados, nos dicen, son los bienes entre los que se verifica mayor rivalidad. La rivalidad depende del congestionamiento que puede surgir en torno al uso o goce de un bien, como si dicho uso o goce viniese dado en la medida en que los demás dejen de disfrutarlo. La economía solidaria, por el contrario, se esfuerza por realizar una contabilidad global del beneficio, donde, entre más resonancia tenga el uso y goce de un bien, mayor será el disfrute individual. La economía ecológica, además, integra los costes ambientales. Pero la economía no son cuentas. Economía es, ante todo, sustento.

Una vez estaba con C en los márgenes de Tula (no Tula la Refinada, sino Tula la Atlántica). A la sombra de un mezquite platicábamos de cómo, al introducir una porción del mundo en el cuerpo, suceden transformaciones. Pensábamos primero en el alimento. Nos preguntábamos si las moléculas de las plantas podían detonar causalmente ideas específicas, igual que un fruto cocido sacude todo el planeta cuando se cae. Y entonces nos costaba trabajo identificar los contornos de las ideas y de los frutos y de los cuerpos. Ahora nos importaban más los indicios, los procesos. Empezábamos a hablar apropiadamente.

Me gusta pensar que mientras ocurre la puesta en escena del teatro humano, independientemente de su desenlace, lo que perdura es la eterna danza electrónica. Intercambios de electrones. Descargas en los campos. Enlaces químicos. Agitación de la materia. Ahora hago el esfuerzo para imaginar los flujos de los aconteceres, la poca capacidad que tenemos para fijarnos a un sitio determinado. Quiero vernos deshojando, como leprosos que van cayéndose a pedazos, asimilar lo que nos aparezca en el camino. Quiero vernos transbordando, ni viniendo de ni yendo hacia, rabiosamente nómadas.

Hasta aquí he tirado saetas abstractas pero quisiera cerrar con un ejemplo más maleable acerca del sinsentido de la propiedad. Hemos oído de tantos casos aberrantes de despojo de saberes que no sorprende que, tanto corporativos como individuos, clamen ser propietarios intelectuales como si las patentes surgieran desde cero. Se jactan de haber inventado una idea y quieren retener la plusvalía que genere aunque omitiendo la colosal deuda cultural en la que se han montado. Demandan que se les reconozca el derecho sobre una obra que aglutina procedimientos preexsitentes y procesos físicos y bioquímicos sin los que sería imposible. Desde Fender hasta Katy Perry, la industria cultural nos ofrece interesantes ejemplos de las contradicciones del capitalismo. ¿Quién inventó el sonido? ¿Quién el ritmo? ¿Quién los géneros musicales? Cualquier aparato eléctrico, por más sofisticado que sea, depende de un complejo sistema de flujos de energía desde el que podríamos remontarnos hasta la domesticación del fuego y de las fuerzas hidráulicas. Los instrumentos análogos tienen una historia tan o más antigua. Para que la letra de una canción tenga sentido primero debe haber verbo, alfabetos, lenguaje, comunicación. ¿A quién atribuírselos? ¿Quién inventó los rituales asociados a la danza y a la música? Ni siquiera el mercado se salva al momento de remontar su genealogía.

Antes que creadores fuimos criaturas, no lo olvides jamás. De hecho, seguiremos siendo creados, todo el tiempo, a perpetuidad. Y no sólo eso: antes que ser propietarios, pertenecemos. Cuando te digan que algo es suyo, no les creas. Cuando te preguntes qué es de quién, guarda silencio, deja que los contornos se agiten en un silencio estrepitoso.

Enrique Milpa (@rizomarx)

Más sobre campanas. Llorenç Barber

Dando seguimiento al tema de las campanas les dejo algunos textos escritos por Llorenc Barber músico de origen español, compositor y musicólogo quien ha dedicado gran parte de su trabajo a la realización de conciertos de campanas en distintas partes del mundo. Su trabajo es realmente interesante.

llorence

 

“Sobre la meta(1)física del soul-sonar

A lo largo del siglo XX hemos ido perdiendo el valor y el sentido de lo “público”. acosados por la especulación, las prisas, lo privado y los motores: lo comunitario se liliputizó ominosamente, pero el sentido de lo público, aun adormilado, estusiasma y nos devuelve el perfume de lo sagrado.

y un magnífico emisario del sonar perdido de lo público-sagrado es el cantar a cántaros de las campanas. Su omnibus sonar nos sienta en las afueras del tiempo, nos siembra brisas en los recuerdos, nos zumba la piel de eternidades, nos asienta y aploma… “la calle es nuestra” nos hace gritar.

también la música se inundó de privacidades, negocios y divos expulsadores de notas y virtuosismos. por contra el sonar de las campanas no admite ni sordinas ni plateas, juega con las distancias, se alía con humedades y vientos: no tiene dueño, nos adueña más bien. (nos “posee” y nos “inicia” como dice zambrano).

frente al constipado silencio -siempre mal llevado- de los auditoriums, frente a las músicas de cómoda e impositiva amplificación de altavoces, las músicas de paisajes y campanas gustan de saludos y respetuosas conversaciones, del incierto murmullo, de las fértiles sombras y del tejer de errabundas y promíscuas asociaciones. su huidiza esencia hay que atraparla mediante insistencia y suerte.

no olvidar: una comunidad, una villa, un barrio suena tanto mejor cuanto más equilibrada sea la convivencia de sus habitantes. más todavía: pueblo que cierra sus oídos se vuelve mudo.

vienne, 17 noviembre 1999″

Texto tomado de la pág. web: https://www.uclm.es/artesonoro/barberolobo.html

Si quieren conocer más sobre el trabajo de LLorenc Barber les dejo algunos enlaces.

https://www.mundoclasico.com/ed3/documentos/28182/Conversar-sosiego-Llorenc-Barber

http://www.hoyesarte.com/entrevistas/c32-artistas/llorenc-barber-la-musica-ya-no-se-oye-vestido-de-pinguino-en-la-fila-13_121424/

http://www.hoyesarte.com/entrevistas/c32-artistas/llorenc-barber-la-musica-ya-no-se-oye-vestido-de-pinguino-en-la-fila-13_121424/