«Silencio hospitalario: desde la estructura hasta los/as que lo constituimos, ¿una deconstrucción a través del arte?» por Lorena Salamendy

“En este mundo sólo hay dos cosas que merecen la pena: el estudio y el derroche”
Vila-Matas, Enrique, El viajero más lento, op. cit., p. 51.

El edificio la estructura hospitalaria es un agente protagónico dentro del proceso salud- enfermedad-atención; ya que el espacio físico es un espacio simbólico que involucra las percepciones y sentidos que los usuarios le otorgan al espacio en que se desenvuelven. Estéticamente es una arquitectura rígida sin color, pasillos y salas no identificadas las puertas de los consultorios siempre cerrados y las salas de esperas atiborradas de gente sentada sigilosa esperando a ser llamados. Tal vez no sea otra cosa que la quietud que experimentó Cage, descripta por James Pritchett, con la esperanza de generar un ruido o ruptura de un encuentro hacia algo. Los que somos parte como efectores/as de salud hacemos nuestro trabajo con la lógica de mercado entregamos un producto generalmente protocolizado, estructurado una forma de dar respuesta a algo ya estudiado aprendido en grado que tiene una repercusión inmediata, aliviar dolor, quitar dolencia siempre que se pueda, generalmente el resultado obtenido por el/la “paciente” es morbilidad, mortalidad o curación. La ciencia, lo científico realiza una escucha a medias, evalúa y observa desde la mirada médica únicamente a un cuerpo. Es decir realiza una comunicación desde estructuras cerradas, rígidas ya establecidas (sala vacía). Entonces: Sí, la institución hospitalaria da respuesta a una dolencia, a una enfermedad ante la demanda de “alguien” actuando en causa –efecto; ¿podría el arte cumplir un rol en estas instituciones? ¿Cómo haría John Cage para generar un silencio en tres movimientos? ¿Sirve este tipo de acciones? ¿A quién estaría dirigido? ¿Qué efectos podría cumplir? —John Cage, “¿Hacia dónde vamos? Y ¿Que hacemos?” 1

El artista Daniel Duarte Loza, en el artículo “Hacia el Arte Indisciplinario: Algunas reflexiones y una acciónpropone el concepto de indisciplina: salir de las formas establecidas para generar un campo de formación del arte diferente, tendiente a la expansión y no a la mera contracción, limitada a compartimentos estancos y cerrados asociado frecuentemente al ámbito de lo militar —en tanto regulador y ordenador riguroso del individuo—, que desvincula lo social y la subjetividad de los sujetos (Duarte Loza, 2012).

Utilizar recursos artísticos para posibilitar un espacio de intercambio social —un intersticio—2 que genere una comunicación más humana y con ritmo diferente al que impone la vida cotidiana del hospital (Bourriaud, 2008). Así el arte como acción, como un instrumento, que permita reflexionar sobre el conflicto que genera el saber establecido basado en el paradigma modelo médico hegemónico (Menéndez, 1988), desde el cual ese silencio edilicio pueda ser resignificado, dando lugar al uso de un propio lenguaje, construido a partir de recursos basados en el arte: la utilización de la performance como herramienta para desactivar la condición científica de la correspondencia entre forma y contenido (Blasco, 2013), o bien, el paisaje sonoro para relacionar la dolencia, el estrés. En fin, un abanico de posibilidades para abordar desde otras investigaciones el proceso de salud-enfermedad-atención bajo lo siguientes objetivos:

  1. Implementar acciones de comunicación (revista hospitalaria).
  2. Visualizar espacios hospitalarios olvidados (salas de espera, sala de emergencia, sala de internación, espacio verdes hospitalarios).
  3. Documentar, registrar el impacto de las acciones.
  4. Generar líneas de investigación.

Cuando releo y surge esta gran pregunta, este acercamiento a una disciplina que llamo ARTE, aún me pregunto qué es arte para mí. No dejo de pensar en esa auto-etnografía tan referencialmente caprichosa, narcisista y llena de poesía vacía, incógnitas personales y una escritura que poco dice de algo, pero que se aproxima a un descubrimiento. Pienso en qué quiero hacer:

  • Pegar con cinta papeles de notas en una pared específica del hospital (sala de guardia).
  • Registrar con audios el relato de los pacientes crónicos.
  • Poner música en sala de internación (Sala 1 y Sala 3 de mujeres y varones), y la entrega de libros en ese mismo momento.
  • Registrar el sonido del hospital.
  • Colgar del techo guardapolvos blancos.
  • Pintar una pared de color negro.
  • Hacer un taller de canto y percusión en el patio del hospital para los/as que trabajamos ahí.
  • Hacer una huerta en el hospital.
  • Generar un museo a cielo abierto.

Conclusiones

Problematizar el concepto de enfermedad; así como discutir su reducción que se hace sólo al ámbito fisiológico-anatómico, que deriva en acciones tecnócratas y modificaciones conductuales dónde la lógica causa-efecto deviene como un modo único de abordaje. Y Por otro lado, el espacio físico también es un espacio simbólico, por lo que se debe incorporar las percepciones y sentidos que los usuarios le otorgan al espacio en que se desenvuelven. Es importante que el hospital, como institución pública, genere herramientas y abra espacio para que las personas que le dan vida se vean reconocidas. Así, desde múltiples intervenciones artísticas, se puede dar comienzo a un proceso de identificación y cohesión entre el espacio hospitalario y los sujetos.

Buscando promover la salud y el bienestar de la comunidad del Hospital R Gutiérrez, fortaleciendo la humanización de los espacios. Fomentar el sentido de pertenencia con el hospital, dando lugar a la expresión de las subjetividades involucradas, e incidiendo, a su vez, en el modo de vivenciar las relaciones intersubjetivas e institucionales, con la intención de integrar el concepto de promoción de salud y el arte en una dimensión multicultural y multisocial.

1. John Cage: «Where Are We Going?And What Are We Doing?», Silence.Middletown, Conn.: Wesleyan University Press, 1961, pp. 220-222. [Hay edición española: «¿Hacia dónde vamos? Y ¿Qué hacemos?», Silencio: conferencias y escritos. Madrid: Árdora Ediciones,2002, pp. 220-222, trad. Pilar

2. El intersticio es un espacio para las relaciones humanas que sugiere posibilidades de intercambio distintas a las vigentes en este sistema, integrado de manera más o menos armoniosa y abierta en el sistema global. (Bourriaud, 2008).

Bibliografía

Duarte Loza Daniel Hacia el Arte Indisciplinario: Algunas reflexiones y una acción. 2012 2012: Servicio de Publicaciones de la Universidad de Murcia. Murcia (España)

Blasco Selina, Investigación Artística y Universidad: Materiales para un debate. 2013 Ediciones Asimétricas. (España)

Pritchett James Lo que el silencio enseñó a John Cage: la historia de 4’33’’

Menéndez E. L. Modelo Médico Hegemónico y Atención Primaria. Segundas Jornadas de Atención Primaria de la Salud. 1988 30 de abril al 7 de mayo. Buenos Aires. 1988 Pág. 451- 464.

Urquía M. Teorías dominantes y alternativas en epidemiología. Buenos Aires: Ediciones de la UNLa; 2006. p. 28- 84

Almeida Filho N, Rouquayrol MZ. Historia de la Epidemiología. En: Introducción a la Epidemiología. Buenos Aires: Lugar Editorial; 2011. p. 21-42.

Bourriaud N. Estética relacional. Buenos Aires. Adriana Hidalgo editora; 2008. p. 1-75

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Los sonidos perdidos de la orquesta.

Retomando el post de esta semana sobre “El sonido como recuerdo y el silencio como olvido en la era digital” aquí un post sobre una orquesta que implemento un programa computacional  ASTRA (Aplicación de la reconstrucción del Sonido/Timbre de instrumentos antiguos) para recuperar los sonidos perdidos de algunos instrumentos musicales y que paulatinamente podrá desarrollar y permitirnos escuchar el sonido y posteriormente la construcción de estos instrumentos musicales  de los cuales solo existe iconografía. Un tema que me fascina y que posteriormente seguiré abordando.Espero les guste.

Para ver el articulo original dar clic al siguiente enlace.

https://gipemblog.wordpress.com/2010/02/01/los-sonidos-perdidos-de-la-orquesta/

Los sonidos perdidos de la orquesta

El pasado septiembre, la iSGTW informó sobre el regreso de los epigonion, un antiguo instrumento griego de cuerda de madera que se asemeja a un arpa. Los instrumentos antiguos se pueden perder porque son demasiado difíciles de construir, o muy difíciles de tocar, pero la epigonion se escuchó de nuevo después de ASTRA (Aplicación de la reconstrucción del Sonido/Timbre de instrumentos antiguos) recrea su red usando el sonido habilitado para los modelos computacionales.

Los más antiguos son los instrumentos que se oían antes, después de la organización oficial La Orquesta de Sonidos Perdidos finaliza sus preparativos para una presentación única a finales de verano.

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Tras haber logrado reconstruir el sonido de la epigonion, ASTRA está trabajando en toda una serie de otros instrumentos perdidos incluyendo la Barbitono (base de una guitarra antigua), la siringa (una flauta de pan), un antiguo tambor del marco inferior del Mediterráneo, la trompa (un tipo de trompeta antigua) y el aulos (un oboe antiguo).

En muchos aspectos, La Orquesta de Sonidos Perdidos de ASTRA es como cualquier otra orquesta – con músicos reales, ensayos y actuaciones – excepto su objetivo que es ofrecer a su audiencia un mundo completamente nuevo de música. Los sonidos de la Barbitono y el marco de tambor en la actualidad se está ultimando, mientras que un guitarrista tiene que familiarizarse con el epigonion y al uso de su Barbitono, especialmente adaptada la guitarra MIDI eléctrica, que ha sido programada con los sonidos perdidos. (MIDI, o “Interfz Digital de Sonidos Musicales”, es un protocolo estándar que permite a los instrumentos musicales electrónicos, teclados, computadoras y otros equipos electrónicos de comunicación, el control y la sincronización con los demás.) Los sonidos de la trompa debe también completarse a finales de verano.

“La preparación va muy bien”, comenta Domenico Vicinanza, el coordinador técnico del proyecto. “Es un proceso largo, extraño y fascinante. Junto con el coordinador artístico, estamos eligiendo las piezas y la adaptación de la orquestación del conjunto único que tenemos. ¡Todo el mundo está muy emocionado! ”

La reconstrucción de los sonidos

Una técnica llamada síntesis de modelado físico se utiliza para reconstruir los sonidos de los instrumentos perdidos. Las ecuaciones y los algoritmos describen la estructura física del instrumento, mientras que los sonidos son generados por el modelado como un sistema mecánico con diferentes configuraciones para cada nota.

En otras palabras, cada instrumento se define por un conjunto de valores constantes (por ejemplo, sus dimensiones y propiedades de los materiales), junto con un conjunto de funciones dependientes del tiempo (cómo el músico interactúa con él). Por ejemplo, el marco del tambor está modelado por la definición de constantes como la rigidez y densidad de la membrana, mientras que una fórmula libera la energía inyectada en el sistema cuando se golpea con una fuerza particular por el músico, produciendo una nota única.

En sus esfuerzos por recrear los sonidos del pasado no son sólo se detienten en los instrumentos, como el coordinador artístico del proyecto Francesco De Mattia explica: “Estamos trabajando en el modelado de los entornos antiguos – las habitaciones, lugares, etcétera – donde se tocaba la música, tratando de describrir cómo cambia el entorno físico, y modificar los timbres y sonidos para tener una comprensión mejor de todo el mundo musical, una imagen completa del escenario sonoro del pasado”.

El ambicioso proyecto es en gran medida un esfuerzo multidisciplinario, que incluye no sólo a los informáticos y los músicos, sino también historiadores, físicos, arqueólogos e ingenieros. Para reconstruir los instrumentos, se tiene en cuenta una amplia gama de datos arqueológicos, a partir de descripciones escritas de los fragmentos de excavaciones y las fotos en las urnas antiguas. El equipo de ASTRA está en contacto con el Museo de Bellas Artes de Boston, donde una trompa muy bien conservada, reside, para recoger datos adicionales de imágenes de alta resolución a la entrada en su modelo.

Debido a la complejidad del proceso de modelado físico, se necesitaría un equipo de escritorio de gran alcance de cuatro horas para producir un solo sonido de 30 segundos de duración. Para acelerar el procedimiento y alcanzar la potencia de procesamiento necesaria, los modelos Astra se ejecutan simultáneamente en cientos de computadoras en toda Europa y la zona inferior del Mediterráneo con las infraestructuras Gilda y EUMEDGRID, que vinculan los recursos informáticos a través de la GÉANT2 y redes de investigación EUMEDCONNECT de hasta 2,5 Gbps, utilizando el middleware de EGEE.

Tócala otra vez

El epigonion ya se ha escuchado en vivo, junto a un cuarteto de cuerdas en el concierto de la Cena de Gala Terena TNC’09, interpretando una amplia variedad de música que van desde el barroco hasta la música de Frank Sinatra. El pianista contemporáneo Ramin Bahrami también desempeñó el epigonion en julio de este año en su Considerando Bach en Nápoles.

De Mattia está muy entusiasmado con el reto de tocar el epigonion de la Orquesta de los Sonidos Perdidos. “Hacer instrumentos sin prácticamente límites técnicos es un proceso continuo, un reto maravilloso como músico y director de orquesta. Decidiendo cómo tocar, cómo interactuar, qué interfaz usar, qué tratamiento, qué sonido se busca. Sinceramente, el único desafío verdadero al que tengo que hacer frente es a mí mismo “.

La generación de Los Sonidos Perdidos utiliza modelos de ordenador, más que la reconstrucción física de los instrumentos, en última instancia, más personas podrán tener acceso y escuchar a través de las bibliotecas de sonido. La Orquesta de los Sonidos Perdidos está organizando un proyecto especial dedicado a la música de Doménico Scarlatti, estableciendo una red a través de la cual los músicos de todo el mundo pronto serán capaces de tocar el epigonion utilizando un teclado MIDI y grabar una sonata utilizando su ordenador personal
“El resultado final será algo especial”, se entusiasma Vicinanza. “La red será la herramienta para reunir a personas con diferentes experiencias, diferentes orígenes, pero la música se habla como idioma común.”

-Seth Bell, iSGTW

https://gipemblog.wordpress.com/2010/02/01/los-sonidos-perdidos-de-la-orquesta/

 

 

EL SONIDO COMO RECUERDO Y EL SILENCIO COMO OLVIDO EN LA ERA DIGITAL

Navegando por la red encontré un artículo de la BBC Mundo sobre tecnología titulado “El innovador museo que preserva los sonidos en extinción” donde se hablaba de un museo virtual, el cual, tiene como misión preservar los sonidos de aparatos electrónicos y programas digitales creados hace más de 20 años o tal vez más.

Brendan Chilcutt originario de Tennessee, Estados Unidos, es el creador de dicho sitio denominado Museum of Endangered Sounds. Brendan es consciente de que la tecnología avanza cada vez más rápido, y muchos de los sonidos provenientes de los aparatos electrónicos que se han vuelto obsoletos con el paso del tiempo desaparecen con ellos. Así como los sonidos de los programas computacionales, de los videojuegos y juguetes. Por esta razón crea esta plataforma en la cual puedes escuchar los sonidos de la conexión a Internet, un teléfono, la aguja de un tornamesa, una máquina de Fax o la famosa cancioncita del Tetris en un Gameboy.

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Esto me llevo a la reflexión de utilizar como una metáfora al sonido como recuerdo y al silencio como olvido, así de sencillo, espero que los puristas del sonido y la escucha no se enojen de la ligereza con la que trataré el tema.

Lo que muy pocos sabemos, o era así en mi caso, es que los sonidos provenientes de las computadoras y sus programas fueron diseñados minuciosamente por seres humanos para ese programa en especifico, el ejemplo más claro es el de Brian Eno, músico, compositor y productor musical británico, que ha colaborado con artistas como David Bowie, U2 y Coldplay , entre otros y quien compuso una pequeña melodía que dura aproximadamente 6 segundos y que muchos recuerdan por que cada vez que prendían una computadora  de Microsoft con Windows 95, se escuchaba.

Este sonido formaba parte de una estrategia de mercadotecnia gigante, la cual hizo despuntar a Microsoft y volver a Bill Gates uno de los hombres más ricos del mundo, “el sonido Microsoft” como fue denominado, es una composición de doce notas y de 6 segundos de duración que irónicamente fue creada en una Mac. –“Lo escribí en una Mac. Nunca he utilizado un pc, no me gustan”[1]– fue la declaración de Brian Eno en una entrevista a una cadena radiofónica de la BBC.

Posteriormente Microsoft opto por crear ella misma las siguientes melodías para los subsecuentes sistemas operativos que se crearon, basadas principalmente en el tema compuesto por Eno, pero en esta ocasión ya no fue requerida la participación de un compositor en dicha labor. Este sonido también es uno de los más odiados ya que el sistema operativo XP dio muchos dolores de cabeza a los usuarios que llegaron a detestar el hecho de escuchar cada vez que se reiniciaba su computadora el sonido de apertura del programa cuando este fallaba.

Otro ejemplo de la importancia del sonido en la tecnología es la mancuerna que realizaron el servicio de video llamadas Skype y Sir Paul McCartney , quien fue invitado a crear los sonidos de veinte emoticones “Love emojis”que se utilizaron en las vídeo llamadas y mensajes del día de San Valentín en el 2016.

“McCartney consideró que el proyecto es un reto “porque repentinamente tienes que comprimir en una interpretación musical una emoción en menos de cinco segundos”.”[2]

Es aquí donde las emociones se hacen presentes, donde una imagen que visualmente nos indica una emoción se ve fortalecida por un sonido, en este caso al no poder ver físicamente a una persona, esta pequeña creación digital transmitirá el sentimiento de quien lo está expresando. Pero ¿es necesario el sonido? ¿es necesario pagar millones de euros o dólares a un artista reconocido para crear los sonidos? Hasta la fecha desconozco si estén en uso los sonidos creados por Paul McCartney, lo que si sucedió, es que la empresa pago mucho dinero al ex Beatle para la generación de estos sonidos. ¿Es esta una apuesta a registrar el sonido dentro de nuestra memoria?

El mundo tecnológico esta volviéndose mudo, es decir esta prescindiendo del sonido. Mientras el sonido siga presente en nuestra memoria, existe, en el momento en que este sonido no vuelve a sonar, es decir es silenciado y reemplazado por el avance tecnológico, es olvidado.

De acuerdo con Hildegard Westerkamp en La naturaleza disruptiva de la escucha quien retoma las palabras de Jonh Hull autor del libro Touching the Rock: an Experience of Blindness, quedando ciego a los 40 años y que en 2001 en el Reino Unido dio un discurso durante un congreso sobre sonido, cultura y ambiente, hace referencia a que las personas asociamos el sonido a los sentidos,  en consecuencia generamos sentimientos a dichos sonidos:

Los sentidos tienden a establecer una división sujeto/objeto. Sin embargo, cuando ustedes miran de verdad son absorbidos/as por aquello que miran. Es lo mismo cuando oyen, cuando escuchan. Ustedes no son conscientes de estar a la escucha, pues son absorbidos/as por lo que escuchan, y así, desaparece la distinción sujeto/objeto. En otras palabras, ustedes escuchan con su corazón, pues se vuelven uno/a con el sonido. El sonido está dentro de ustedes, el sonido son ustedes. La ceguera me ha enseñado esto, y le estoy agradecido.[3]

Al perder la vista Jonh Hull quiere que entendamos que los sonidos forman parte de nuestro ser y que no somos consientes de lo que cada sonido significa en nuestro andar diario. Considero que de alguna manera Brendan Chilcutt se ve en la necesidad de crear un museo de los sonidos perdidos, ya que él relaciona estos sonidos con su pasado, con un sentimiento de pertenencia, de identidad y que no quiere que desparezca, que sea silenciado, que sea olvidado.

La vorágine en la evolución de las tecnologías cada vez más prescinde del sonido, otro ejemplo más es el de Facebook, esta red social no cuenta con ningún sonido que la caracterice, en cambio, el sistema de mensajería Messenger que Facebook adquirió, en los smartphone de Apple, tiene predeterminado cierto sonido que indica la llegada de un nuevo mensaje, y que si la persona dueña del dispositivo la escucha, sabe que ha recibido un mensaje específicamente de esta aplicación. Esto también sucede en otra aplicación muy conocida denominada Whatsapp, es decir, los sonidos que estas empresas deciden otorgar a sus aplicaciones son decisivos para la permanencia en la memoria de los usuarios.

Entonces ¿es el silencio un equivalente al olvido? No lo creo, pero al ya no estar presentes estos sonidos frecuentemente en nuestra audición, los olvidaremos momentáneamente, siempre y cuando el registro se haya queda en nuestra memoria es posible que al volverlos a escuchar,  los recordemos.

Las nuevas generaciones no saben que hace algunos años para poder conectarse a Internet se escuchaban ciertos sonidos provenientes de las conexiones telefónicas para poder tener acceso a la red y no creo que les importe mucho saber sobre eso, ahora todo tiene que ser sencillo y rápido. Platicando con un amigo sobre estos sonidos que se producían al conectarse al Internet, él me hizo consciente de un dato curioso, que no existía un sonido de desconexión de la misma.

Muchos sonidos que formaron parte de nuestro crecimiento desaparecerán. Estamos en constantes cambios y la moraleja de esta historia se centra en la cuestión de la escucha, de los sonidos, del silencio y cómo influyen en nuestra forma de ver, sentir y vivir la vida.

Quiero agradecer a neural xolotl por la recomendación de uno de los textos que utilice para este post y del cual él hizo la traducción.

 

[1] http://www.abc.es/20120715/medios-redes/abci-musica-inicio-windows-201207132007.html

[2] http://expansion.mx/lifestyle/2016/02/10/paul-mccartney-muestra-sus-nuevas-canciones-para-emoticones

[3] https://laboratoriodemusicalibre.wordpress.com/2016/09/17/la-naturaleza-disruptiva-de-la-escucha-por-hildegard-westerkamp/

 

Máquinas inteligentes humanas

No tan directo con el software libre, pero sí en cuestiones de nuestra interacción con la máquina les comparto esta reflexión.

¿Cómo hacer que la inteligencia artificial sea más humana?

En los desarrollos científicos y tecnológicos que nos han llevado a crear máquinas y sistemas que simplifiquen nuestra vida, hemos tenido grandes avances y creado herramientas que extienden nuestras capacidades, tanto físicas como intelectuales. Las máquinas nos han superado en algunos aspectos, lo cual nos ha llevado a cuestionarnos si algún día nos reemplazarán completamente. En este sentido comenzamos a intentar ver en ellas reflejos de nosotros, pero aun hay una gran diferencia entre un humano y una máquina. ¿Que características deben adaptar para que las consideremos mas humanas? Algunas de los rasgos que presenta el humano y las computadoras aun carecen son: vulnerabilidad, deseos, preferencias, opiniones, imprecisión, emociones, decisiones autónomas, socialización, buscar su reproducción y supervivencia, sentido de justicia, capacidad creativa, entre otras. Para que una máquina sea considerada como un humano debería mostrar algunas de estos atributos, sin embargo, me pregunto si en verdad queremos que los tengan. No estoy seguro si deseamos que la computadora tenga la capacidad de desobedecernos. De momento si algún programa de computo no hace lo que deseamos, la razón principal es que lo programamos mal, sin embargo si una computadora tuviera la capacidad de decisión autónoma y libre, podría simplemente decir NO.

Leí un articulo de los nuevos automóviles autónomos que desarrolla Google, y los problemas que surgen de introducir agentes programados a seguir reglas especificas en un mundo donde los humanos viven de doblar y romper reglas. Mencionan el caso de que algunas veces el auto permanecía en un cruce esperando su turno para cruzar, pero quedaba inmóvil ya que los demás autos tomaban la iniciativa y nunca existía el momento ideal de acuerdo a las leyes de tránsito estrictas que le fueron programadas. En este sentido, me parece que para que los sistemas inteligentes simulen al humano, deben tomar en cuenta tanto a Homero Simpson como al Sr. Spock.

Para que un sistema sea mas humano, también tiene que ser social en cierta manera, no con nosotros, sino con otros sistemas. Que tenga la capacidad de compartir información con otras entes como el, y pueda aprender nuevas cosas sin que le tengamos que programar.

Por otro lado, en cuestión de las emociones, el sistema o la máquina debería tener alguna especie de sentimientos o emociones que cumplieran la función de indicadores de necesidades como: falta de energía, alerta de temperaturas muy altas y bajas, necesidad de actualización, entre otros. Estos indicadores le servirían para protegerse a si mismo de su entorno y obtener autonomía en cuestiones de buscar recursos y cuidar su integridad.

Mas allá de las distopías tecnológicas que vemos en el cine, donde las máquinas nos reemplazan y acaban con nosotros, creo que llegaremos a un punto que, si las programamos a nuestra semejanza, habrá máquinas “buenas” y “malas”. Pero seria interesante cuando llegara el momento que aprendamos cosas nuevas de un sistema inteligente de la misma manera que un Padre aprende de su hijo. Pero lo mas importante, si queremos que sean mas humanas, debemos también aprender a verlas no como algo que podemos usar y obtener un beneficio (aunque haya humanos programados de esta forma =P ), sino como “alguien” con quien podemos relacionarnos, compartir y aprender. ¿Qué opinan ustedes?

Daniel G. Andujar “Estamos Vigilando”, Museo Reina Sofía. Madrid, España.

En marzo de este año 201, tuve la oportunidad de hacer un viaje a Madrid, España. Dentro de las actividades que realicé fue visitar el Museo Reina Sofía, lugar que alberga una de las pinturas más importantes y representativas de Picasso “Guernica”, la cual refleja el dolor, el terror, la desesperación y muerte, de la localidad de Guernica que fue bombardeada durante la Guerra Civil Española en el año de 1937.

Durante mi recorrido por el museo, dentro de las exposiciones que se presentan me encontré con una instalación que llamó mi atención de sobremanera, estaba a cargo de Daniel G. Andújar quien a través de intervenciones en el espacio público realiza una crítica artística sobre el uso de los medios digitales, mostrando la desigualdad que existe entre la sociedad y el poder a través del acceso a la información por medio de las “nuevas tecnologías”.

En la primera sala uno se encuentra con El Sistema (x-devian) (2003), en los que presenta el control social de las tecnologías de comunicación, el control que ejercen los grandes corporativos para que dependamos de los software que ellos producen y venden haciéndonos creer que son necesarios para poder seguir adelante en esta carrera de la innovación tecnológica.

Posteriormente  en la siguiente sala, se encuentra uno con un gran salón obscuro lleno de escritorios con monitores de computadoras y cables. En una de las paredes aparece la leyenda “Acces To Technology is a Human RighT”  justo enfrente se encuentran varios manuales Hackers.  La TTTP lanzó este lema radical en 1996. Por el simple hecho de ser un “Ser Humano” tenemos derecho al acceso a la tecnología. Basándose en la Declaración Universal de los Derechos Humanos, la tecnología, por ejemplo, es tan importante como el agua para la supervivencia humana. La realidad es que existe un gran número de personas que carece de la tecnología adecuada para poder desenvolverse dentro de una sociedad. La idea de Andújar, es mostrar la opresión que los gobiernos ejercen en el mundo para negar el acceso a la tecnología a muchos de los habitantes de este planeta.

Madrid, Toledo, Huelva, Sevilla. España 067

En otra de las salas lo que uno encuentra es todo un cuarto tapizado de propaganda política hackeada, es realmente divertida y políticamente incorrecta. Esta exposición se titula Dirigentes (2014).

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Por último la instalación en torno a Picasso, El Guernica y la Exposición Internacional de 1937 (2014).

A lo largo del último año, Daniel G. Andújar  ha robado un millón de direcciones de correo electrónico en internet. Durante la duración de la exposición y hasta que finalice Daniel, enviará un mismo mensaje a cada una de estas direcciones. El correo contiene una fotografía particular del pabellón español de la Exposición Universal de 1937 que Andújar compró en eBay, en la cual el Pabellón es sólo parte de la imagen y la recortó para hacerla obra suya. Al distribuir esta imagen, permite que la población visite el pabellón haciéndolos reflexionar sobre el mensaje del Guernica.

Guernica. Nichteinmischungsausschuss, 2012

La palabra “Nichteinmischungsausschuss”, vocablo alemán por el que se conoce el Comité de No Intervención creado en 1936 para impedir el envío de personal y material a las partes implicadas en la Guerra Civil, está escrita en letras enormes a modo de grafiti en una de las paredes de la sala. Uno de los ejemplos más terribles de esta intervención fue el apoyo Alemán al bombardeo indiscriminado de la localidad de Guernica.

Debo relatar que durante mi visita a las instalaciones fuimos desalojados intempestivamente por autoridades del Museo y en ese momento quedo clausurada  la exposición durante ese día. Afortunadamente yo pude visitarla completamente y sacar además  las fotos que les presento en este escrito.

El trabajo de Andrea Polli

Data sonoro

Mientras buscaba en la red algo que compartir en el blog, le di a Google el criterio de búsqueda ‘sonification pain’, pues quería hallar alguna obra que empleara mediciones del dolor para crear obras. Mi búsqueda no dio gran resultado, pero hallé  ‘The Oxford Handbook of Sound Studies’, el cual no sé si alguien por aquí tenga. En fin, lo que importa ahora es una obra que hallé sobre sonificación.

El trabajo de Andrea Polli, académica de la University of New Mexico, trata acerca de los efectos de la actividad humana sobre el ambiente. Así, emplea a la sonificación como un medio para concientizar, por ejemplo, sobre el calentamiento global o la baja calidad del aire citadino.

Una pieza que me llamó la atención fue ‘Heart and the Heartbeat of the City’, pues presenta varias composiciones hechas con las mediciones de la temperatura a lo largo…

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Neurohacking y cultura libre

Uno de los objetivos principales de cultura libre es la búsqueda de la libertad. libertad ante las tendencias económicas deshumanizantes, la cultura de masas y los monopolios tecnológicos del siglo XXI. Busca un cambio social a través en muchas ocasiones de la tecnología, en particular la digital. A través de acciones en el mundo real o en linea las comunidades hackers o hacktivistas buscan transformar el sistema desde dentro. Pero, ¿y si pudiésemos hackear nosotros mismos, en particular nuestro sistema nervioso en la búsqueda por trascender conductas, ideas, limitaciones y complejos.

El Neurohacking es un termino coloquial que se utiliza para referirse a la Neuro-ingeniería en version DIY (do it yourself) y se refiere a cualquier método utilizado para manipular o interferir con la estructura o función de las neuronas para mejorar sus funciones o rehabilitarlas. Aunque su aplicación principal es la salud, también se ha desarrollado para realidad aumentada o simulada, entre otras aplicaciones. Para tal fin utiliza a la epigenética, el biofeedback, psicofarmacologia y psicología conductual. Es un método que tiene muchas posibilidades, desgraciadamente tambien la manipulación de masas es una de las aplicaciones que se ha buscado desarrollar. Es un tema que necesita ser entendido y discutido, dando alternativas tecnologicas en el marco del software y hardware libre. ¿Que piensan ustedes?
*

Músicos con complejo de científicos

La música desde tiempos inmemorables ha estado relacionada con la ciencia, o al menos eso nos han dicho. Entre la historia de Pitágoras y la proporción de las cuerdas y Donald en el país de las matemágicas, no faltan los ejemplos de cómo el orden y la simetría están presentes en el fondo de la estructura de la música. En general es mi experiencia que a los músicos les encanta sentir que existe una justificación científica para su expresión artística.

En vista de la libertad que buscamos en y con la música, quiero tocar este tema de la influencia del pensamiento científico en la creación, que creo ha servido tanto para liberar, como esclavizar a la misma.

Como matemático me fascina la idea de que encontrar patrones y simetrías en la creación artística, en especial la música. Sin embargo veo que cuando se sacan de contexto los resultados científicos y se aplican arbitrariamente a cuestiones estéticas, pueden crearse confusiones y dogmatismos.

Me parece que en los últimos siglos la música occidental ha crecido de forma paralela con la ciencia. Es curioso notar como el estudio formal del contrapunto es contemporáneo de la geometría cartesiana en el siglo XVII, ya que ambos manejan la idea de múltiples niveles o dimensiones que en conjunto dan sentido a un objeto abstracto. Por otra parte, me parece muy interesante que el advenimiento de la física cuántica con sus misterios e incertidumbre sea simultanea a el abandono de la tonalidad y las formas que sirvieron de estructura en los siglos XVIII y XIX.

Sin embargo, los paralelos no implican una dependencia histórica. Creo que aparece un problema cuando los teóricos intentan axiomatizar un proceso artístico. El ejemplo más claro de esto son los tratados de teoría musical, como los de Fux, Rameau, Riemann, Schenker, Schoenberg, entre otros. Donde suelen estudiarse los fenómenos de la armonía y contrapuntos como si fueran algo estático que puede axiomatizarse, cuando en realidad es un proceso de usos históricos cambiantes. No dudo que estos grandes teóricos tuvieron muy claro en su momento que su trabajo consiste en describir y explicar de forma sistemática cómo funciona la música de su tiempo, sin embargo al consolidarse en la historia, algunos han llegado a convertirse en divinidades axiomáticas incuestionables para algunos partidarios de sus ideas. En algunos casos ha llegado a tal extremo que las corrientes artísticas como el serialismo y atonalismo, se han nombrado a sí mismas como el único camino válido de la música seria.

En nuestro espacio de música libre considero inaceptable tales posturas, creo firmemente que a lo largo de la historia, los grandes compositores y músicos nos han dotado de distintas técnicas, herramientas y estilos. Considero que al tener a la mano los usos musicales desde el barroco hasta el arte sonoro enriquecen nuestro quehacer como músicos del siglo XXI. Creo que la música ha caído en el engaño del “progreso” donde, lo nuevo es oro y el pasado no existe más que como recuerdo.

Me parece curioso que los científicos les gusta ser considerados artistas de su campo, mientras que los músicos quieren tener la formalidad de una ciencia dura. Creo que esto lleva a problemas, por que los primeros no son artistas, y los segundos no son científicos. me parece una crisis de personalidad académica que muchas veces frena la creación libre, quisiera que hubiera menos juicios de valor y más flujo de ideas, sin juzgar totalitaria y axiomáticamente las ideas y sentimientos. En fin, si alguien quiere hacer ciencia, que estudie los métodos de la ciencia, y si alguien quiere ser músico, que se forme en sus estilos y técnicas, si se puede dar la transdisciplina, que no sea una oportunidad para coartar la creación, sino que sirva para crecer como sociedad.

– Cristian Bañuelos