Pequeños apuntes sobre La Pirinola

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Por Lejana


El pasado 12 de agosto nuestros queridos armstrongs acompañaron a La Pirinola en el cierre de su curso de verano “Laboratorio Arte Pop”, un cúmulo de experiencias en torno al arte, los objetos y la escucha implícita que la banda participante nos compartió en el auditorio del Museo Carrillo Gil.

El suceso consistió en tres partituras de un sentir colectivo: la mirada al mundo desde otras manos. Tres mezclas de sonidos e imágenes fueron el compás perfecto, y afecto, para desatar la acústica armstronguiana y bifurcarse entre cada esquina de la sala hasta merodear en el ritmo interno de los asistentes.

¿Cómo buscar el centro del sonido en lo común? En esta ocasión nuestros compañeros de escucha, integrantes del curso de verano, definieron y defendieron varios minutos de alegría, expeditivos de las ondas, con los ojos brillantes, mientras hicieron de la duración de sus actos un tiempo sonoro sin propietario.

Tonificamos nuestros cuerpos desconocidos cuando todos procuramos integrarnos a la sonorización de Viaje a la Luna de Georges Méliès. Emitimos sonidos sin articular y sin embargo repartimos la suma de algunas meditaciones incomprendidas; un mundo creado, recreado y re-tocado fue posible.

Link para ver la presentación: Cierre Laboratorio Arte Pop

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«Silencio hospitalario: desde la estructura hasta los/as que lo constituimos, ¿una deconstrucción a través del arte?» por Lorena Salamendy

“En este mundo sólo hay dos cosas que merecen la pena: el estudio y el derroche”
Vila-Matas, Enrique, El viajero más lento, op. cit., p. 51.

El edificio la estructura hospitalaria es un agente protagónico dentro del proceso salud- enfermedad-atención; ya que el espacio físico es un espacio simbólico que involucra las percepciones y sentidos que los usuarios le otorgan al espacio en que se desenvuelven. Estéticamente es una arquitectura rígida sin color, pasillos y salas no identificadas las puertas de los consultorios siempre cerrados y las salas de esperas atiborradas de gente sentada sigilosa esperando a ser llamados. Tal vez no sea otra cosa que la quietud que experimentó Cage, descripta por James Pritchett, con la esperanza de generar un ruido o ruptura de un encuentro hacia algo. Los que somos parte como efectores/as de salud hacemos nuestro trabajo con la lógica de mercado entregamos un producto generalmente protocolizado, estructurado una forma de dar respuesta a algo ya estudiado aprendido en grado que tiene una repercusión inmediata, aliviar dolor, quitar dolencia siempre que se pueda, generalmente el resultado obtenido por el/la “paciente” es morbilidad, mortalidad o curación. La ciencia, lo científico realiza una escucha a medias, evalúa y observa desde la mirada médica únicamente a un cuerpo. Es decir realiza una comunicación desde estructuras cerradas, rígidas ya establecidas (sala vacía). Entonces: Sí, la institución hospitalaria da respuesta a una dolencia, a una enfermedad ante la demanda de “alguien” actuando en causa –efecto; ¿podría el arte cumplir un rol en estas instituciones? ¿Cómo haría John Cage para generar un silencio en tres movimientos? ¿Sirve este tipo de acciones? ¿A quién estaría dirigido? ¿Qué efectos podría cumplir? —John Cage, “¿Hacia dónde vamos? Y ¿Que hacemos?” 1

El artista Daniel Duarte Loza, en el artículo “Hacia el Arte Indisciplinario: Algunas reflexiones y una acciónpropone el concepto de indisciplina: salir de las formas establecidas para generar un campo de formación del arte diferente, tendiente a la expansión y no a la mera contracción, limitada a compartimentos estancos y cerrados asociado frecuentemente al ámbito de lo militar —en tanto regulador y ordenador riguroso del individuo—, que desvincula lo social y la subjetividad de los sujetos (Duarte Loza, 2012).

Utilizar recursos artísticos para posibilitar un espacio de intercambio social —un intersticio—2 que genere una comunicación más humana y con ritmo diferente al que impone la vida cotidiana del hospital (Bourriaud, 2008). Así el arte como acción, como un instrumento, que permita reflexionar sobre el conflicto que genera el saber establecido basado en el paradigma modelo médico hegemónico (Menéndez, 1988), desde el cual ese silencio edilicio pueda ser resignificado, dando lugar al uso de un propio lenguaje, construido a partir de recursos basados en el arte: la utilización de la performance como herramienta para desactivar la condición científica de la correspondencia entre forma y contenido (Blasco, 2013), o bien, el paisaje sonoro para relacionar la dolencia, el estrés. En fin, un abanico de posibilidades para abordar desde otras investigaciones el proceso de salud-enfermedad-atención bajo lo siguientes objetivos:

  1. Implementar acciones de comunicación (revista hospitalaria).
  2. Visualizar espacios hospitalarios olvidados (salas de espera, sala de emergencia, sala de internación, espacio verdes hospitalarios).
  3. Documentar, registrar el impacto de las acciones.
  4. Generar líneas de investigación.

Cuando releo y surge esta gran pregunta, este acercamiento a una disciplina que llamo ARTE, aún me pregunto qué es arte para mí. No dejo de pensar en esa auto-etnografía tan referencialmente caprichosa, narcisista y llena de poesía vacía, incógnitas personales y una escritura que poco dice de algo, pero que se aproxima a un descubrimiento. Pienso en qué quiero hacer:

  • Pegar con cinta papeles de notas en una pared específica del hospital (sala de guardia).
  • Registrar con audios el relato de los pacientes crónicos.
  • Poner música en sala de internación (Sala 1 y Sala 3 de mujeres y varones), y la entrega de libros en ese mismo momento.
  • Registrar el sonido del hospital.
  • Colgar del techo guardapolvos blancos.
  • Pintar una pared de color negro.
  • Hacer un taller de canto y percusión en el patio del hospital para los/as que trabajamos ahí.
  • Hacer una huerta en el hospital.
  • Generar un museo a cielo abierto.

Conclusiones

Problematizar el concepto de enfermedad; así como discutir su reducción que se hace sólo al ámbito fisiológico-anatómico, que deriva en acciones tecnócratas y modificaciones conductuales dónde la lógica causa-efecto deviene como un modo único de abordaje. Y Por otro lado, el espacio físico también es un espacio simbólico, por lo que se debe incorporar las percepciones y sentidos que los usuarios le otorgan al espacio en que se desenvuelven. Es importante que el hospital, como institución pública, genere herramientas y abra espacio para que las personas que le dan vida se vean reconocidas. Así, desde múltiples intervenciones artísticas, se puede dar comienzo a un proceso de identificación y cohesión entre el espacio hospitalario y los sujetos.

Buscando promover la salud y el bienestar de la comunidad del Hospital R Gutiérrez, fortaleciendo la humanización de los espacios. Fomentar el sentido de pertenencia con el hospital, dando lugar a la expresión de las subjetividades involucradas, e incidiendo, a su vez, en el modo de vivenciar las relaciones intersubjetivas e institucionales, con la intención de integrar el concepto de promoción de salud y el arte en una dimensión multicultural y multisocial.

1. John Cage: «Where Are We Going?And What Are We Doing?», Silence.Middletown, Conn.: Wesleyan University Press, 1961, pp. 220-222. [Hay edición española: «¿Hacia dónde vamos? Y ¿Qué hacemos?», Silencio: conferencias y escritos. Madrid: Árdora Ediciones,2002, pp. 220-222, trad. Pilar

2. El intersticio es un espacio para las relaciones humanas que sugiere posibilidades de intercambio distintas a las vigentes en este sistema, integrado de manera más o menos armoniosa y abierta en el sistema global. (Bourriaud, 2008).

Bibliografía

Duarte Loza Daniel Hacia el Arte Indisciplinario: Algunas reflexiones y una acción. 2012 2012: Servicio de Publicaciones de la Universidad de Murcia. Murcia (España)

Blasco Selina, Investigación Artística y Universidad: Materiales para un debate. 2013 Ediciones Asimétricas. (España)

Pritchett James Lo que el silencio enseñó a John Cage: la historia de 4’33’’

Menéndez E. L. Modelo Médico Hegemónico y Atención Primaria. Segundas Jornadas de Atención Primaria de la Salud. 1988 30 de abril al 7 de mayo. Buenos Aires. 1988 Pág. 451- 464.

Urquía M. Teorías dominantes y alternativas en epidemiología. Buenos Aires: Ediciones de la UNLa; 2006. p. 28- 84

Almeida Filho N, Rouquayrol MZ. Historia de la Epidemiología. En: Introducción a la Epidemiología. Buenos Aires: Lugar Editorial; 2011. p. 21-42.

Bourriaud N. Estética relacional. Buenos Aires. Adriana Hidalgo editora; 2008. p. 1-75

EMPEZAR DE NUEVO FELIZ AÑO 2017.

Recuerdo tener entre diez u once años de edad cuando una mañana mi papá me dijo -Tienes que leer este libro y lo puso en mis manos, se titulaba Juan Salvador Gaviota de Richard Bach, es la historia de una gaviota a la cual no le ha sido fácil formar parte de su bandada, que tiene una forma diferente de volar, que ve la vida distinta a las demás gaviotas.-

“Para la mayoría de las gaviotas, no es volar lo que importa, sino comer. Para esta gaviota, sin embargo, no era comer lo que le importaba, sino volar. Más que nada en el mundo, Juan Salvador Gaviota amaba volar. Este modo de pensar, descubrió, no es la manera con que uno se hace popular entre los demás pájaros. Hasta sus padres se desilusionaron al ver a Juan pasarse días enteros, solo, haciendo cientos de planeos a baja altura, experimentando.” (Richard bach, Juan Salvador Gaviota)

Por supuesto este libro es una metáfora sobre la vida, sobre las personas, el tratar de encajar en un sistema de normas establecidas cuando nuestros pensamientos son distintos. Si algo me queda claro, es que mi padre nunca me subestimo para entregarme el conocimiento a través de la lectura, a pesar de mi parvulez, él sabía que comprendería la historia y que me ayudaría a entender por qué a veces era difícil cuestionar todo y a todos, que las personas te contesten -Tu no entiendes, eres una niña, cuando crezcas lo comprenderás.-  No, él sabía que entendería, que sin importar lo que los demás digan, debemos confiar en nuestros ideales, en nuestra forma de actuar ante la vida y ante los demás, que habrá personas que querrán detenerte y cortar tus alas, pero habrá algunos otros que te impulsaran a volar más allá de tus limites y explorar nuevos horizontes. Es por esta razón que retomo lo que aprendí de este libro hace muchos años y les deseo que vuelen más allá, deseo que realicen sus objetivos por pequeños que sean y si se sienten diferentes a los demás, les recomiendo leer este libro, tendrán un rato agradable leyendo la vida de una gaviota con la que tal vez se identifiquen.

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Estamos iniciando un nuevo año, y como todo lo que es nuevo, existe incertidumbre sobre lo que vendrá o pasara, pero la esperanza de que todo sea mejor a lo anterior prevalece. De acuerdo con el horóscopo chino 2016 fue el año del mono de fuego el cual presagiaba incertidumbre y grandes desastres ya que el mono tiende a ser juguetón y traicionero; de acuerdo con la numerología, fue un año de cierre de ciclos, muchas cosas debían terminar y al parecer así fue, en el plano artístico trascendieron a otro plano grades músicos, escritores y políticos, figuras importantes en la historia de nuestra mundo. Lo que es una realidad es que así es la vida, todos deberemos cumplir un ciclo, naceremos, viviremos y moriremos, a menos que la clonación o la tecnología nos permita tener una vida mucho más larga como esta sucediendo actualmente gracias a las medicinas, viviremos más tiempo siendo viejos.

Algunas personas me han considerado insensible con respecto a la muerte de las personas, pero la muerte y yo hemos tenido que entendernos, y cada vez comprendo mejor el perder a los seres queridos (familiares, amigos o grandes personas que son ejemplos a seguir por sus ideales, por su música, por su trabajo, etc.), aunque el dolor, ese sí no quiere dar tregua. Aun así continuando con mi insensibilidad y con malas noticias déjenme decirles que el año del mono termina hasta el 27 de enero de 2017, eso significa que todavía podrán ocurrir grandes cambios en este periodo de 24 días, si es que confiamos en las predicciones de los chinos. Es curioso como la mayoría de los seres humanos necesitamos que los astros, los horóscopos, Dios, o algo que está más allá de nuestra compresión, nos diga que todo estará bien, que triunfaremos en nuestros proyectos, que encontraremos por fin el amor, que viajaremos, que seremos millonarios, etc., cuando la realidad es que con cada una de nuestras acciones vamos forjando nuestro propio destino. Sé que parece texto de auto ayuda, palabras redundantes y tal vez superfluas, pero en estos momentos veo con optimismo el porvenir.

Queridos lectores gracias por leernos durante estos años que ha durado nuestro blog, sin importar el horóscopo chino, los astros, la numerología, etc., seguiremos compartiendo nuestros intereses, gustos, la música, proyectos, los ruidos y nuestras energías con todos ustedes.

Que sus oídos y sus ojos se abran a todo lo que nos rodea en este hermoso mundo, que el amor y la ternura invadan sus corazones, que la esperanza nunca desfallezca y que la vida sea justa y maravillosa con cada uno de nosotros.

Bienvenido seas 2017

¡Liberemos a Armstrong!

Comparto una pequeña colaboración entre Neural Xolotl y yo (glitze), titulada Kawaii que en japonés significa ternura. Espero les guste.

Escucha agua: Experiencia en Yuguelito.

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I. Introducción.

Hace unos días murió Pauline Oliveros. Durante un tiempo he realizado algunas de sus meditaciones sonoras, acción que ha despertado en mí nuevos placeres, preguntas y búsquedas estéticas. Sin embargo, creo que tales momentos de regocijo gracias a la escucha no deben quedar sólo a un nivel artístico, sino que han de extenderse a la comunidad. Esto es, mi aproximación a la escucha también se fundamenta en la creencia de su poder como creadora de poderosos vínculos comunitarios, idea inspirada por los trabajos de Murray Schafer y Hildegard Westerkamp, así como del colectivo Ultra-red.

Mi interacción y convivencia con la comunidad de Yuguelito comenzó con una experiencia de creación de paisajes sonoros y glitch. Ahora, la Mtra.Carmen Franco me invitó a realizar una experiencia cuyo eje fuese el cuidado del agua. Pensé en varias formas de aproximarme al bello reto. Primero se me sugirió la lectura de cuentos, después pensé en la poesía sonora. Estaba desorientado pero sentí que la mejor opción era producir experiencias de escucha que se convirtieran en experiencias de improvisación sonora con agua.

Pensé y reflexioné mucho sobre sus sonidos. El agua tiene la cualidad del cambio de estado, y el cambio de estado produce sonidos distintos. El vapor, el hielo y el líquido hacen sonidos distintos en función de cómo se les trabaje. Decidí trabajar sólo con el estado líquido por la facilidad en su manejo, dado que el vapor o el hielo requieren de mayor tecnología para producirlos al momento.

Estuve atento a los sonidos del agua. Escuché cómo el agua tiene la capacidad de modificar los sonidos de las cosas: una toalla mojada suena distinta de cuando está seca, no suena igual el agua en un recipiente de unicel o de vidrio, nuestro cabello suena distinto al estar mojado, nuestra respiración cambia cuando sudamos, la piel suena distinta al estar húmeda: quizá si pudiésemos escuchar nuestros ojos húmedos, estos cambian de cuando están secos. En fin, el agua me guió.

II. Experiencia.

La experiencia se articuló en torno a tres momentos: 1) experimentación sonora con recipientes contenedores de agua, 2) escucha y dibujo de los sonidos de la purificadora de agua, 3) improvisación sonora con los dibujos y 4) una suerte de soundpainting.

Cabe mencionar que el desarrollo de estas actividades se fundamenta también en pedagogías antiautoritarias -por ejemplo, la pedagogía de la ternura de Lidia Turner, las posturas de Paulo Freire, las ideas no-directivas de Carl Rogers- para construir un espacio que no desemboque en una extensión del espacio escolar y su teatro de la violencia -gracias a Marianela Nuñez por esa descripción tan precisa del espacio escolar.

A continuación el registro del primer momento. Cada persona hacía el sonido que deseaba y después compartí algunas indicaciones. Los sonidos se hacían con los elementos que tenían a la mano y que referenciaban a los sonidos del agua:

Para el segundo momento, escuchamos los sonidos de la purificadora y después cada quién los dibujó de forma libre:

El tercer momento corresponde a las improvisaciones generadas a partir de los dibujos. Como se mira en el video hay momentos de silencio o de sonidos muy bajitos. Al basarme en la experimentación sonora como eje donde todo sonidos o ausencia de éste se considera como una declaración estética, así como en las posturas pedagógicas antiautoritarias donde se considera toda acción como posible experiencia de aprendizaje, es que ya fuera el sonido o el silencio, los considere como una manifestación de la imaginación sonora.

El cuarto momento consistió en que se estableciera un sistema de señas que referenciaran a sonidos del agua en la comunidad. Después cada quien guiaba a sus compañerxs por un viaje sonoro.

III. Cierre.

Mi interés por la experimentación sonora llevada a nuevos públicos tiene por objetivos tanto la producción de redes comunitarias, como la experiencia de personas ajenas al campo de las artes sonoras no como una educación hacia la “alta cultura”, sino como una ampliación de la escucha y su experiencia estética más allá de la música.

Creo que un mundo menos ensordecido producirá menos violencia y atrocidad. Es necesario escucharnos, y escuchar con regocijo estético todo sonido que el entorno nos brinde. Por otro lado, creo que estas experiencias potencian la búsqueda de los sonidos interiores, de los sonidos que imaginamos, silenciados por las violencia social.

La escuela es uno de los máximos silenciadores de la voz interna del alumnado, de ahí que mi experiencia no invité directamente a la producción de la voz o de la música, sino primero explore los ruidos que llevamos por dentro. Esta escucha entonces, poco a poco y si se continúa su desarrollo, quizá llevé al resurgimiento de la voz interna silenciada por la escuela y sus violencias.

Por un mundo donde podamos recuperar la imaginación sonora, nuestra voz interna y nuestra capacidad creadora y de amor por lo que suena.

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Imagen de Yuguelito.

Escucha e hipnosis: Una experiencia en la escuela

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¿Qué sonidos tienen permiso para romper al silencio? ¿Quiénes tienen el derecho a transfigurarlo? ¿Qué les otorga tales privilegios? ¿Hemos de pensar en términos de silencio o de silenciamiento? Para reflexionar sobre estas preguntas, compartiré una de las muchas experiencias que tuvimos, con adolescentes, durante un taller de experimentación sonora en una secundaria pública al oriente de la Ciudad de México, gracias a la invitación del programa Alas y Raíces.

I. De silencios y silenciamientos: eclosiones de la escucha.

No es necesario reiterar la violencia que se vive en las escuelas. La relación profesorado-alumnado está teñida de este tipo de relaciones. En este sentido, pienso en dicha relación como una experiencia de escucha. No obstante, sería más preciso hablar en términos de relaciones de silenciamientos. El silencio posee aún como condición la voluntad de quien calla; piénsese en Cage y todo lo que decide callar, y tiene la oportunidad de tomar tal decisión gracias a que es un privilegiado. Al contrario, el silenciamiento es una obligación a callar, un ejercicio del poder cuyo fin es engrandecer a una voz por encima de todas. Quien es silenciado no posee privilegios, pues vive la marginación, la subordinación, la perfieria, el abuso. Estas distinciones entre silencio y silenciamientos no son del todo mías, pues las he tomado del educador Paulo Freire.

Bajo estas premisas, la experiencia que relataré, busca la anulación del silenciamiento para ir al silencio, y de éste al sonido; a la decisión de callar, y no a su obligación, a la celebración de no-sonar y no a la tortura de no hacerlo. Anular al silenciamiento es sonar lo que hay adentro, lo de afuera, en la comunidad. Dentro, en lo profundo, alberga los sonidos que nos dotan de identidades múltiples, universos paralelos sólo posibles gracias a la escucha. Si tú has tenido la oportunidad de callar, entonces eres una persona privilegiada. Aprovecha esos privilegios, no sea que un día vengan a desaparecerte, a esclavizarte, a matarte. Tener el derecho a callar es parte de las libertades humanas, al igual que el derecho a sonar, mas ser silenciade es la operación más anhelada por los autoritarismos.

II. Hipnosis ericksoniana: los sueños de la escucha.

Los mitos comunes sobre la hipnosis incluyen su consideración como una relación donde se anula la voluntad de una persona a través de diversos rituales. Una persona dicta dormir y la otra obedece. Aunque tal aproximación existe, hay otra escuela de hipnosis que se denomina naturalista, cuyo posible origen se halla en la Escuela de Nancy, mientras que su difusión más fuerte se hizo a través de las prácticas psicoterapéuticas de Milton H. Erickson.

Aunque sería entretenido profundizar sobre la práctica de Erickson y sus rupturas con las convenciones de la psicología académica, no es posible hacerlo en este post. Sin embargo, enuncio algunas anécdotas ericksonianas que me sirvieron para la experiencia durante el taller. Primero, cuando él cuenta que deseaba meter a su establo a un caballo que se resistía a hacerlo, entonces Erickson, en vez de seguir forcejeando, aflojó la rienda y el caballo entró solo. En otra ocasión, Erickson ayudó a un niño a ya no orinar la cama, mediante la minuciosa descripción de las actividades musculares durante el juego del béisbol, deporte que al pequeño encantaba. Estos ejemplos implican el uso de la inducción hipnótica indirecta, cuyo núcleo abarca a todas aquellas prácticas donde los recursos olvidados por las personas son puestos en juego para hacer frente a los síntomas.

La recuperación de los recursos, lo espontáneo, lo que de la memoria emerge súbitamente, conforman el cuerpo que combate al silenciamiento. Cuerpo que se libera de los mandatos del autoritarimos para transfigurarse en sonido, en un oído, una oreja, una membrana vibrante que se abre a las experiencias aurales del mundo. No hay forma en que podamos desprendernos de lo sonoro, vivimos inmerses en ese estado, sumergides en la experiencia del tacto a distancia que es la escucha. Así, escuchar es tocar los recursos de las personas, lo que late, lo que desean sonar o callar. La hipnosis es, entonces, no sólo el empleo de los recursos, sino la transducción, la transfiguración, de los deseos al ponerles atención.

III. De la inhalación luminosa al pregón citadino: la experiencia.

Me siento frente a un grupo de adolescentes. La secundaria donde yo cursé está a una calle de ésta. Toda la violencia de las autoridades, todas la humillaciones del cuerpo docente, laten aún en mi memoria, descontrolan el ritmo de mi corazón. Cierro mis ojos. Les pido que escuchen su respiración, que escuchen su corazón. Les pido que suelten el aire de tal forma que nos escuchemos, así como también que inhalen de forma intensa. Lleven lejos su escucha, llévenla lo más lejos que pueda percibir. Su oído se extiende mucho más lejos de lo que su cuerpo o su habla podrían alcanzar, mas no se mueven: la escucha es el sentido que llega más lejos aun sin moverse. Escuchemos nuestro corazón. Suenan los pies, suenan risas: sigan sonando sus pies, déjenlos expresarse; rían, dejan que salga la risa. Tosen, hay hipo; dejen al cuerpo toser, que tenga hipo, que bostece. Pregunto cuál es el sonido más cercano. No abro los ojos, escucho mi corazón, escucho el de elles. Dicen la lámpara. Imítenla, ahora hagan un sonido más grave que ella, uno más agudo. Ahora afinen con la lámpara, desafinen con ella: unan su voz al sonido de la lámpara. Llega un pajarito. Es nuestro amigue que nos visita diario. Su canto viene de lejos, nos cuenta una historia. ¿Cuáles son los sonidos que escucha esa ave en nuestra ciudad? ¿De dónde viene? ¿Cuáles sonidos escuchaba allá? ¿Cuáles sonidos extraña? Tosen, mueven los pies. Que todo sonido celebre la vida, el estar juntes sonando. De repente alguien hace el sonido de alguien que pregona: “¡Merengues!”. Risas, el júbilo de librarse del silenciamiento, de la violencia. Avanzamos hacia la fiesta, hacia el encuentro, hacia un sonido que nos une. Pido que hagan los pregones que escuchan en su calle, en otras calles. El aula escolar, espacio lleno de angustias y tristezas, de abusos y violencia, se transfigura en una fiesta de los sonidos, en una incorporación de lo externo a las paredes excluyentes de la educación institucional. Y después de este momento, hemos de despedirnos, hemos de volver del sueño de la escucha. Abren sus ojos. Abro mis ojos. Les veo. Su voz es mi voz ahora, mi voz es su voz ahora. Escucho mi corazón que es suyo, y el suyo que es mío. Late, todo late, todo vibra: somos la alegría de vibrar, la esperanza, el silencio origen de la voz que en el futuro ha de estremecernos.

Más sobre campanas. Llorenç Barber

Dando seguimiento al tema de las campanas les dejo algunos textos escritos por Llorenc Barber músico de origen español, compositor y musicólogo quien ha dedicado gran parte de su trabajo a la realización de conciertos de campanas en distintas partes del mundo. Su trabajo es realmente interesante.

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“Sobre la meta(1)física del soul-sonar

A lo largo del siglo XX hemos ido perdiendo el valor y el sentido de lo “público”. acosados por la especulación, las prisas, lo privado y los motores: lo comunitario se liliputizó ominosamente, pero el sentido de lo público, aun adormilado, estusiasma y nos devuelve el perfume de lo sagrado.

y un magnífico emisario del sonar perdido de lo público-sagrado es el cantar a cántaros de las campanas. Su omnibus sonar nos sienta en las afueras del tiempo, nos siembra brisas en los recuerdos, nos zumba la piel de eternidades, nos asienta y aploma… “la calle es nuestra” nos hace gritar.

también la música se inundó de privacidades, negocios y divos expulsadores de notas y virtuosismos. por contra el sonar de las campanas no admite ni sordinas ni plateas, juega con las distancias, se alía con humedades y vientos: no tiene dueño, nos adueña más bien. (nos “posee” y nos “inicia” como dice zambrano).

frente al constipado silencio -siempre mal llevado- de los auditoriums, frente a las músicas de cómoda e impositiva amplificación de altavoces, las músicas de paisajes y campanas gustan de saludos y respetuosas conversaciones, del incierto murmullo, de las fértiles sombras y del tejer de errabundas y promíscuas asociaciones. su huidiza esencia hay que atraparla mediante insistencia y suerte.

no olvidar: una comunidad, una villa, un barrio suena tanto mejor cuanto más equilibrada sea la convivencia de sus habitantes. más todavía: pueblo que cierra sus oídos se vuelve mudo.

vienne, 17 noviembre 1999″

Texto tomado de la pág. web: https://www.uclm.es/artesonoro/barberolobo.html

Si quieren conocer más sobre el trabajo de LLorenc Barber les dejo algunos enlaces.

https://www.mundoclasico.com/ed3/documentos/28182/Conversar-sosiego-Llorenc-Barber

http://www.hoyesarte.com/entrevistas/c32-artistas/llorenc-barber-la-musica-ya-no-se-oye-vestido-de-pinguino-en-la-fila-13_121424/

http://www.hoyesarte.com/entrevistas/c32-artistas/llorenc-barber-la-musica-ya-no-se-oye-vestido-de-pinguino-en-la-fila-13_121424/

Escultura sonora. Libertad y prácticas artísticas

Lo que a continuación presento es  una propuesta, que en sí se trata de un despojo, un ejercicio de deslindar de dificultad técnica, física, matérica, teórica, económica, académica el acto estético.

Para esto se tiene que entender que la forma se crea, la materia se transforma, que el espacio se ocupa, los sonidos se sienten con toda la corporeidad, que el cuerpo expresa y comunica, que las percepciones se interpretan, que los sucesos se conectan, se sincroniza en  el mundo que fluye. El asunto está en señalar, enfocar y desenfocar, concentrar la atención, generar diálogos incidir en la materia y en el espacio, utilizar y manipular el sonido todo esto para transformar, eso es lo más importante, transformar la materia, el espacio, a uno mismo y a los demás.

Pero también se trata de ejercer la libertad  con esto quiero decir que es necesario reinventar la manera de tocar un piano, por poner algún ejemplo. Propongo pues que es preciso olvidar que existe algún método o tratado para esto, que se tiene que ver a la acción de tocar un piano por la relación que esto está sugiriendo, tocar se trata de ejercer un contacto físico y ante esto  y mientras se cumpla este contacto cualquier manera es válida. De tal forma que el modo en el que yo (sujeto) me relaciono con el objeto, se determina por mi manera propia de ejercer la libertad. Así dejar caer un piano del tercer piso, podría ser un modo valido de tocar un piano, sin embargo la dificultad económica que plantea adquirir un piano y luego destruirlo no es una manera viable a cualquiera, no para mí, por ejemplo. Y aunque fuera “mi manera ideal” de relacionarme con este objeto no es “mi manera” porque no la puedo llevar a cabo. No tengo la libertad para llevarla a cabo.

Entonces ¿qué tengo que hacer para ejercer mi libertad? ¿Para reinventar la manera de tocar un piano? Existen dos maneras: si mi convicción es destruir ese piano, entonces tengo que planear una estrategia se trata de iniciar un ejercicio de gestión. Por otro lado se puede procurar descubrir otra manera viable a mis posibilidades, esto bajo el ejercicio de la experimentación y confrontación con el objeto y sus posibilidades.

Aquí se encuentran dos vertientes la primera se manifiesta una obstinación, mientras que en la segunda se sede ante el objeto y se permite que este se manifieste en sí. Esta propuesta se inclina a la segunda posibilidad, porque parte  de ejercer la libertad con lo que se tiene y con lo que está cerca. En esto es esencial permitir que el objeto me modele ya que es fundamental abrirse a ser transformado por el objeto.

El camino: la práctica, la construcción, la realización, la ejecución, poner en acción, para ello es necesario otro despojo: despojar al arte de la importancia del producto en sí para centrarse entonces en la práctica artística.

Quedarnos con las prácticas que involucran la concepción, realización (construcción, composición, ejecución, etc.), exhibición (presentación, percepción, interpretación, reinterpretación) dentro del ciclo espiral de creación-recreación del acto artístico. Porque todo esto está inmerso en un proceso constante de simbolización o de generación de sentido.

Los recursos, se opta por la utilización de la escultura sonora como recurso mediador y generador de estos procesos dado que el objeto tomado por escultura sonora es un objeto sonoro despojado de la dificultad técnica de un instrumento musical para el acercamiento a la experiencia estética sonora, en otras palabras la escultura sonora permite al individuo a partir de sencillas manipulaciones generar sonidos y ocupar espacios con atmósferas sonoras de una manera fluida y natural. Se opta por la construcción porque es una manera de transformación del medio, donde la utilización de la herramienta permite la incidencia directa en la materia y así experimentar y apreciar sus cualidades físicas y sonoras. Y se opta por la improvisación por su desarrollo libre, por la negación del error y  su naturaleza fluida.

La estrategia, instituir como prácticas a la construcción e improvisación colectiva dirigida a través de un modelo de taller,  precisamente por la incidencia social de éste. En él se brindan los recursos básicos para el entendimiento del objeto sonoro, su construcción, su manipulación y su ejecución llevada mediante la improvisación libre.

Un resultado concreto es la Orquesta de Esculturas, la cual está formada por las esculturas sonoras generadas en el taller en un contexto colectivo, las cuales retoman la configuración de un modelo orquestado, asumen una dirección, la cual a través de imágenes provoca la asociación de formas y sonidos a través de metáforas que genera cada uno de los ejecutantes. La gestión de estas imágenes, el desarrollo en el tiempo y el diálogo del grupo produce una experiencia orquestal completa. Se asumen roles dentro del grupo, el director gestiona egos, intenciones, matices, entradas y salidas  permitiendo que la ejecución sea un acto de simbolización colectiva. El individuo tiene participación política activa y consciente de la gestación de esta experiencia artística.

Se pretende ir más allá ya que cualquiera puede imaginar, cualquiera puede construir, cualquiera puede ejecutar e interpretar, entonces cualquiera puede dirigir y enfrentar ese intento por transmitir un sentido a los intérpretes y de señalar los ritmos de su desarrollo. Eso pasa en la orquesta, finalmente se trata de despojar de todo prejuicio para liberar la esencia de la búsqueda artística constante.

Iván Navarrete [PhonoGrafic]

Arte contemporáneo y software libre

Para esta ocasión, aunque era menester publicar algo de una persona invitada, decidí hacer una especie de pequeña reunión. Buscando por la internet, quise conocer algunos proyectos que incluyeran la alianza entre software libre y arte contemporáneo.

Comienzo con una página invitada que llamó mi atención cuando comparten:

«Que un festival de arte y tecnología como Ars Electronica adjudicara, en septiembre de 1999, el premio del jurado al sistema operativo GNU/Linux (desarrollado en colaboración por una comunidad de programadores), convirtió automáticamente al Linux en una obra de arte.»

Tal afirmación se hace a través de «Laboral. Centro de Arte y Creación Audiovisual» en su artículo «Software libre abriendo las fronteras del arte».

En dicho artículo se nombran a algunxs artistxs que han trabajado con software libre, o bien, algunos cursos que se han impartido en el centro.

El uso del software libre en la teoria y práctica artística

Otra página que me pareció interesante fue la del proyecto PIMCD 2015 de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, donde se afirma que:
«En el grado de Bellas Artes la incorporación tecnológica va unida a los procesos de creación, facilitando nuevas herramientas, estrategias y lenguajes artísticos a los que no siempre accede el alumno, ni los propios docentes, por falta de conocimiento. Con el fin de superar las barreras de acceso, este proyecto de innovación educativa propone un modelo docente basado en la práctica y el aprendizaje de los nuevos medios utilizando soluciones libres o de acceso gratuito como herramientas de creación y enseñanza del arte contemporáneo, ofreciendo un recorrido a través de talleres y unidades didácticas. El principal objetivo es acercar al alumno al uso de estos recursos y facilitar su aprendizaje a partir de casos prácticos.»
Tales casos prácticos también se hallan en su blog, de donde cito sólo una breve referencia a «La huella del verbo» de Patricia Romero:
«Patricia Romero quiso registrar la huella de la voz,  capturar su sonido a través del dibujo como expresión sintáctica y plástica. El proyecto, que tiene como objetivo la creación de una máquina de dibujo, parte de su interés personal por los campos de Erbil, en el Kurdistán irakí, donde el voluntariado ayuda a los cristianos refugiados que han sido expulsados bajo amenaza de muerte por el Daesh. Patricia recoge el sufrimiento de los cristianos de Irak a través de los testimonios de los afectados por las acciones terroristas, que incluyen las lágrimas del obispo de Mosul, una anciana desahuciada por el <Estado Islámico>, los voluntarios de los campos de Erbil o la felicitación navideña de los cristianos perseguidos.»
Dicha obra se creó con software y hardware libre. Mas no es el único caso, sino que el blog alberga a otras obras interesantes, así como software que podría ser de interés para la comunidad artística.
El blog de Escaner Cultural, una revista on-line sobre arte, declara:
«Escáner Cultural es un proyecto alternativo de arte actual, es independiente y autónomo, no está asociada a ningún organismo gubernamental, ni empresarial externo a la revista, es independiente de cualquier interés personal, puesto que es una revista de muchas personas.
El objetivo es la libertad de información, pluralidad de opiniones. Es un modelo diferente al comunmente usado en los medios de comunicación masivos. Escáner Cultural tiene un modelo de autoedición. Existe el discurso personal de cada columnista, la revista otorga un amplio rango de libertad, en base a la confianza de los unos en los otros, sólo comtemplando unas <pautas básicas> de convivencia y formato que los miembros se comprometen a cumplir.»
Lo que me llevó a dicho proyecto fue su artículo «Nosotras, las mujeres y el software libre». En éste su autora, Marcel Rosen, afirma:
«Ahora que estoy relacionándome con los hombres activistas de software libre, me siento extraña en las reuniones donde soy la única mujer, pero sigo adelante…
Para conmemorar este día hice un artículo sobre las organizaciones femeninas de software libre de habla hispana y sobre las mujeres destacadas que trabajan con SL.»

Igualmente, nos ofrece una amplia lista de trabajos que intersectan al feminismo y al uso de software libre. Creo que no es necesario resaltar la importancia de dicha travesía.

Por el momento son tales páginas a quienes he invitado al bacanal, cuyos anfitriones son el arte contemporáneo y el software libre. Dejo a quienes lean, la inquietud de nutrir más esta colaborativa y amistosa fiesta.

¡Que estén bien!

Luther Blissett: un colectivo de arte libre…

En 1994, cientos de artistas europeos, activistas y bromistas adoptaron y compartieron la misma identidad. Se llamaron Luther Blissett y se propusieron la emergencia de un infierno dentro de la industria cultural. Fue un plan de cinco años. Trabajaron juntxs para contar al mundo una gran historia, para crear una leyenda, para dar nacimiento a un nuevo tipo de héroe popular.

Llegué a este colectivo por la producción de un peculiar álbum que hace colaborar al mismísimo Merzbow, quien ha dicho que el pop es lo más noise para él, junto a una cantante alemana, precisamente de pop, llamada Ladybird. Dicha producción se llama Balance y fue editada en 1997. Su propuesta sugiere que es el primer CD triple contenido en un solo CD. ¿Por qué? Debido a que en uno de los canales se escucha la obra de Merzbow, mientras que en el otro se escucha la obra de Ladybird, así que podemos elegir entre escuchar solo al primero o a la segunda, o bien, escuchar ambos canales al mismo tiempo.

No puedo dejar de ver en esta propuesta de Luther Blissett una broma, una provocación, o un gesto sarcástico hacia el pop y hacia la música noise. Me pregunto qué pensará Merzbow de tal cosa, o qué pensará Ladybird. En todo caso, me parece una obra bellísima que, más allá de su eje conceptual, ofrece una nueva forma de escuchar y de conmoverse ante ambas propuestas musicales.

Por otro lado, Luther Bissett hizo un álbum invitando a todo tipo de artistas que trabajasen con sonido a enviar piezas para un compendio como punto final de la actividad del colectivo:

DA CLICK AQUÍ PARA IR AL SITIO DONDE ESTÁ EL ÁLBUM.

Creo que el trabajo de este colectivo es muy interesante y se presta a reflexiones diversas sobre la colaboración, la lucha contra el stablishment del arte y demás cosas que dialogamos en Armstrong…

¡Abrazo!

No Copyright for situations whose activity is explicitly oriented to take relations, pleasures, loves, wealth, ideas and styles out of the ideological rule of capital. RECLAIM!

[No al Copyright para aquellas situaciones cuya actividad esta explícitamente orientada a colocar a las relaciones, a los placeres, a los amores, a la abundancia o a la prosperidad, a las ideas y a los estilos, fuera de la regla ideológica del capital. ¡RECLAMA!]

¡¡¡¡DA CLICK AQUÍ PARA IR AL SITIO DE LUTHER BLISSETT!!!!