La jirafa en llamas o mamá ¿por qué quiero ser creativo y socialmente responsable?

Un texto de Guapodfde8bits.

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Queridos todos.

Al escuchar a algunos de los distintos colectivos de música experimental que existen en la Ciudad de México, siempre he pensado que en su sonido (música) existe un fuerte olor a la música experimental de la década de los sesentas. Esto no es necesariamente malo, ¡qué bueno que estemos asimilando o revisitando esos tiempos! Los sesentas fueron una década de parte aguas y de nuevos paradigmas socioculturales, fue una época de grandes cambios en todos los aspectos de la vida del hombre, por supuesto las artes y específicamente la música, ya sea popular o “culta”, no fueron la excepción. Quizá el legado de los sesentas no se ha superado, lo bueno y lo malo, la preocupación y el interés social, el deseo de ser vanguardistas con cualquier cosa que impacte, ya sea a nuestros ojos o nuestros oídos y además, al igual que en los sesentas, nos enfrentamos a nuevos medios de comunicación (la televisión y las redes sociales respectivamente), guerras que se prolongan (la guerra fría y las guerras en medio oriente respectivamente) y conflictos que sacan a las calles a varios sectores de la población. Estos y muchos otros aspectos son los que quizá le dan a nuestro tiempo ese sabor a los sesentas. En esta segunda década del siglo XXI los colectivos encargados de hacer arte están por todas partes. ¿Por qué los artistas, generalmente provenientes de la academia tradicional, seguimos con la necesidad impetuosa de aglutinar nuestras almas, quizá desorientadas, en eso que llamamos colectivos, justo como en los sesentas? ¿Es el eterno retorno del arte? Este síndrome no es de nuestra época ni tampoco es una idea sesentera. Consciente o inconscientemente los artistas de los sesentas estaban siguiendo el mismo camino que habían comenzado los estridentistas en los alocados años veinte , es decir, aglutinarse en grupos interdisciplinarios. El eterno retorno. La música o la sonoridad estridentista estaba muy ligada a la estética del futurismo, según deja ver Maples Arce (quien lanzó el manifiesto estridentista) en un artículo titulado Jazz=XY. En las reuniones de este grupo había literatura, artes plásticas y música. Los jóvenes artistas de este tiempo tenían entonces la necesidad de destruir a los dioses estéticos impuestos por el tradicionalismo, querían revolución artística y al igual que las revoluciones armadas de esos tiempos, querían que su revolución llegara a todos los rincones del país. Amaban la tecnología de su tiempo, quizá porque podría ayudarles a conseguir este propósito. Quizá por eso deberían estar juntos. Su movimiento no solamente era sobre estética, su movimiento era social, querían descentralizar la cultura, llevar la idiosincrasia del pequeño poblado a la gran ciudad y viceversa, eran folcloristas y querían ser universales, por eso debían estar juntos. El eterno retorno. Curiosamente, Arce tenía el apoyo del gobierno de Veracruz y fue nombrado secretario de gobierno. Así, su movimiento tendría una sede y la llamaron Estridentópolis. Esto hizo que el estado de Veracruz estuviera al nivel cultural de la Ciudad de México, un pequeño paso hacia la universalidad. Desafortunadamente el gobierno convirtió el folclor artístico y social en un nacionalismo creado para justificar la existencia del gobierno revolucionario institucional desde un punto de vista histórico. Quizá no haya peor cosa que un nacionalismo impuesto por un gobierno que traicionó el sacrificio de todo un pueblo. El arte al igual que todo lo demás se fraccionó en instituciones monolíticas. Desafortunadamente ese nacionalismo paga y te da de comer, además de hacerte famoso, por supuesto hubo algunos artistas que quizá intentaron sacudirse ese síndrome del nacionalismo postrevolucionario, como por ejemplo David Alfaro Siqueiros. Ahora bien, la década de los sesentas tiene muchas aristas políticas, sociales y por supuesto artísticas. Por un lado creo que están los artistas que querían romper con la academia, justo como en los veintes y por el otro los artistas que querían romper con el estatus quo social, o por lo menos, utilizaron el arte como trinchera social. El eterno retorno. Los primeros prestaron atención a temas o fenómenos cotidianos, es decir, realmente cotidianos, que están siempre ahí y no se les pone mucha atención. ¿Por qué hacer hincapié en esto?. La guerra, el hambre, la desigualdad social, etc. siempre han sido temas cotidianos y en los sesentas estaban bastante presentes. Pero al parecer ningún artista de ruptura de esta década proveniente de la academia se intereso en desarrollar en sus obras estos temas, prefirieron la reproducción de la cultura popular y claro, lo cotidiano, lo cotidiano que podía tener un impacto visual. El resto de los artistas sí se preocupo por estos temas sociales, pero quizá académicamente son los menos recordados, ya sean pintores, escultores o músicos, generalmente no suelen figurar en las historias del arte del siglo XX, cuando quizá fueron los más numerosos. Los artistas de ruptura, una vez más se aglutinan en grupos, como por ejemplo la factoría de Warhol (los más famosos) en Nueva York. Pero existieron grupos que se comprometieron con los movimientos sociales de su época. Como la formación del Taller Popular en Francia, que se dedico a hacer volantes durante los acontecimientos del Mayo Frances, es decir, la gráfica de protesta social. Igualmente en Estados Unidos grupos de carácter político y social se expresaron a partir de la creación de carteles que expresaban la realidad de su tiempo (y probablemente sigue siendo la misma) como los Black Panthers . Todo esto es arte en cuanto que es una representación de la naturaleza, la naturaleza humana. En México, se tuvo una experiencia similar a través del movimiento estudiantil del 68. Aquí los artistas que se encargaron de expresar gráficamente los acontecimientos de ese proceso. A diferencia de otros paises, en México no se aglutinaron en grupos o colectivos como tales, más bien lo hicieron desde la academia, como la Escuela Nacional de Artes Plásticas o la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (La Esmeralda). Hasta la década de los setentas es cuando la idea de los grupos y colectivos es retomada en México, pero en la mayoría de los casos la repercusión o preocupación por aspectos políticos y sociales son fortuitos. El fenomeno de la colectividad se da porque salen de la academia (donde se crearon) a la calle, simplemente para mostrar su arte. En muy pocos casos estos colectivos se interesaban por revindicar algún aspecto social, dentro de estos pocos casos esta el colectivo Tepito Arte Acá. Musicalmente hablando los artistas provenientes de la academia se aglutinan ante figuras importantes como Shaffer y Cage, defienden el arte por el arte, es decir, el sonido por el sonido. Particularmente en México, y a finales de los sesentas y principios de los setentas surge uno de los colectivos o grupos de música más importantes del país en esa época, el grupo Quanta, conformado por Mario Lavista, Nicolás Echeverría, Juan Cuauhtémoc y Fernando Baena. Más que un colectivo era un grupo de improvisación. Sin embargo es importante mencionarlo ya que al igual que otros grupos artísticos, Quanta, se acerco a la calle o al menos salieron de la academia a presentarse a otros recintos artísticos y tomaron el espacio publico como espacio de expresión artística. Toda esta pequeña reflexión puede ayudar un poco a responder a la pregunta que he planteado en un principio, el por que aglutinarnos en colectivos. Creo que los colectivos han surgido cuando son necesarios, cuando las circunstancias así lo requieren. Las sociedades o comunidades actúan como tales justo cuando encuentran que tienen algo en común, principalmente un problema que la desdibuja. Si los artistas pertenecen a estas comunidades, cómo no asociarse para que desde su actividad luchen por cubrir esa necesidad de la comunidad. Los colectivos de arte son entonces endémicos de las sociedades, las sociedades que están en decadencia. En general los artistas que se aglutinan viven en una economía un tanto austera, buscan la colectividad para que los costos de producción se reduzcan y puedan llevar su producto a la sociedad y ésta lo pueda recibir fácilmente. Entonces el mensaje tiene que ser directo. Creo que en la actualidad los colectivos están tomando estas directrices. En México hay grandes necesidades que tienen que ser eliminadas, las políticas y las sociales e incluso las académicas, porque ciertamente nuestras academias están en decadencia, no solamente las artísticas. Por eso los colectivos actuales intercambian sus conocimientos a partir de talleres o de tutoriales en redes. El año 2006 quizá fue el 68 de nuestra generación, el eterno retorno. En Oaxaca, durante las movilizaciones para quitar al gobernador Ulises Ruiz, los artistas gráficos tuvieron la necesidad de expresar de manera directa su realidad. Esta vez, debido a la necesidad de protegerse de la dura represión, estos artistas se tuvieron que aglutinar en verdaderos colectivos para protegerse, cuando realizaban su trabajo. No buscaban crear un lenguaje nuevo o imponer una estética en particular, sino una forma de llegar directamente a la sociedad y que su mensaje de protesta fuera claro. Ahora, justamente estamos a una década de esos hechos y justamente en Oaxaca la movilización social está llegando a otro clímax. Los colectivos de arte en el país han aprendido a autogestionarse, a ser autosustentables y en está búsqueda se han acercado a la sociedad de distintas formas. Varios colectivos de música igualmente se han unido a este compromiso social o tratan de hacerlo; quizá la diferencia importante entre los colectivos musicales y los colectivos de artes visuales es que mantienen o tratan de buscar un lenguaje propio en sus creaciones artísticas y no las interponen a la necesidad de que el mensaje sea claro para la sociedad. Esto puede dificultar ese compromiso social. Creo que aun no esta claro que es lo que un colectivo de música pueda aportar a la sociedad.  Se puede pensar que no tiene porque aportar algo, eso es valido. Pero sí es posible vislumbrar algo al respecto, posiblemente los colectivos de música podamos contribuir a la propagación del conocimiento, no directamente con la música que generemos, pero sí a partir de generar talleres con temas como la autogestión, el uso y la creación de herramientas de software libre para que sean utilizadas en sus propios proyectos. Estos conocimientos luego pueden difundirse en diversos puntos e incluso a nivel mundial. Así el conocimiento se expande e igualmente es la puerta para generar cuestionamientos y después nuevo conocimiento.  Esto no ha sido más que un pequeño panorama del porque un colectivo artístico existe y debe existir. Sin más por el momento me despido.

Siempre suyo guapodfde8bits.

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¿Qué puede ser el arte mexicano? Circunstancias políticas, económicas y académicas de la práctica artística contemporánea

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“Relativity”, 1953 (lithograph) by M.C. Escher

 

Por: Manuel Guerrero

Para bien o para mal, no hay campo profesional o conocimiento humano que eluda tanto a la categorización como el arte lo ha hecho en el último siglo; en particular, la producción artística derivada de la tradición plástica y los planteamientos estéticos sobre los que se sostuvo la noción clásica de bellas artes.

¿Qué es el arte? es una pregunta que evoca en nuestra mente el sonido del vinilo rayado cuando alguien hace un comentario inoportuno o fuera de contexto: corta inevitablemente la serenidad en la conversación; inunda nuestra lectura con un sentimiento de repulsión frente a los argumentos de quien se atreve tan siquiera a esbozar una posible respuesta y nos anuncia el crepúsculo de la controversia.

Algunas de las respuestas que he escuchado/leído versan sobre una obsolecencia de la incógnita: “el arte es una práctica que se define en negativo”, es decir, en base a lo que no es. En sus diferencias y estados de excepción respecto a necesidades utilitarias, epistemológicas o cuestionamientos morales, empezamos a vislumbrar los borrosos límites de una práctica que, aún sin operar con una definición clara de lo que se propone, –al menos en México– puede ser lo suficientemente valiosa como para estructurar una economía alrededor de ella; tan rigurosa como para formar un programa de estudios de nivel posgrado y demasiado importante en el campo político como para canalizar recursos públicos a través de programas de estímulos a la creación.

Con todo esto, resulta difícil sostener que no hay alguna directriz que nos brinde una certeza sobre lo que el arte y, por extension, los artistas hacen en una sociedad y un contexto histórico –dirigiendo este texto a un punto específico­– como el de México. A partir de ello, podríamos comprender cuan pertinente es hablar de una necesaria condición contemporánea en sus artes, más allá de la noción de ‘contemporáneo’ que entiende dicha circunstancia netamente cronológica, o bien, como un llano punto en una línea histórica que reconoce –a un grado casi narcisista– su diferencia relativa a otras épocas o como la simple y llana concordancia temporal de un grupo de seres humanos en un momento específico. En medio de dichos extremos, hay un punto medio con el que podemos advertir que nuestra existencia individual y colectiva descubre de su eventualidad histórica la vanidosa malla de un futuro aún no escrito, orgullo detonado por la infinidad de caminos que se pueden recorrer.

Para plantear una posible respuesta, encaminemos nuestra atención de nueva cuenta a la pregunta ¿Qué es el arte? De verdad, ¿es tan absurda como pensamos? Tal vez lo único que hace falta para vislumbrar un grado de certidumbre es cambiar el ángulo desde el cual nos aproximanos a ella, lo cual no es poco, pues requiere una apertura filosófica capaz de soportar a la vacuidad o la nada como réplicas aceptables.

I. Sobre un arte vacuo

Dudar sobre la ‘realidad’ que nos envuelve, sospechar que detrás de lo que percibimos hay ‘algo’ que presenta la esencia de una obra divina, no es una actitud tan moderna como para situar una línea de salida en el pensamiento de René Descartes ni una meta en los argumentos cinematográficos de películas como Ghost in the Shell o Matrix: el planteamiento del Mundo de las Ideas platónico y el ἀρχή de Heráclito son antecedentes llenos de suspicacia sobre lo que está y lo que acontece en el mundo, sin embargo –en el fondo– es palpable la sed de una explicación plausible que satisfaga la curiosidad ontológica. Después de todo, es ilógico pensar que, detrás de las apariencias y el baile de las sombras no exista respuesta alguna. ‘Algo’ o ‘alguien’ se encuentra en el otro lado, esperando a ser descubierto: Ideas, Devenir, Espíritu, Sustancia Voluntad o Ser, algo de ello seguro que se encuentra ahí.

La historia occidental de la filosofía no ha escatimado en volcar con ímpetu sobre sus papeles y tinteros cientos de teorías a través de los siglos, sin ser de igual manera tan valientes para rasgar la apariencia y dejar de lado la seguridad de la especulación, sin embargo, al margen de esta incógnita tal y como la hemos entendido, se puede mencionar a un filósofo hindú que dio un paso más allá –entre el siglo II y III–, y encontró, irónicamente, la vacuidad no sólo de la pregunta misma, sino del mismo pensamiento que lo condujo a ella. Ese pensador fue Nāgārjuna.

Puede que para este momento, mi estimado lector encuentre un disparate asociar la circunstancia histórica del arte contemporáneo mexicano con un filósofo que se encuentra tan distante, en el tiempo y en la geografía, de lo que ni siquiera los teóricos nacionales terminan de explicar de una manera comprensible, pero ¿a dónde nos han llevado las genealogías filosóficas establecidas? Sería arriesgado decir que, en el arte, a un bucle alimentado por el absurdo, pero algo que parece cierto es que hoy más que nunca las prácticas artísticas, los circuitos y las ‘escenas’ no están de acuerdo: Ora porque lo podamos vivir en carne propia y conocer de primera mano, ora por desconocimiento de la situación específica de otros tiempos, la única constancia que por el momento se perfila es que el arte[1] seguirá siendo un campo de batalla en disputa.

Pero retomemos el hilo del texto. ¿Qué puede aportarnos el pensamiento de un filósofo como Nāgārjuna a la pregunta por el arte en su condicional esencial, que devendrá en una especificación de la geografía e historia de México? En primer lugar, el planteamiento nāgārjuniano de la dependencia mutua entre las cosas que ‘existen’ en nuestra realidad acierta un primer corte en el velo de māyā que nos impide ver que no hay algo que exista por sí mismo[2]. El objeto de nuestra pregunta sencillamente está vacío desde el comienzo si creemos que hay algo que buscar. Cuando nos preguntamos por el arte, en términos tan generales, específicamente por una práctica que definimos sólo desde el pensamiento lógico-discursivo y no en conjunto con un pensamiento visual, sonoro, táctil, etc. Además de plantear nuestra duda únicamente desde una ilusoria condición esencial, nos preparamos para enfrentar el horror del silencio que devora nuestra voz y no devuelve un mínimo rastro al que aferrarnos como respuesta. A diferencia del tinte fatal que se le puede atribuir a la vacuidad[3] de las cosas, en el hecho de que no existe tal cosa como una esencia inherente a cada forma de vida y objeto en el mundo, esto –esta sencilla idea– brinda el giro ontológico que estaba buscando demostrar para pensar en el arte. ¿Por qué esmerarse en demostrar in abstracto una práctica que, como realidad, acontece en relación a algo/alguien más? En sintonía con la aspiración budista del bodhisattva derivada del planteamiento de Nāgārjuna, que plantea que el mundo “está por hacer”[4]a través de –entre otras cosas– la manera particular de percibir, bien podría inferirse que nuestro entendimiento del arte –un asunto más banal frente a la representación del mundo que se encuentra en proceso– está en construcción, sin embargo, esa sería la forma más sencilla de librarse del problema que implica conectar los puntos; saber qué red están tejiendo ciertos hilos, desde cuales puntos provienen las líneas de la trama y qué imagen general se empieza a vislumbrar. Efectivamente, preguntarse qué es el arte no cobra sentido hasta que empezamos a dibujar los límites de nuestra pregunta. En ese terreno, nuestra duda se torna razonable y brinda una estructura metodológica de gran riqueza: a la incógnita ¿Qué es el arte? Se precisa la adición de claves que nos faciliten pistas de su espacio y tiempo[5]. Sólo basta añadir, digamos, la preposición adecuada o la relación precisa. Así, la pregunta se modifica: ya no nos preguntamos por lo que es el arte, sino por lo que puede ser. En lo sucesivo, trataremos de indagar sobre lo que es o puede ser el arte para la política, el mercado y la academia.

II. Cool México

Rodando cuesta abajo, hacia terrenos más firmes en los cuales se puede sembrar la claridad, la pregunta por el arte en México toma forma en la medida en que se definen los parámetros de dependencia práctica entre algunos circuitos, es decir, qué instituciones influyen en su circulación y producción. Algunas directrices que nos pueden ser útiles en este camino se pueden reconocer en los factores históricos, comerciales, políticos y académicos que operan en las escenas artísticas más comentadas en la actualidad. Empecemos por ver qué ha ocurrido con las producciones artísticas nacionales en la actualidad: cómo se han valorado y qué proyección tienen a nivel internacional.

Es bien conocido el interés que despierta principalmente el trabajo de Frida Kahlo y Diego Rivera en otras partes del mundo cuando se habla de arte mexicano, y no por el contenido político-revolucionario que se puede leer en sus obras, sino por las exóticas formas y paletas cromáticas, así como la idealización prehispánica del país y las narraciones orientadas a avivar el mito romántico del artista que sufre –en el caso específico de Kahlo–; tópicos recurrentes en otras figuras de la historia del arte, pero que, en el contexto de México, generan un corto circuito si consideramos que el trabajo de Rivera, enmarcado en un movimiento tan complejo como el muralismo, centró su práctica en medios y espacios a los que, contrario a lo que se enseña en la historia oficial, muy poca gente tenía acceso: los muros de instituciones gubernamentales y los cuadros que formaban parte de colecciones privadas, con gran dificultad podrían ser vistos en otros lugares. En el fondo, la etiqueta popular gozaba de una contradicción. Acorde a los comentarios del historiador estadounidense James Oles, los artistas mexicanos de aquella época “no están pintando para el pueblo, porque nadie del pueblo va a comprar obras de caballete, tampoco los murales están pintados en lugares populares; muchos son para burócratas, turistas y políticos.[6]” Pensar en sus ventas dentro de galerías neoyorkinas es un golpe duro a la fantasía que flota en nuestra mente cuando se piensa en la práctica artística post-revolucionaria de personajes como Rivera, que despejan todo rastro de malicia del imaginario indígena y, citando los análisis categóricos de la investigadora Elsa Cecilia Frost: “En su obra no presenta, pues, la realidad mexicana como tal, sino un pasado irreal y un nuevo orden social ideal que está aún muy lejos de haberse realizado.”[7]; en lugar de ello, nos muestra “una imagen idílica que sólo tiene realidad en su arte.”[8]

Con todo ello jugando en contra, el nacionalismo –reflejado en el binomio Rivera- Kahlo– de principios de siglo XX mantiene su relevancia en la agenda pública si se piensa en las exposiciones que se exportan al extranjero dentro de la cultura contemporánea de México: Las exhibiciones de Kahlo o de los “Tres Grandes” del muralismo toman la delantera cuando emerge el tópico[9]. Por eso mismo, no es un lugar común replantearse a esta dupla de artistas como problema cuando se habla de arte mexicano y se trata de poner en una perspectiva actual, con todas sus posibles complejidades históricas, políticas y económicas. Pero, ¿es cierto que en materia de producción artística es lo único que debería recibir el cobijo político? La pregunta es retórica: el esquema del arte mexicano en los años 20’ es una buena moneda de cambio que a probado su éxito a través de las décadas, desencadenando un interés en el propio país –como lo mostró el auge y caída del neomexicanismo en los años 90’– sin embargo, un punto de gran interés es la interrogante por las nuevas producciones artísticas contemporáneas. ¿Qué papel juegan en la agenda político-cultural de México, independientemente del sexenio? Podría pensarse que con la aparición de instituciones como el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) a finales de los años 80’, hay un genuino interés gubernamental por incentivar la práctica artística a nivel nacional, y sobre todo, una claridad sobre lo que es el arte. Analicemos sus objetivos y veamos que es el arte para las administraciones que han dado seguimiento a este programa.

            El portal electrónico oficial de la Secretaría de Cultura señala como objetivos principales del FONCA “fomentar y estimular la creación artística en todas sus manifestaciones”[10], y sintetiza su operatividad y misión de la siguiente manera:

“(…) [su] aparición obedece a una de las respuestas que ofreció el Gobierno Federal a la comunidad artística para construir instancias de apoyo basadas en la colaboración, la claridad de objetivos, el valor de la cultura para la sociedad y el aprecio de la diversidad de propuestas y quehaceres artísticos.

Desde que se creó, el 2 de marzo de 1989, al FONCA le fueron asignadas las siguientes tareas: apoyar la creación y la producción artística y cultural de calidad; promover y difundir la cultura; incrementar el acervo cultural, y preservar y conservar el patrimonio cultural de la nación.

Invierte en los proyectos culturales profesionales que surgen en la comunidad artística; ofrece fondos para que los creadores puedan desarrollar su trabajo sin restricciones, afirmando el ejercicio de las libertades de expresión y creación. Por ello, convoca a los artistas y creadores para que participen en sus  programas, mediante la presentación de propuestas que son evaluadas por Comisiones de Dictaminación y Selección, formadas por artistas y creadores.”[11]

En esta contundente explicación hay muchas lagunas en las que podemos caer nuevamente, en la nada que es el arte in abstracto. Uno de los más evidentes es la constante polimerización entre arte-cultura como factores indisociables y paradójicamente, en otros renglones, se habla de arte y cultura como elementos diferentes. Hay que señalar el papel de la promoción artística y cultural de “calidad” en su discurso, lo cual es ya un síntoma que nos dice que hay parámetros suficientes –sobre todo objetivos– para pensar categóricamente en la relevancia de una propuesta artística sobre otra; no obstante, antes de siquiera pensar en la pregunta por el arte mexicano –ahora en la década de los 90’– tendremos que despejar un elemento del discurso: la cultura.

Si dilucidar un camino coherente para la pregunta sobre el arte era una tarea difícil, tratar de definir cómo se entiende la cultura aquí requeriría otra genealogía que excede al presente texto. Afortunadamente, esto no es necesario si tomamos en cuenta las circunstancias políticas que alentaron la creación del FONCA, las cuales se remiten a la agenda del gobierno presidido por Carlos Salinas de Gortari, en el periodo de 1988-1994.

Tal y como se refleja en sus informes de gobierno, la idea de cultura utilizada durante el mandato de Salinas de Gortari no era muy diferente de la perspectiva jerárquica[12] que circunscribe dicho concepto al cúmulo de información y la pretensión erudita –en nuestro caso de estudio– de lo que aconteció en México y, tratándose de un país con un pasado colonial, el legado prehispánico presente en sus vestigios arquitectónicos, en su gastronomía, etc. Datos con los que se establece un parámetro para separar a los pueblos civilizados de los bárbaros; a los cultos de los incultos. Sin embargo, el ingrediente de cambio estaba en las aspiraciones de insertar a México, desde una visión nacionalista, en un contexto global, destacando su participación en el desarrollo humano a nivel mundial:

“Somos parte de la humanidad; nuestra cultura ha contribuido al desarrollo del ser humano y nuestros recursos al bienestar material de muchas naciones. También nos hemos beneficiado y transformado con el intercambio. Entendemos que la revolución de las telecomunicaciones acerca a culturas y multiplica sus influencias mutuas. Muchos de los principios que nos hemos dado en nuestra vida independiente, en especial la defensa de los derechos del hombre, se han extendido hoy en la comunidad de naciones. Por eso, al asegurar su valor y vigencia en México, cumplimos con nosotros mismos, con nuestra aspiración histórica y con la comunidad mundial a la que pertenecemos.”[13]

La insistencia por remarcar la incursión de México en el ámbito internacional no es casual: En los distintos rubros del tercer informe de gobierno de Salinas de Gortari (1991) se percibe el interés por representar a México frente a los mexicanos como una nación que compite a la par de potencias como Estados Unidos, Japón o los futuros integrantes de la Unión Europea dentro de un marco cosmopolita. Esto sería el preámbulo de la firma del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN) que, aún con el espectro del nacionalismo cobijado por el presidente mexicano, era perceptible que no podía circunscribirse a su propia frontera: “La cultura crece en contacto con el mundo”[14], dice el presidente, mientras aclara que, en materia de arte, “mantendremos los apoyos para difundir los resultados de nuestra creatividad, alentar a nuestros artistas y promover su presencia en el exterior. Este ha sido el propósito de los programas de becas y de fondos para la promoción de la cultura. ”[15]

Aquí, el asunto se tornado complicado nuevamente, pues arte y cultura vuelven a tratarse como sinónimos, cuando la particularidad del arte es sólo una pequeña parte del enorme complejo que es la cultura. La cultura se define por cientos de fenómenos y circunstancias históricas que ocurren en un grupo social, pero, considero que ante todo, se define por una condición de praxis; es decir, de su condición vital adscrita a la comunicación entre individuos, no sólo a la muestra de exposiciones en recintos institucionalizados.

Si la diferencia es clara, ¿Por qué existe la tendencia a considerar arte y cultura, en la política, como términos gemelos? Pienso que Pau Rausell Köster, economista español, ha contestado a tal incógnita mejor que nadie al añadir el factor poder que parece implícito. En su libro, Políticas y sectores culturales en la Comunidad Valenciana: un ensayo sobre las tramas entre economía, cultura y poder, define puntualmente las relaciones entre la tríada Poder-Cultura-Arte:

“La relación entre poder y cultura es una relación entre poderes que tanto tiene que ver en la historia de la Humanidad: el poder del vencimiento de las armas o de las letras de cambio con/contra el poder de convencimiento de la imagen y las palabras. (…) Para morir por la patria, la causa, Cristo o Mahoma, que es la savia de los ejércitos que, a su vez, son expresión del poder de la fuerza, es necesario que generaciones de poetas, escritores, músicos y pintores, inventen y distribuyan con eficacia todo un discurso que persuada multitudes sobre el hecho de que vale la pena cambiar la propia existencia por palabras en mayúsculas.

(…)Los tratantes de mensajes, es decir, los creadores, disponen a través de sus habilidades de uno de los recursos más eficientes para activar el comportamiento de los seres humanos y por eso se han convertido en objeto de deseo de otros individuos poderosos que beben sólo de las fuentes de la fuerza y/o el dinero.”[16]

Las palabras de Rausell Köster, cultivadas en el contexto español, nos hablan a un nivel profundo, considerando que hay una fuerte reminiscencia entre la perspectiva nacionalista/global propuesta por Salinas de Gortari y la política artística –o cultural– del Porfiriato, que concebía las exposiciones en el extranjero no sólo como una forma de reivindicar la imagen de los mexicanos a nivel internacional, sino también como una oportunidad para “corregir los ‘errores de la opinión mundial sobre el clima, la política y la sociedad mexicanos”[17]. De vuelta a la década de los 90’, dicha estrategia no pasó inadvertida en otros países que, se podría decir, conformaron el Zeitgeist político-cultural: el auge del Cool Japan, todo ese imaginario Eye Candy[18] en el que todo era posible, nutrido por la tradición y tiempo de la producción gráfica y audiovisual contenida en el manga y anime –y el diseño en general–, asociado al artista japonés Takashi Murakami y el estilo Superflat, funcionó tanto como un concepto diplomático como una estrategia económica alentada por el Partido Liberal Democrático (PLD) del país nipón: una vez que reventó la burbuja económica de los 80’, Japón se enfrentó a un estancamiento económico sin precedentes. Incapaz de sostener las promesas de plenitud en todos los aspectos de la vida japonesa común, aunado al bajo desarrollo automotriz e informático que en otros tiempos caracterizó al país, lo único que podía otorgar de nueva cuenta su trono en el mercado internacional era posicionar su producción cultural –videojuegos y anime– como “principales industrias de exportación”[19]. El impulso a las industrias creativas y a la imagen nacional permeada por una estética kawaii se mantuvo hasta los últimos días del 2009, cuando el PLD perdió las elecciones[20]. La agenda política subsecuente centró sus esfuerzos en las industrias tecnológicas estancadas, con un escaso interés por alentar las artes que algunos años atrás jugaron un papel fundamental en la diplomacia nipona. Japón dejó de ser cool.

Caso similar es el que ocurrió en Reino Unido durante la misma época: los comicios para primer ministro del 97’ fueron significativos porque representaron una oportunidad para dar un cambio a las rancias políticas heredadas del tatcherismo, por lo que se precisó una imagen fresca, cool, de lo que podría llegar a ser Reino Unido. Compartiendo adjetivo con el movimiento cultural japonés anteriormente citado, Cool Britannia fue un término acuñado en 1996 por los medios de comunicación británicos e internacionales[21] para aglutinar una floreciente producción cultural que rondaba más allá de las artes derivadas de la tradición plástica: entre la música, la moda y la vida nocturna, se establecieron las pautas de una nueva forma de vida británica más jovial, respecto a los últimos años, que reconocía en sus imágenes tradicionales (los colores y la misma bandera Union Jack, la Guardia de Gales y los sonidos de la British Invasion de los años 60’) no un lastre, sino el punto de partida idóneo para construir una imagen nacional sólida que pudiera hacer frente a la homogeneidad cultural derivada de la globalización[22]. Oasis modeló un sonido reminiscente a la era dorada del rock británico: de cara al mundo, Noel Gallagher portaba la Union Jack en su Epiphone Casino –el mismo diseño que el del otrora símbolo inglés, John Lennon–; a la par, Geri Halliwell de las Spice Girls, se presenta en los BRIT Awards de 1997 con un atuendo conocido a partir de ese momento como el “Union Jack dress”. Dos fenómenos icónicos de una época donde exhibir enseñas nacionales y sentirse orgulloso del diseño de las cabinas telefónicas y el Big Ben Londres no era exagerado.

El planteamiento optimista del Cool Britannia, como en el caso del Cool Japan, no estuvo políticamente aislado: la cercanía que tuvo Tony Blair del Partido Laborista a las manifestaciones artístico-culturales, específicamente en la música, durante su campaña política en el 96’ sirvió para difundir su agenda política sin caer en los esquemas rígidos de las administraciones anteriores. Era necesario renovar la cara del gobierno en puerta.

Lo sucedido durante el periodo de tiempo asociado al Cool Japan y Cool Britannia son ejemplos que, indirectamente, refuerzan las palabras de Rausell Köster y nuestro planteamiento desarrollado sobre las perspectivas culturales del gobierno mexicano durante el sexenio salinista, sin embargo ¿fue exitoso el proyecto del FONCA, en términos de alentar la proyección internacional de los artistas? Para Sebastián Romo, beneficiario del programa de becas para intercambios en el extranjero, “la beca ayuda a elaborar una producción, y a veces gracias a esto puede ayudar a insertarse en otros sistemas de valores en el extranjero.”[23]

Y añade:

“No sé si es en términos de autoestima, pero la beca sí ayuda al menos a realizar trabajos más formales, y creo que sí regresan al país las inversiones, de otra manera, pues con el tiempo estos fenómenos como Gabriel Orozco y Teresa Margolles retribuyen a la imagen de México.[24]

Las palabras de Romo al respecto son muy curiosas, especialmente por la enorme concordancia con el proyecto de Salinas de Gortari en materia de cultura y sobre la conformación de la imagen de México, en el extranjero y a nivel nacional. Los casos de éxito a los que hace mención son claros: han dejado una huella indeleble en la historia del arte mexicano, especialmente por el aura cosmopolita que envuelve la figura de Orozco, el artista nómada que produce entre las ciudades más importantes del mundo en lo que al mercado del arte se refiere.

En este punto, considero pertinente señalar que hay material suficiente para decir lo que puede ser el arte mexicano en términos de política: en su historia, de un modo similar a lo que ocurrió en otros países como Japón o Reino Unido, las prácticas artísticas –independientemente de la disciplina– han funcionado como un dispositivo diplomático. La tradición de las primeras décadas del siglo XX –marcada por un aliento a la búsqueda de una raíz cultural prehispánica de la mano de artistas como Diego Rivera y Frida Kahlo– y, en décadas posteriores, la avidez de la política de Salinas de Gortari en los años 90’ por colocar a la producción cultural de México en distintos mercados y escenas, representa, como lo señalaba Pau Rausell Köster, una forma de persuadir a los gobernados y a los países vecinos de que lo que ocurre en determinada gestión política marcha bien. En el caso de la política cultural salinista, equiparable a la estrategia utilizada por Porfirio Díaz, el arte jugó un papel importante para construir una imagen nacional a la vanguardia, capaz de jugar el mismo juego que los países señalados como potencias a nivel económico e intelectual. Después de casi veinticinco años de esta postura política, es claro que las promesas del TLCAN estuvieron inflamadas de esperanzas sin argumentos. Aún sí las administraciones que sucedieron a Salinas de Gortari han mantenido en operación al FONCA, con ciertos recortes, y sus artistas beneficiados continúan cosechando éxitos en uno u otro campo, los bajos pronósticos respecto al crecimiento económico, al menos para el 2018, no son nada favorables y resulta complicado saber si México seguirá formando parte de la ‘comunidad mundial’, como lo decía el presidente, únicamente a través de la cultura y arte que han financiado. En algún momento, como una pintura se irá borrando la imagen del México próspero y cool.

III. Arte mexi©ano

Este apartado podría considerarse uno de los más cortos del presente texto, pues en lo que respecta al mercado de las artes, las obras no son nada más ni nada menos que una mercancía: artes derivadas de la tradición plástica; música, literatura, etc. son otro medio del cual se puede extraer una ganancia. No hay mucho más que decir. Aunque quizá sea necesario en este punto matizar los términos: cuando hablamos de mercado del arte, de inmediato nos puede venir únicamente la imagen de las galerías y las ferias de arte, tema del cual se han escrito una cantidad modesta pero significativa de textos, sin embargo el espectro nos pide un cierto grado de compromiso si pensamos en ese término tan incómodo que es la industria cultural y el controvertido concepto de propiedad intelectual.

Ahondando en la terminología propuesta, nos encontramos con un panorama más complejo, pues la discusión sobre la propiedad intelectual en México conlleva a revisar a detalle la precarización del trabajo relacionada con el arte y la cultura que deriva en una falta de reconocimiento social, alentado por la tradición más ortodoxa del marxismo, de estas actividades en las relaciones capitalistas de producción[25]. Acorde con el tratamiento realizado por otros autores [26], la infravaloración institucional de los resultados de la práctica artística, tan sólo en México, ha conducido a formas de organización al margen de los sistemas de financiamiento convencionales relacionados con el arte.

Sin embargo, es necesario preguntarse hasta qué punto dichas iniciativas operan fuera del cerco que han construido y entablan una discusión con otras perspectivas sobre el valor del arte y sus condiciones laborales intrínsecas. Lo menciono debido a que considero un ejercicio críptico la discusión de la propiedad intelectual dentro del mismo círculo del arte, lo cual podría llevar a una discusión tan añeja como la sentencia el arte por el arte. ¿Hoy en día sólo los agentes involucrados en el arte cuentan para definir el valor de la propiedad que generan? ¿Cómo se percibe fuera de su núcleo dicha práctica? Esto no conduce al sometimiento de las agendas artísticas y culturales individuales al capricho de un difuso y amorfo sector como el de “la sociedad mexicana”, sino a una amplitud del criterio que reafirme o niegue la urgencia por operar desde una posición independiente.

Centrando la dirección de este apartado, una consideración que nos ayuda a desenvolver las disertaciones respecto a la propiedad intelectual generada por el trabajo en el arte es la prevalencia de una forma de trabajo enfocada en la producción material. En México se ha reforzado hasta el cansancio la visión unilateral del trabajo como una actividad que genera mercancías objetuales, de dimensiones físicas y palpables –se trate de la maquilación de muebles, automóviles o la construcción de un centro comercial– como el verdadero camino hacia la modernidad y el progreso. En cada discurso político de campaña presidencial, la carta fuerte presentada es la “generación de fuentes de trabajo”, pero que no se trata de aquellas que han superado el esquema fordista, sino de las que siguen el modelo de trabajo basado en salario x hora[27].

Otro indicio que subraya la apatía institucional, en materia de propiedad intelectual, respecto a la práctica artística es el reconocimiento de su distancia respecto a la dinámica de mercado convencional. Por ejemplo, en el arte derivado de la tradición plástica, la gran mayoría de la producción intelectual generada, “al no encontrarse regulada estrictamente dentro de los parámetros industriales”, vuelve “irrelevante” la operatividad de términos como Ley de Propiedad Intelectual (LPI), como lo señala Gregory Sholette[28], situación muy diferente a la que ocurre en las industrias culturales tipificadas, como el cine o la música, cuya dinámica de producción sí se encuentra reconocida por algún órgano fiscal. Sholette menciona el funcionamiento de los artistas en esta dinámica como marcas registradas: responsabilidades que no recaen en un solo individuo sino en toda una célula de trabajo que no corresponde íntegramente a la realización plástica de las obras, sino a su movimiento burocrático. Dentro de sus meditaciones, cita nombres de peso para el arte contemporáneo a nivel global, como Damien Hirst, Marina Abramović o Ai Weiwei[29].

A pesar de que no se cuenten con ejemplos debidamente documentados para estos dos casos de industrias culturales en el contexto mexicano, no quiere decir que no se perciban las consecuencias en la configuración cultural de un país como México, en el que el acceso y difusión de materiales realizados bajo derechos autorales no está regulado, prevaleciendo así la difusión indiscriminada de material ‘protegido’.

El cuestionamiento sobre los resultados de los aparatos burocráticos en México que se han propuesto regular la difusión de la propiedad intelectual de los artistas y creadores apuntan a que dicha iniciativa aún se encuentra en un plano incipiente, por decirlo de una manera amable. Tal como analiza Eduardo Nivól Bolán en su ensayo Propiedad intelectual y Política cultural: Una perspectiva desde la situación Mexicana, “todavía no se reconoce claramente en México algún espacio que permita que la sociedad se vea beneficiada por la creatividad de sus artistas e intelectuales” [30]. Esta es una declaración certera para la política cultural que analizamos en el apartado anterior, de la mano de gobierno salinista y el FONCA.

La mayoría de los casos se enfocan –por ejemplo– en el conflicto de Lars Ulrich de Metallica contra Napster; las cuantiosas demandas de las disqueras contra civiles que usaron una canción accidentalmente en el video de una fiesta, entre otros. Pero esos ejemplos difícilmente operan en el contexto mexicano, y es aún más complicado en lo que refiere al arte, mas no imposible.

Después de años de mantener esta estructura laboral modernista, y apoyando en lo dicho por otros estudiosos, no es sorpresivo que el valor resultante de la práctica artística inmaterial y de otros agentes relacionados a ella sea aminorado por no tener una función inmediata en la vida diaria.

Esto ha sucedido, en parte, por una progresiva disolución de la figura autoral en el arte y la desmitificación de la práctica artística como un proceso de creación desde la nada: el reconocimiento de las influencias formales, de una tradición y de teorías de las que las obras resultantes se pueden valer para definirse conceptual e históricamente[31], lo que conduce a un distanciamiento de las figuras productivas relacionadas al arte que tenían como fin último la construcción de objetos.

Podemos convenir en que la propiedad intelectual refiere a cuestiones que exceden el campo de las artes, sin embargo, esto no quiere decir que lo que ocurre en otros contextos no pueda brindarnos una pista de cómo se podría recibir socialmente la propiedad intelectual generada desde las artes, tal como ocurrió con la investigación del equipo de Aristegui noticias en relación al plagio del proyecto de titulación del actual presidente de México.[32] A diferencia de lo ocurrido en el año 2012 con el ex-presidente de Hungría Pál Schmitt[33], donde el escándalo por el plagio lo orilló a anunciar su dimisión, lo ocurrido en nuestro país no llegó a mayores consecuencias, salvo en el ‘reconocimiento’ de ‘errores metodológicos’ o de estilo.

Más que la situación del plagio per se, lo que develó la controversia es el desinterés por la producción inmaterial –creativa o intelectual-. Y no es extraña considerando la cantidad de productos piratas que se venden en las calles de la Ciudad de México, por ejemplo, las licencias crackeadas de software privativo; la música o películas adquiridas vía MEGA o alojadas en sitios como YouTube, etc. Sin ánimos de generalizar paranoicamente, nos encontramos rodeados y tan habituados al consumo ilegal de propiedad intelectual –sin que la situación pueda pasar a mayores represalias– que la noticia sobre un plagio en un trabajo de investigación resulta un caso risible.

Lo inofensivo de este contexto dista de ser un paraíso para una cultura recombinante, como la que se ha desarrollado colaborativamente por medio de internet o en los espacios artísticos: la negación de las fuentes, de influencias directas o indirectas, la búsqueda por la originalidad por encima del reconocimiento de la tradición y el tratamiento de un problema por parte de otras personas a lo largo del tiempo es lo que, como menciona Sísifo Pedroza- integrante del colectivo de música libre Armstrong liberado- “en vez de contribuir a una cultura de circulación libre, son medidas de expropiación cultural que paralizan el flujo informativo.”[34]

De la mano de lo ocurrido en el 2016, viene una consideración crítica más allá de la nación, retomando el Acuerdo de Asociación Trans- Pacífico (TPP), iniciativa de la cual forma parte México y que, entre sus múltiples y extensas acepciones, la que más se viene a construir el discurso de este apartado es su consideración de la propiedad intelectual.

El resumen ejecutivo del Acuerdo de Asociación Trans- Pacífico (2015) es muy puntual al enunciar:

Sobre los derechos de autor, el capítulo de propiedad intelectual establece compromisos que requieren la protección de las obras, interpretaciones, y fonogramas tales como canciones, películas, libros y programas computacionales, e incluye disposiciones eficaces y equilibradas sobre medidas tecnológicas de protección e información sobre gestión de derechos. (…) En particular, las Partes del TPP proveerán de medios legales para prevenir la apropiación ilegal de secretos comerciales, y establecer procedimientos y sanciones penales para el robo de secretos, inclusive por medio de robo cibernético y para la videograbación en salas de cine[35].

Esto suena a una gran oportunidad para la resolución de varios problemas relacionado con la propiedad intelectual, sin embargo, en nuestro país, con dichos antecedentes ¿Qué tan plausible es, cuando el comercio informal y la piratería son algo relativamente cotidiano?

Para concluir esta sección, me gustaría subrayar la cantidad de problemáticas mercantiles que posibilitan la valoración del arte en general en tanto un producto reproductible en el sentido de la distribución ilegal de sus copias y cómo esto impacta su consumo en la sociedad mexicana. Sé que la cuestión excede territorios y épocas, lo cual hasta cierto punto diluye su relevancia y lo vuelve un problema común, pero la circunstancia económico-histórica que envuelve a las artes mexicanas las coloca en una posición particular, ya que, en un país donde los productos de la canasta básica encarecen derivado de una dependencia –casi– total de mercados extranjeros, ¿la producción artístico-cultural ha sido relegada fuera del consumo de cada familia mexicana? ¿Qué pasa con las producciones nacionales? ¿Son acogidas y defendidas por la población, o bien, son eclipsadas por los productos de casas productoras estadounidenses, por ejemplo? El consumo de cine, música, imágenes, etc. no se detiene; únicamente se obtiene de otros modos que van en contra de la ley y que, sin embargo, no parecen ser un crimen de peso el cual perseguir. De otro modo, lugares como Tepito –en la Ciudad de México– no gozarían de la fama que cargan. Mi postura no es un alegato total a favor de las leyes de propiedad intelectual, pero es curioso que México, como nación en alianza con gobiernos que condenan abruptamente las violaciones a las leyes de propiedad intelectual, permita de una manera tan cotidiana estas irrupciones, al grado de que las copias son parte del paisaje urbano o la imagen del hogar. En el fondo, parece que es más redituable olvidar unas leyes a favor del consumo de ciertas producciones simbólicas, que es lo que al final del día se difunde, independientemente de que la copia haya sido adquirida de una manera legítima o no, asegurando algo más que la adquisición del álbum o la película en sí: la ideología a expandir.

Epílogo. Del arte académico al arte en las academias

Si hablamos de lo que el arte significa para el entorno académico de México, probablemente venga a nuestra mente sin mucho esfuerzo el caso de la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España –fundada en 1781–, hoy conocida como Academia de San Carlos, un bello recinto ubicado en el centro de la Ciudad de México. Caminar rumbo a ella, reconocer su fachada entre la multitud de vendedores ambulantes y transeúntes es una experiencia que detona la imaginación de sobria manera si recordamos algunos aspectos de su historia: una anécdota, contada por los maestros con sólidas raíces en los planteles de la licenciatura en artes visuales de la UNAM, narra que los exámenes profesionales consistían en realizar reproducciones a punta de plata, sanguina u otro material para dibujo, de alguna obra perteneciente al acervo de la academia. Las sesiones para acreditar los conocimientos de los estudiantes eran exhaustivas: no sólo eran pruebas de habilidad, sino de rendimiento físico y mental, pues pasar varias horas en una sola posición, esforzando la vista y el propio cuerpo, distaba de ser divertido.

Las razones detrás de esta y otras pruebas no eran casuales, ya que precisaban una habilidad técnica excepcional, pero no para crear nuevas obras, sino para replicar los esquemas “clásicos”. La colonización de la Nueva España no se podía limitar a las cuestiones geográficas y políticas, implicaba condiciones culturales, por lo que no es extraño saber que “el objetivo primordial al fundar la Academia de San Carlos era educar y capacitar a los llamados “naturales”, es decir, los indígenas de la Nueva España. Para ello se invitó a artistas españoles relevantes como Manuel Tolsá para que formaran parte del grupo de profesores que impartieron cátedra, tomando en cuenta los modelos franceses, ingleses y españoles como principal influencia.”[36]

La Academia como proyecto fue un parteaguas no sólo por el hecho de ser la primera escuela de artes de América: en lo que refiere a la formación en oficios y profesiones para la época, mientras distintos espacios académicos eran cerrados para la población indígena, aquí encontraban cabida; además de ello, representó un duro golpe al sistema de castas colonial[37] debido a que la matrícula estaba abierta tanto a “naturales” como a jóvenes estudiantes de familias acomodadas, nacionales o de otras partes del mundo[38], que buscaban pulir su técnica en alguna de las bellas artes y sus cánones europeos, lo que devino en un sistema casi equitativo de convivencia profesional. Podría parecer un maravilloso panorama para la perspectiva ilustrada del arte, si mantenemos esa segura distancia histórica.

Desde 1910, la Academia de San Carlos fue incorporada a la UNAM; los programas de estudio en arquitectura y artes visuales se han expandido a distintas entidades; existen posgrados en arte y diseño en nuevos planteles; paulatinamente, ha germinado el brote de la investigación, las colaboraciones interdisciplinarias, los coloquios, encuentros, etc. El sistema de titulación –si es que así se podía llamar al antiguo sistema de reproducción de obras – actualmente incluye pero no se limita a la redacción de una tesis: si alguien eligiera reproducir un dibujo como en la vieja escuela, tendría que darle un marco teórico respaldado por bibliografía selecta. Las reglas del juego han cambiado porque la mesa de juegos es otra. Hoy en día se precisa otra imagen de lo que pueden ser las artes; sus perspectivas laborales son distintas, su mercado y desempeño social se pone en crisis, por la misma condición crítica de su sociedad. El paisaje de productos made in China que envuelve a San Carlos lo demuestra.

El arte en los primeros años de la Academia tenía un fin claro: aglutinar y formar –en el sentido más cuadrado de la palabra– una producción artística que respondiera al canon occidental de lo que se considera(ba) bello, a la vez que mantenía el control iconográfico del arte novohispano al no dejarle espacio a los elementos prehispánicos o endémicos del continente en pro de una perspectiva clásica. Pero hoy en día ¿Qué es el arte para las academias de arte? Nos adentramos a una nueva bifurcación, ya que, a la par del perfil cientificista de la investigación que persiguen algunos núcleos en el ámbito artístico, prevalece la condición técnica y la avidez por la factura de productos artísticos de cierto corte clásico. Para la UNAM como proyecto ¿qué papel desempeña un programa de licenciatura y posgrado en artes? Sé que existe el caso de las carreras creadas por el INBA, sin embargo, por el peso, historia e influencia que tiene la Academia de San Carlos en el posible entendimiento del arte mexicano contemporáneo, me he concentrado tanto en ella: formar parte de una institución universitaria pública y contar con un programa de investigación en artes despierta bastantes preguntas por el simple hecho de que el arte como campo de conocimiento no tiene bases claras y sus agentes en el campo del mercado y la política los utilizan a manera de comodín, con una definición prescindible. ¿Qué investiga un posgrado en artes que no puede definir su mismo campo disciplinario? No escribo esto como un reclamo visceral, más bien, esgrimo mi duda con toda la curiosidad posible.

No hecho en saco roto lo dicho acerca de la vacuidad de la definición del arte que estudiamos al inicio con Nāgārjuna, pero genera incertidumbre pensar si el sistema escolarizado contemporáneo del arte se pregunta por sus relaciones con otros medios y, por ende, su papel como disciplina en este momento histórico. ¿De verdad en la academia, ese ente omnisapiente, se gestan todas las respuestas? ¿Acaso no hay preguntas que, desde el inicio, ni siquiera tienen respuestas?

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Notas

[1] Entendiendo por arte, en este párrafo en particular, a todas las manifestaciones conocidas y por venir, así como la estructura mediática, comercial e institucional que posibilita su difusión en ciertos lugares.

[2]“No existe ninguna cosa que no dependa de las demás, por tanto no exista nada que no sea vacío”. Mulamadhyamakarikah: 24.19.Citado y traducido por Juan Arnau Navarro en La palabra frente al vacío. Filosofía de Nāgārjuna – Fondo de Cultura Económica; Primera edición, 2005, primera reimpresión, 2013. Impreso en México. Colección Filosofía. Pág. 121

[3] A través de un estudio riguroso del concepto de vacuidad en la filosofía de Nāgārjuna, Juan Arnau define dicho término en La palabra frente al vacío (2005) como una representación –o forma–generada desde la capacidad mental del ser humano y la tecnología de la escritura, que si bien nos ayuda, en principio, a reconocer la apariencia y dependencia de todas las cosas en el mundo circundante, no dejar de ser una interpretación más con la que nos aproximamos al camino de la ‘vía media’. Esto suena paradójico en una primera lectura, pero en la exposición de Arnau se define de una manera bastante clara que por el momento no me compete abordar.

[4] “En el ideal del bodhisattva el mundo está por hacer, en esa construcción participan, entre otros materiales, la mente, el deseo, la imaginación, la atención, la conciencia y la forma de percibir las cosas.” Juan Arnau (2005) La palabra frente al vacío. Filosofía de Nāgārjuna ibid. Pág. 223

[5] Me atrevería a decir que esto no es algo exclusivo del campo de las artes: aún si las ciencias cuentan con un método científico, algunos de sus hallazgos han tenido que pasar la prueba del tiempo para ser validadas o desechadas. ¿Cuántas personas nacieron, vivieron y murieron creyendo que la tierra era el centro del universo, o pensando que la gravedad era sencillamente la fuerza de atracción instantánea entre cuerpos celestes y no una posible deformación en el espacio/tiempo, como planteó Einstein? Ideas así que hoy nos pueden parecer obvias, han definido la percepción de toda una vida, algo que no es poco.

[6] ¿Cómo construyó Frida Kahlo su propio mito a fuerza de inteligencia, impostura y creatividad? – publicado en Sin Embargo, 9 de diciembre del 2017. Disponible en: http://www.sinembargo.mx/09-12-2017/3361197

[7] Elsa Cecilia Frost (1972) Las categorías de la cultura mexicana – Fondo de Cultura Económica, México; 4ª edición, 2009. Pág. 272.

[8] Elsa Cecilia Frost. Ibid. Pág. 271

[9] Arte que cautivó a México y el mundo – publicado en El Informador, 27 de diciembre del 2017. Disponible en:

https://www.informador.mx/Arte-que-cautivo-a-Mexico-y-el-mundo-l201712260003.html

[10] Secretaría de Cultura. ¿Qué es el FONCA? Disponible en: http://fonca.cultura.gob.mx/inicio/que-es-el-fonca/

[11] Secretaría de Cultura. ¿Qué es el FONCA? Ibid.

[12] Categoría estudiada por Zygmunt Bauman en La cultura como praxis (Culture as Praxis) SAGE Publications, Londres, 1999. Editado en español por Paidós Ibérica, Barcelona, España y traducido por Albert Roca Álvarez, 2002.

[13] Carlos Salinas de Gortari, III Informe de Gobierno del Presidente Constitucional de los Estados Unidos Mexicanos Carlos Salinas de Gortari 1° de noviembre de 1991 – Fuente: Diario de los Debates de la Cámara de Diputados del Congreso de los Estados Unidos Mexicanos. Año I.- periodo ordinario LV Legislatura.- Núm. 2 viernes 1° de noviembre de 1991. Consultado en Carlos Salinas de Gortari, informes de gobierno, documento electrónico, Servicio de Investigación y Análisis, H. Congreso de la Unión. Disponible en: http://www.diputados.gob.mx/sedia/sia/re/RE-ISS-09-06-17.pdf Págs. 155-156

[14] Carlos Salinas de Gortari, III Informe de Gobierno del Presidente Constitucional de los Estados Unidos Mexicanos Carlos Salinas de Gortari 1° de noviembre de 1991. Op.Cit. Pág. 175

[15] Carlos Salinas de Gortari. ibid.

[16] Pau Rausell Köster (1999) Políticas y sectores culturales en la Comunidad Valenciana: un ensayo sobre las tramas entre economía, cultura y poder – Universitat de València, 1999. Pág. 43-44

[17] ”Mientras el gobierno de Díaz concebía las exposiciones como oportunidades de mejorar la imagen de los mexicanos, servían también para corregir los ‘errores’ de la opinión mundial sobre el clima, la política y la sociedad mexicanos.’’ Robin Greeley, Adéle, Artistas mexicanos en Europa durante el porfiriato y la revolución en Hacia otra historia del arte en México.Tomo II coordinado por  Acevedo, Esther y Stacie G. Widdifield CONACULTA/CURARE, A.C., 2004), pág. 302.

[18] “Algo que es puramente agradable, en términos estéticos. Agradable a los sentidos.” Trad. Basada en la definición brindada por el Urban Dictionary. Disponible en: https://www.urbandictionary.com/define.php?term=eye%20candy

[19] “What they talked about [the Liberal Democratic Party (LDP)], as the economy remained stagnant and Japan’s influence in the world declined, was culture: how to rebrand and repackage Japan’s international image. And so they put manga and anime on official brochures. Video games and toy character stars replaced cars and computers as the image of Japan’s principle export industries.” Adrian Favell (2011) Before and After Superflat: A Short History of the Japanese Contemporary Art 1990-2011 – Blue Kingfisher Limited, Hong Kong. Impreso en China. Pág.41

[20] “In the early 1990s, the magazine industry went into its most intense period of expansion and success, sucking in talent and creativity out of the conventional corporate economy. (…) There was a boom in graphic design, in toy design, in music, in fashion, in literature, in independent publishing, in freelance journalism, in film making, in manga, in anime, in video game design – and in contemporary art. All of the eventual protagonists of Cool Japan emerged during the period that gets going in the early 1990s. The economic boom led to a cultural boom, driven by a generation who grew up in the bubble (…)” Adrian Favell (2011) Before and After Superflat. Ibid. Pág.83

[21] Stryker McGuire, This time I’ve come to bury Cool Britannia – The Guardian. 29, Marzo 2009. Disponible en: https://www.theguardian.com/politics/2009/mar/29/cool-britannia-g20-blair-brown

[22] Aunado al desprecio de las relaciones diplomáticas con Estados Unidos durante la administración pasada, que trajeron consigo privatizaciones en distintos sectores, y una notoria influencia cultural proveniente del país norteamericano, el nuevo Reino Unido apostó por un enaltecimiento de sus raíces y un nacionalismo que erradicara lo estadounidense de su territorio, de tal suerte que la bandera y los objetos típicamente ingleses formaron parte de la vida diaria en los 90’: las cabinas telefónicas, los perros pitbull, etc.” Manuel Guerrero, Live Forever: The Rise And Fall Of Brit Pop. ¿Hay una escucha inocente? – Armstrong Liberado, mayo, 2017. Disponible en: https://armstrongliberado.wordpress.com/2017/05/11/live-forever-the-rise-and-fall-of-brit-pop-hay-una-escucha-inocente/

[23] Sonia Ávila, Jóvenes Creadores, sus primeros años cuando eran becarios –Excélsior, 03, junio de 2014. Disponible en: http://www.excelsior.com.mx/expresiones/2014/06/03/962946#imagen-2

[24] Sonia Ávila, Jóvenes Creadores, sus primeros años cuando eran becarios. ibid.

[25] “El veredicto, más o menos explícito, de la improductividad del trabajo no material ha conducido siempre a los marxistas a dejar de lado la cuestión de los trabajadores intelectuales. Los «artistas ejecutantes, oradores, enseñantes, médicos y sacerdotes» no participan explícitamente de las relaciones capitalistas de producción.” Blondeau, Olivier, Génesis y subversión del capitalismo informacional en Capitalismo cognitivo, propiedad intelectual y creación colectiva (2004) Olivier Blondeau, Nick Dyer Whiteford, Carlo Vercellone, Ariel Kyrou, Antonella Corsani, Enzo Rullani, Yann Moulier Boutang y Maurizio Lazzarato tr: Emmanuel Rodríguez López (cap. 1, 2, 3 y 5) Beñat Baltza (cap. 4 y 5, y anex. 1, 2, y 3) Antonio García Pérez-Cejuela (cap 4) 1ª edición, editorial Traficantes de Sueños C\Hortaleza 19, 1º drcha. 28004 Madrid. Tlf: 915320928 pág: 32

[26] Entonces sí es posible hablar de propiedad creativa en México, ¿quién puede ostentar dicho término? Yo creo que deberían de ser en primer lugar los mismos artistas, que tengan claro que no es necesario producir más empleados para una sociedad con aspiraciones exclusivamente hacia el capital, sino instituciones que generen experiencias significativas y equitativas tanto para productores e inversores, como consumidores del arte y la cultura.” Gómez Arias, Alejandro en Financiamiento y propiedad creativa en el arte contemporáneo mexicano, mmmmetafile, noviembre 17, 2016 http://www.mmmmetafile.net/uncategorized/financiamiento-y-propiedad-creativa-en-el-arte-contemporaneo-mexicano-por-alejandro-gomez-arias/

[27] Este tema lo he tratado con más profundidad en mi ensayo Nowhere men: Una revisión a Capitalismo Cognitivo y La sociedad de consumo en el capítulo 2: La condición laboral del arte. Pueden consultarlo en el siguiente link: https://drive.google.com/file/d/0ByBEuGGKwLfMRngxTGNWZGxoWkk/view

[28] “Gregory Sholette señala en un texto imprescindible, Dark Matter. Art and Politics in The Age of Enterprise Culture (2011), que la inmensa mayoría de los artistas y las instituciones vinculadas al arte actual no opera bajo los criterios del mercado ni es productiva para éste. Por tanto, la LPI le es irrelevante.  Esta irrelevancia es evidente de igual manera para el arte contemporáneo mexicano, principalmente porque no es un sector profesionalizado bajo la perspectiva de las “industrias culturales”.” López Cuenca, Alberto Opinión: ¿A quién beneficia la Ley de Propiedad Intelectual en el arte? En Revista Código, abril, 01, 2014 en http://www.revistacodigo.com/opinion-a-quien-beneficia-la-ley-de-propiedad-intelectual-en-el-arte/

[29] ibid.

[30] “¿Se encuentra en México algún espacio que permita que la sociedad se vea beneficiada por la creatividad de sus artistas e intelectuales? Por lo pronto no parece claro.” Eduardo Nivón Bolán, Propiedad intelectualy Política cultural: Una perspectiva desde la situación mexicana en Propiedad intellectual, nuevas tecnologías y libre acceso a la cultura, coordinado por Alberto López Cuenca y Eduardo Ramírez Pedrajo, Centro Cultural de España en México y Universidad de las Américas Puebla, Primera edición 2008, México, pág. 51

[31] Lo cual, en el más trágico de los casos, sólo ha representado una oportunidad para repetir esquemas y asegurar fórmulas.

[32] Investigaciones especiales, Peña Nieto, de plagiador a presidente, en Aristegui Noticias, agosto 21, 2016

http://aristeguinoticias.com/2108/mexico/pena-nieto-de-plagiador-a-presidente/

[33] Univisión, Renunció presidente de Hungría por plagiar tesis de doctorado, en Univision.com, abril 03, 2012

http://www.univision.com/noticias/noticias-del-mundo/renuncio-presidente-de-hungria-por-plagiar-tesis-de-doctorado

[34] Pedroza, Sísifo, El Plagio Tópico en Armstrong Liberado, septiembre 3, 2016 https://armstrongliberado.wordpress.com/2016/09/03/el-plagio-topico/

[35] Secretaría de Economía, México, Acuerdo de Asociación Trans- Pacífico, pág. 10

http://www.sice.oas.org/TPD/TPP/Negotiations/Summary_TPP_October_2015_s.pdf

[36] Presidencia de la República. La Academia de San Carlos. La primera escuela de arte del continente americano. 04 de nov. Del 2010. Disponible en: http://calderon.presidencia.gob.mx/2010/11/la-academia-de-san-carlos-la-primera-escuela-de-arte-del-continente-americano/

[37] “El acta de fundación también requería que la academia reclutara estudiantes de todas las razas y clases sociales, afectando el sistema de castas del período colonial. Carlos III personalmente le dio a cada estudiante indígena un título de nobleza, en los primeros años de la academia, para garantizar que nadie pudiera cuestionar la participación de estudiantes indígenas.” Steven Carr, La Academia de San Carlos de México: Cómo una escuela de arte ayudó a construir una nación – The Schiller Institute, Octubre de 2013.

Disponible en: http://www.schillerinstitute.org/spanish/art/academy_of_san_carlos.html

[38] “Al ser la primera escuela de arte fundada en el continente americano durante varios años, tuvo gran afluencia de jóvenes provenientes de otros países que llegaron a conformar una plantilla de estudiantes de alrededor de 400 alumnos”. Ibid.

 

NOTAS CURSIS PARA LOS AMIGOS

La necesidad de hablar, de sentirse acompañado, de ser escuchado, se desborda cuando es contenida. Todos a su manera relataron sus vivencias y lo digo así porque somos sobrevivientes.

El abrazo del reencuentro, el cariño expresado con y sin palabras, la alegría de sentir el palpitar de los corazones de las personas que han llenado momentos de una vida.

Hay mucho dolor e impotencia, aun así, puedo ver en los rostros de estas personas a seres humanos que dirigiendo el tráfico, ayudando con el dilema de la estratificación social, que con un pico, una pala o simplemente cargando botes con cascajo, olvidaban el dolor y el cansancio para continuar. Veo a personas quienes proporcionaron su casa para otro amigo, que llevaron camas para los perros rescatistas y disponiendo su tiempo y sus medios para apoyar en lo necesario, veo a quien habló y proporcionó consuelo a otros en espera de las noticias más terribles que un ser humano puede tener como lo es la muerte de un ser querido.

AL

En ellos puedo ver esperanza, optimismo y fuerza. Cada uno es fuente de inspiración y es una reafirmación de lo admirable que son cada uno de ellos y de la nobleza de su corazón.

Agradezco cada momento que la vida nos ofrece para compartir en comunidad, y les dedico este pequeño audio.

Gracias Armstrong Liberado.

 

¿A quién echamos la culpa? ¿Gobierno con Leyes o Líderes que nos guíen?

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Ustedes dos, Rompan la tensión y Besense por Heráclita Efesa

El Medio Seductor

En el país Argentino nuestro presidente actual Mauricio Macri está haciendo de la suyas, un gobierno de promesas donde en sus campañas proyectaba el modelo esperanzador de mejora y “ de cambiemos” tuvo la ventaja en una Argentina que estaba cayéndose a pedazos de apariencias y artificios. Su prerrogativa se debe a que un periodista renombrado de aquí llamado Jorge Lanata se mofaba en uno de sus programas que daba muy tarde a la noche con las investigaciones que él y su equipo de trabajo le hizo a la ex mandataria, entre ellos los incidentes revelados de corrupción, el lavado de dinero, y la conspiración por el encubrimiento de los protagonistas principales en el suceso de la AMIA  y  para rebalsar la gota de agua de nuestra paciencia el asesinato a un fiscal cuando éste iba a declarar contra la ex presidenta por este último evento. Entonces se produjo un efecto colateral, rápidamente los medios se encargaron de confirmar y difundir la información. En aquel tiempo se produjo el cólera en el lugar, exhibiendo a toda una Argentina sublevada en las calles por reclamo de justicia social. En ese instante histórico queríamos un sustitución inmediata, enfurecidos votamos por el modelo contrario del que ya estábamos expuestos, nuestro “salvador” fue Mauricio Macri. Éste interlocutor déspota por el intereses del trabajador, nos convenció  con una política que ostentaba el orden, la organización y el blanqueo total de la corrupción en una Argentina con los bolsillos vacios. Personaje últimamente odiado y considerado un individuo que dicta en el pueblo según su base burguesa y con una corriente de derecha extrema, ha traído desosiego ante su urbe. Esto propagó una grieta entre ricos (la élite que apoya las medidas establecidas y se enriquecen) vs pobres (que quieren el estándar anterior del facilismo y la del efecto santa Claus donde todo se regala sin esfuerzo más que para la obediencia de los criterios “Perón”).

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Florencia Kirchner por Heráclita Efesa

Aun así cuando se están proyectando en mayor o menor medida pequeños cambalaches en el País, los impacientes y la ciudad entera poseen el efecto de ceguedad, ya que cada vez más lamentan a ver optado por la opción de derecho al sufragio en democracia  por las promesas que nuestro nuevo presidente nos formuló. Pero como ir al encuentro de señal en   forma tan inmediata cuando el país fue sometido durante 12 años a la corruptela, al desvió de fondos, y a las innumerables excusas de materiales de adquisición injustificable por parte de todo aquel que estuvo cerca del dominio del régimen anterior. Para darle un ejemplo concreto y de un suceso que compromete a la descendiente femenina de la familia Kirchner, Florencia Kirchner quien apenas va en sus 27 años de edad sin un cargo en la función pública ni un trabajo registrado más que una empresa familiar, conserva una fortuna acumulada de 5,5 millones de dólares en el banco. Su madre arremete contra el gobierno de Macri manifestando que la puja en la lucha de boxeo que desempeñan ambos partidos, no es justa si implican a sus hijos en el intermedio. Paralelamente los medios televisivos se benefician y aprovechan este escenario con el objetivo de fraguar con entretenimiento a los ciudadanos Argentinos. Con una causa en sus narices y con custodia diaria de nada menos que de 24 efectivos policiales, Florencia aún espera juicio y sentencia.

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Máximo Kirchner por Heráclita Efesa

Por otra parte, su hermano Máximo diputado Nacional Camporista no posee ninguna causa y tampoco se lo citado por algún hecho ilegítimo,  aunque si se lo ha visto relacionado con acontecimientos en su vida personal, entre ellos escándalos con su pareja y por ser consumidor nato de cocaína suministrado por el elevado dinero que gana por su contrato en el gobierno. Este sujeto es el foco de los medios que lo exhiben como broma constante cada vez que aparece con su discurso en las campañas que realiza junto a su progenitora. Su logo “nosotros los trabajadores”  es el chiste que nunca termina y no se lo toma en serio más que para el diversión de la familias Argentinas.

 

Los medios televisivos y radiales tampoco dejan en paz y tientan contra una ex mandataria juzgada como “mala perdedora” el discernimiento de dicho título se debe a la razón por la que no asistió a la ceremonia de traspaso de mando y tampoco participo de la jura en el congreso nacional, resentida por la victoria del modelo Macrista se abalanza contra el actual presidente cada vez que tiene una oportunidad. La última ocurrencia que efectúo esta mujer fue inoportuno por la tensión que llevan a cabo los docentes y el gobierno. Para liberar algo de la intolerancia que llevan ambas autoridades se convocó a un dialogo en la que la gerencia daría el aumento a los educadores que se merecen si se comprometen en concebir una educación de calidad. Entonces se generó con ello el alivio tan esperado. Sin embargo luego de unos días en la secuencia de una solución la ex mandataria apareció abrazada  junto al líder gremialista que defiende a la educación en una foto pública. Sin un convenio todavía definido, esta contexto origino un motín para el bloque Macrista quienes lo tomaron como provocación, enfurecidos acusaron a la actuación “de carácter político” y con un total desintereses por el progreso educativo de los chicos y  consecuencia estimuló nuevamente a un quiebre. Aun así, el descontento forjado entre ambos partidos, sitúo un fraccionamiento del poblado. Los docentes  influenciados por la ex representante incitaron  otra vez una puja de rigor manifestándose con paros de fechas indeterminadas sin respiro para el pueblo Argentino más que la desesperanza.

Un poco de Historia y sustento teórico

Desde épocas remotas, en el mundo cuando apenas se estaba cristalizando en una civilización, los humanos practicaban el nomadismo, es decir que no tenían un lugar preestablecido donde permanecer por lo estaban en continuo movimiento. Se organizaban en pequeñas comunidades en el que tenía un líder que guiaba a la manada, pero no se regían de leyes que constituyeran un poder el uno sobre el otro, de hecho ni siquiera existía esa modalidad.

Estado de naturaleza: Indica, en las teorías políticas, de los s XVII y XVIII, la condición de los hombres antes de estipular cualquier contrato social; en ella, los individuos vivían aislados uno de otros y sin ninguna organización estatal. Se trata obviamente, de una condición hipotética y no de una fase histórica precisa, ya que un semejante aislamiento de los individuos pondría en crisis la misma continuidad de la especie. Según Hobbes, tal estado de naturaleza estaría ominado por la guerra de todos contra todos; según Locke, en cambio, estaría regulado por el principio de reciprocidad, por el que se evitaría la violencia para recibir violencia.

Este aspecto con el tiempo se modifico, para luego implementar entre ellos un asentamiento que los ayudaría a convivir y organizarse mejor. Transcurriendo los años ese tipo de clasificación planteaba que las decisiones en una población por parte de uno, sería beneficiosa para todos. Entonces forjaron que quien goberné al resto debe ser elegido por el poder divino, único capaz de fundamentar su deliberación. Esta preferencia determino a posteriori a que el sujeto una vez convertido en soberano abuse del poder condescendido en su favor con  leyes solamente amparables para él y el de su casta, este suceso se consolido con las primeras culturas, se fortaleció aun más en la época medieval, y culmino en su evolución hasta el presente.

Lucha de clases

La historia de todas las naciones que han existido hasta la modernidad, tiene como  fábula trascendental la lucha de clases. Libre y esclavo, patricio y plebeyo, barón y siervo de la gleba, miembro de la corporación y aprendiz, en una palabra, opresor y oprimido, se han encontrado siempre, el uno enfrentado al otro; han librado ininterrumpidamente de forma abierta o encubierta, un altercado que en ocasiones concluyo con una transformación turbulenta con la habitual ruina fraccionaria de clases.

Este tipo de nociones se ha visto propagado durante toda una era, es habitual que el dirigente  que fue elegido por el pueblo, se lo haya percibido incalculables veces como el antagonista de la película, individuo que no cumple con las promesas expuestas para merced de una estado, el problema es que ante un conflicto o una mala decisión del mandatario doblega la apuesta de las movilizaciones donde en esa demanda se pide una mejora. Y es ahí cuando los grupos con líderes representativos de cada marcha juegan un papel importante ya que deben tutelar a su agrupación para combatir con esa oferta vanguardista y rebelde. Se ha distinguido también que el modo con la que operan es bastante extremista que en ocasiones provocan el descontento del poblado en sí. Originando un desajuste y una falta de apoyo por parte de éstos. En resonancia se produce una brecha entonces con los que piensan que tienen juicio de razón, contra los que no la tienen o los que simplemente quieren que las cosas queden estáticas como se perfilan.

Viejos Paradigmas y su recorrido actual

Ante todo el paradigma es un prototipo de resolución sobre un determinado tema, su percepción por los especialistas que se han dedicado a este tipo de conocimiento fue muy fecundada e innovadora durante cierto periodo como modelo para investigaciones posteriores.

El paradigma que presenta en la coyuntura de nuestra realidad con respecto a los secuelas sobre la riña por el dominio ha sido el proceso de diversas contingencias que hoy en día se ha tomado como modelo de comparación. Para hablar de un ejemplo más preciso mencionare al muro de Berlín, denominado muro de protección antifascista que exponía un requiebre de la tolerancia ideológica en un mismo país. Separación que nos lleva a un centenar de muertos, y nos recuerda que a pesar de que somos parte de una misma sociedad no poseemos el mismo dogma y hasta somos influenciados o dominados por el mismo Estado para que se acaten las reglas según su conveniencia doctrinaria. ¿Pero entonces es congruente que la autoridad nacional estimule o dicte según su filosofía política? O ¿Qué se encargue de manipular a una comunidad en la que no todos están de acuerdo? Que rol asumirían entonces los optimistas que buscan generar una chance ante esta situación?

El contrato social volvió a estar en la época moderna como consecuencia de la caída de las teorías medievales relativas al fundamento divino del poder político. La noción del contrato social surge de la doctrina filosófico-jurídica que individualiza el origen de la sociedad civil y del estado en una convención, un contrato estipulado entre sus miembros. Esta perspectiva ya fue defendida en la antigüedad por los sofistas y Epicuro, en contraposición al naturalismo político de Aristóteles, según el cual no cabe suponer ningún pacto social originario porque la sociedad y Estado son realidades naturales y necesarias, independientes de la voluntad de los individuos y siempre presentes en toda comunidad humana o animal. Según Hobbes: la inevitable condición del hombre en el estado de naturaleza es aquella en la que el individuo, no vinculado por la ley ni por un poder supremo, se vuelve lobo para los otros. Según los principios del absolutismo, solo se puede salir de tal situación (en la que seguridad personal esta perennemente bajo riesgo) mediante un contrato social entre los súbditos que delegue todo el poder en un soberano, para siempre e irrevocablemente.

No somos perfectos: Inocentes hasta que se demuestre lo contrario

 El forcejeo por el mando ha sido asimilado por años en una ciudadanía quienes tienen el sufragio de elegir al individuo que los gobierne, esto nos indica que cuando hacemos una elección no tenemos la facultad de predecir que se van a hacer bien las cosas, tampoco podemos acusarnos unos a otros si se produce una falla en el sistema. En innumerables oportunidades he escuchado en lugares tan cotidianos como los colectivos, esperando en la cola para pagar cuentas, en el correo, etc, una frase típica que los ciudadanos Argentinos hacen en referencia al gobierno existente.

(Imitación del dialogo):

No sabe nada, no sabe dirigir, no entiende nada de economía, está llevando a la ruina nuestro país.

Entonces otro que está al lado de esa persona también indignado por su enunciado y por la realidad con la que se encuentra, responde:

Entonces para que lo votaste.

Al que el primero responde:

Yo no lo vote. (Con un tono de molestia)

A la sazón de su contradicción, el otro sujeto vuelve a responder.

Alguien lo voto

Un silencio invade la sala, hasta que  un sujeto disconforme responde con violencia  montando un disturbio en el lugar. La discusión entre pares ocasionado por las disímiles preferencias de credo, proyecta a conciencia de uno mismo que no quiera participar de ese conflicto con un desplazamiento corpóreo para huir del lugar o resolviéndolo con un estado de ánimo calmo hasta que se predomine la paz.

¿Sera cierto que el error es nuestro si los dirigentes no ejecutan como es debido su función? ¿A quién acusamos cuando se ocasiona esta deficiencia?

Eso será difícil de explicar…

El hastío indisoluble de los Conservadores y los Revolucionarios:

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Lideres por Heráclita

El liderazgo es el conjunto de habilidades gerenciales o directivas que un individuo tiene en la forma de ser o actuar de las personas o en un grupo de trabajo determiando, haciendo que este equipo trabaje con entusiasmo hacia el logro de sus metas y objetivos.

Movimientos sociales y el Rol del Líder

La voluntad de los revolucionarios de épocas de antaño nos da prueba de fe que el cambio está en un solo hombre que guía a su pueblo a seguir un ideal y con ello cumplir el objetivo que se pretende. O al menos se tienta al regateo de un paradigma que transcurre con el tiempo. Como todo líder con un carácter anímico de admiración podría derrumbar mil batallas que culminarían en una victoria casi pulcra. Quiero recalcar que en toda marcha social, existe un representante que determina una formación lineal de sus propósitos de manera conjunta. En contraste ante la falla por parte de un movimiento sin líder o lideres, o la falta de su estructura podremos citar el ejemplo del un evento que ocurrió en Europa precisamente en España, ante la crisis económica que se presenta en el actual País tomando como práctica la falta de organización ante una lucha sin ideología concisa mas que la indignación, el movimiento de 15 M presentó en una ocasión el testimonio de experiencias donde el orden  era fundamental, el relato uno de los integrantes fue sobre una situación donde marchaba el movimiento con un gran número de individuos por las calles principales con un cúmulo de temáticas juntas, en sí, no surgió mucho efecto ya que no se entendía muy bien el objetivo con el que se quería manifestar cada uno. Entonces indivisibles se reunieron una vez más y decidieron que aún cuando no compartían sus mismas  filosofías, en una segunda marcha no pasaría algo semejante, por el cual se establecieron mejor y replicaron el acontecimiento, solo que esta vez  para desempatar cada tópico que amparaba cada persona, se colocaron una vestimenta con un color diferente. Esta vez le funcionó, el grupo de 15M sigue activo hasta el día de hoy.

Propuesta de Experimento alternativo

Entonces resulta en dos cuestiones primordiales ante un panorama de ahogo por parte de la soberanía, los que asumen una predisposición por la versatilidad y los que no se comprometen. Este tipo de choques son las que la autoridad aprovecha para su gracia, cometiendo una división en su colectividad. Paradójicamente hablando, ¿en qué quedamos? Es bueno ser intérprete de una sublevación y ser el capitán del barco con conciencia a lo que se pugna o es preferible ser mandados por una autoridad burocrática que sistematice con leyes a una población para convivir en armonía pero a su vez tolerar su corrupción. Es difícil doblegar al modelo conservador con los nuevos revolucionarios, que por lo general son jóvenes estudiantes y hasta profesores que quieren esa conmutación. Estamos batallando a ciegas si es que pretendemos esa matriz. Tomando como referencia el ejemplo anterior, ese efecto que provoca un activismo con ambición o sin metas especificas todas para derrocar al poder que regula al país entero ¿No estaría construyendo una pared de manera imaginaria en la sociedad al mejor estilo del muro Berlín? Donde se declara un aliento revolucionador de la potestad de la mano de los que sienten tediosos y se exhiben, frente al resto que se establece cómodamente por lo que está sucediendo.

Todo esto se debe a un paradigma que faltaría años para ser revelado, o tal vez  se anuncie un plazo en que se siga conviniendo en un mutuo acuerdo,  un contrato social entre el poder y el pueblo hasta que se germine un nuevo prototipo de prosperidad.

Bibliografías:

(Atlas Universal de Filosofía, manual didáctico de autores, textos, escuelas y conceptos filosóficos. Editorial, océano). Títulos originales: Atlante Ilustrado di Filosofía. Demetra S.r.l.,Colognola ai colli (VR). Italia. Aclaración: La mayoría de las citas filosóficas fueron adquiridas de este manual.

Internet: Wikipedia

 

Escucha agua: Experiencia en Yuguelito.

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I. Introducción.

Hace unos días murió Pauline Oliveros. Durante un tiempo he realizado algunas de sus meditaciones sonoras, acción que ha despertado en mí nuevos placeres, preguntas y búsquedas estéticas. Sin embargo, creo que tales momentos de regocijo gracias a la escucha no deben quedar sólo a un nivel artístico, sino que han de extenderse a la comunidad. Esto es, mi aproximación a la escucha también se fundamenta en la creencia de su poder como creadora de poderosos vínculos comunitarios, idea inspirada por los trabajos de Murray Schafer y Hildegard Westerkamp, así como del colectivo Ultra-red.

Mi interacción y convivencia con la comunidad de Yuguelito comenzó con una experiencia de creación de paisajes sonoros y glitch. Ahora, la Mtra.Carmen Franco me invitó a realizar una experiencia cuyo eje fuese el cuidado del agua. Pensé en varias formas de aproximarme al bello reto. Primero se me sugirió la lectura de cuentos, después pensé en la poesía sonora. Estaba desorientado pero sentí que la mejor opción era producir experiencias de escucha que se convirtieran en experiencias de improvisación sonora con agua.

Pensé y reflexioné mucho sobre sus sonidos. El agua tiene la cualidad del cambio de estado, y el cambio de estado produce sonidos distintos. El vapor, el hielo y el líquido hacen sonidos distintos en función de cómo se les trabaje. Decidí trabajar sólo con el estado líquido por la facilidad en su manejo, dado que el vapor o el hielo requieren de mayor tecnología para producirlos al momento.

Estuve atento a los sonidos del agua. Escuché cómo el agua tiene la capacidad de modificar los sonidos de las cosas: una toalla mojada suena distinta de cuando está seca, no suena igual el agua en un recipiente de unicel o de vidrio, nuestro cabello suena distinto al estar mojado, nuestra respiración cambia cuando sudamos, la piel suena distinta al estar húmeda: quizá si pudiésemos escuchar nuestros ojos húmedos, estos cambian de cuando están secos. En fin, el agua me guió.

II. Experiencia.

La experiencia se articuló en torno a tres momentos: 1) experimentación sonora con recipientes contenedores de agua, 2) escucha y dibujo de los sonidos de la purificadora de agua, 3) improvisación sonora con los dibujos y 4) una suerte de soundpainting.

Cabe mencionar que el desarrollo de estas actividades se fundamenta también en pedagogías antiautoritarias -por ejemplo, la pedagogía de la ternura de Lidia Turner, las posturas de Paulo Freire, las ideas no-directivas de Carl Rogers- para construir un espacio que no desemboque en una extensión del espacio escolar y su teatro de la violencia -gracias a Marianela Nuñez por esa descripción tan precisa del espacio escolar.

A continuación el registro del primer momento. Cada persona hacía el sonido que deseaba y después compartí algunas indicaciones. Los sonidos se hacían con los elementos que tenían a la mano y que referenciaban a los sonidos del agua:

Para el segundo momento, escuchamos los sonidos de la purificadora y después cada quién los dibujó de forma libre:

El tercer momento corresponde a las improvisaciones generadas a partir de los dibujos. Como se mira en el video hay momentos de silencio o de sonidos muy bajitos. Al basarme en la experimentación sonora como eje donde todo sonidos o ausencia de éste se considera como una declaración estética, así como en las posturas pedagógicas antiautoritarias donde se considera toda acción como posible experiencia de aprendizaje, es que ya fuera el sonido o el silencio, los considere como una manifestación de la imaginación sonora.

El cuarto momento consistió en que se estableciera un sistema de señas que referenciaran a sonidos del agua en la comunidad. Después cada quien guiaba a sus compañerxs por un viaje sonoro.

III. Cierre.

Mi interés por la experimentación sonora llevada a nuevos públicos tiene por objetivos tanto la producción de redes comunitarias, como la experiencia de personas ajenas al campo de las artes sonoras no como una educación hacia la “alta cultura”, sino como una ampliación de la escucha y su experiencia estética más allá de la música.

Creo que un mundo menos ensordecido producirá menos violencia y atrocidad. Es necesario escucharnos, y escuchar con regocijo estético todo sonido que el entorno nos brinde. Por otro lado, creo que estas experiencias potencian la búsqueda de los sonidos interiores, de los sonidos que imaginamos, silenciados por las violencia social.

La escuela es uno de los máximos silenciadores de la voz interna del alumnado, de ahí que mi experiencia no invité directamente a la producción de la voz o de la música, sino primero explore los ruidos que llevamos por dentro. Esta escucha entonces, poco a poco y si se continúa su desarrollo, quizá llevé al resurgimiento de la voz interna silenciada por la escuela y sus violencias.

Por un mundo donde podamos recuperar la imaginación sonora, nuestra voz interna y nuestra capacidad creadora y de amor por lo que suena.

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Imagen de Yuguelito.

¿Dónde están las mujeres en la política? ¿Por qué la presencia de la mujer en la política es tan escasa? Brevísima reflexión.

Decidí publicar mi post en día jueves para emitir una opinión acerca de las mujeres en la política y sobre todo hablar acerca de la nueva presidenta de Estados Unidos, esperando poder hacer un análisis de lo que conllevaba que una mujer dirigiera al país más poderoso del mundo (aunque tal vez dejó de serlo hace mucho tiempo), pero como muchas de las personas en este planeta esperaban, eso no ocurrió.

De acuerdo con la UNICEF la participación de las mujeres en la política se ve mermada principalmente por su condición de mujer, a que me refiero con esto, según el artículo “Mujeres y política: realidades y mitos” , las mujeres no son tomadas en cuenta por dos principales razones, la primera es que, al ser mujeres fortalecerán  al género femenino, lo que podría llevar a debilitar el poder político de los hombres, es decir, los intereses son distintos, las mujeres ven de manera diferente a la sociedad, por lo consiguiente, su idea de política es distinta y podría concentrarse más en una política local que en una global. Es decir, sus preocupaciones están centradas en la familia y el bienestar infantil, así como de las personas mayores, lo cual según las encuestas, deja a un lado, cuestiones políticas como las económicas y judiciales.

Con respecta a lo anterior, esta primera encuesta fue realizada en 1999 a186 mujeres que forman parte de la vida política en 65 países, en otra encuesta, las mujeres dentro de la política, aceptaron que se interesaron en participar en este rubro ya que querían realizar cambios sociales, y otras promoverlos a través de organizaciones no gubernamentales, es decir, las mujeres se preocupan más por el bienestar de la sociedad, que en el ejercicio de un autoritarismo que no contempla al ciudadano y ve por intereses más elevados en la escala política  como es el caso de los hombres.

La segunda razón es que las mujeres no se presentan a cargos políticos ya que su papel dentro de la sociedad como amas de casa o madres de familia conlleva actividades que son mucho más difíciles de realizar por un hombre, es decir, al tener hijos, una casa y un marido,  les quita tiempo para poder llevar a cabo bien su trabajo dentro de la política.

Es muy cierto que en el mundo de la política las relaciones sociales son muy importantes, a que me refiero con esto, la mayoría de los acuerdos y alianzas se dan fuera del parlamento o para simplificarlo, se da fuera de la oficina. Si una mujer intenta entrar a un mundo donde la mayoría está integrada por hombres, ellos siempre querrán excluir a la mujer para mantener una estabilidad, una mujer tomando en un bar con puros hombres se presta a malas interpretaciones. Es aquí donde el machismo, sexismo, misoginia, etc., se hace presente, los hombres tienen códigos de conducta que al verse interferidos por la presencia femenina los condiciona, por otra parte, si la mujer en cuestión tiene cierta belleza existirá una lucha de egos entre ellos para ver quién es el primero en tener una relación con dicha mujer. En pocas palabras las mujeres seremos inferiores u objetos sexuales para los hombres antes que ser consideradas por las aptitudes intelectuales o políticas en este caso.

Es una realidad que las mujeres en la actualidad pueden acceder a una educación universitaria, y por consiguiente aspirar a cargos políticos, pero en algunos países que forman parte del continente africano, del medio oriente y otras regiones del mundo, las condiciones de vida no permiten que la mayoría de las mujeres accedan a una educación universitaria, los usos y costumbres siguen manteniéndose, la mujer debe mantener un papel de sumisión ante la presencia masculina y no puede tener una mayor visibilidad dentro de la escala política de dichos países, en México, en algunas regiones indígenas la mujeres solo sirven para cuidar maridos y tener hijos.

La creencia de que una mujer no sirve para la política es persistente y cuando alguna de ellas se postula para un cargo político, por lo general es vencida por un contrincante masculino.

En el caso de Hillary Clinton es notable el discurso de misoginia que existió por parte del candidato oponente, lo cual llevó a fortalecer el pensamiento de los hombres y también de las mujeres al considerarla incapaz de llevar el rumbo de una nación, pudo más la inexperiencia política y la mentira, que la confianza hacia una mujer. Una famosa frase pronunciada por el magnate durante su campaña fue la siguiente: “Lo único que tiene es la carta de la “mujeres”. Y lo más bonito es que ella no le gusta a las mujeres”.

De acuerdo a una encuesta presentada por CNN, Trump ganó el 62% de los votos de las mujeres sin educación universitaria, a comparación de su oponente que ganó el 34% de esta comunidad. En cambio Clinton ganó el 51% de los votos de las mujeres con educación universitaria y Donald Trump solo el 45%.  ¿Qué significa esto? Podemos deducir que una mujer que ha leído, se ha informado y pretende sumergirse en el mundo laboral, entiende lo difícil que es abrirse camino en un mundo dominado por hombres.

Sabemos que Hilary tampoco era la mejor opción para estar al frente de la Casa Blanca, también es cierto que su popularidad y carisma no convencía del todo al electorado, en el reportaje presentado por CNN “Lo que la derrota de Hillary Clinton dice del papel de las mujeres en la política de Estados Unidos” menciona que las mujeres no se dejan llevar y emitir un voto simplemente por el hecho de que sea una mujer la candidata a la presidencia, contraponiendo lo descrito arriba por la UNICEF, o al menos en Estados Unidos no es así, el hecho de ser mujer no influirá en las decisiones del electorado, lo que en verdad interesa, son las propuestas que presenta cada candidato.

Según el reportaje el 52% del electorado para los comicios presidenciales en Estados Unidos está conformado por mujeres, de acuerdo con Jennifer Lawless, directora del Women & Politics Institute de la American Univertsity

“Ella estaba postulada como la primer mujer nominada por un partido mayoritario y eso es increíblemente significante. Pero también representa el “establishment” y esas son fuerzas conflictivas”.

En pocas palabras no era conveniente que Hillary ganara el puesto de presidenta para la política comercial y empresarial de ese país, y en otras palabras mujeres contra mujeres, un tema mucho más profundo, sin embargo el argumento principal aquí es como la mujer ha tenido que luchar más arduamente para mantenerse dentro de una contienda política, las cosas no cambian, las mujeres tenemos que luchar el doble o el triple para sobresalir en un sistema totalmente patriarcal, por supuesto tenemos grandes ejemplos de dirigentes mujeres en el mundo como Angela Merkel en Alemania, o la primera ministra del Reino Unido Theresa May y no olvidar a Christine Legarde quien es la Directora del Fondo Monetario Internacional, pero aún así seguimos siendo minoría.

Considero que el papel de la mujer se ha ido transformando dentro del ambiente político cada vez tomamos más fuerza y cada vez hay más mujeres intentando y luchando por formar parte de las decisiones políticas y sociales en el mundo. Lo único que queda es seguir preparándonos y e ir erradicando los conceptos de debilidad y poca inteligencia de las mujeres para estar al frente de un cargo político, una tira cómica de Quino donde su personaje Mafalda se cuestiona ¿Por qué una mujer no puede llegar a ser presidenta? refleja abiertamente los estigmas a los que las mujeres estamos sometidas constantemente, al ser consideradas como poco confiables, entre muchos otros más.

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Ahora me permitiré hacer una pequeña reflexión sobre los acontecimientos ocurridos en esta semana con las elecciones para presidente en USA.

Esto realmente podría ocurrir, cuando tomamos en serio las burlas y palabrerías de las personas, las fortalecemos, les damos poder, los engrandecemos, es como una mentira contada muchas veces, al final se convierte en realidad y eso paso, nos tomamos demasiado en serio y le dimos la importancia que no se merecía a las palabras del que será ahora el nuevo presidente de Estados Unidos.

He tenido la oportunidad de viajar a Estados Unidos en un par ocasiones y en todas esas ocasiones he sido objeto de manifestaciones de racismo, lo más sorprendente es que ha sido principalmente por parte de la comunidad afroamericana, por la comunidad latina y en especial por la comunidad mexicana, si, están leyendo bien, por la comunidad mexicana.

Creo que debemos poner atención a lo que sucede en este momento en todo el mundo, como yo lo veo, el próximo presidente de Estados Unidos es el reflejo de lo que realmente piensan las personas en este momento, el ser humano genera sentimientos racistas, miente, odia y desprecia, pero momento, nuestra condición de ser humano nos lleva a tener todas estas manifestaciones emocionales que gracias a lo que llamamos sentido común y consciencia podemos manejar. Estamos viviendo un momento de transformación del pensamiento, lo que sucede en el Reino Unido con el Brexit o lo que sucedió en Colombia con la negación  a la firma de un acuerdo de paz con la guerrilla colombiana.

Si analizamos detenidamente, el cambio puede realizarse a partir de las personas, de las acciones, de las buenas voluntades, de la educación que les demos a los niños, en escucharnos y comprendernos, en no fomentar el odio y las diferencias raciales o de género. Sí, sé que suena muy utópico, pero no imposible.

Aquí dejo mi muy particular punto de vista.

¡Liberemos a Armstrong!

 

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Si desean consultar los dos artículos sobre las mujeres y la política dejo aquí los enlaces

https://www.unicef.org/spanish/sowc07/docs/sowc07_panel4_1_sp.pdf

Lo que la derrota de Hillary Clinton dice del papel de las mujeres en la política de Estados Unidos

 

 

 

Ciberfeminismo: el feminismo del siglo XXI

«Por ejemplo, hice el 80% de los beats en Vespertine y me llevó tres años trabajar en ese álbum, pues era por completo con microbeats—fue como hacer una enorme pieza de bordado. Matmos vino en las dos últimas semanas y añadió percusiones encima de las canciones, pero ellos no hicieron ninguna de las partes principales y, sin embargo, en todos lados se les da el crédito como si hubiesen hecho todo el álbum. Drew [Daniel] [de Matmos] es mi amigo cercano, y en cada una de las entrevistas que le hicieron, él hacía las correcciones sobre ese hecho. Pero nadie lo escuchaba. Es realmente extraño.»

Björk — En entrevista con la revista Pitchfork

 

Una breve, concisa y adecuada introducción al conocimiento del ciberfeminsmo. Para una extensión del tema, recomiendo visitar el artículo de la revista Pillku.

Enchufados a la Red

A lo largo de los siglos, la lucha feminista ha ido desarrollando teorías y conquistando derechos, logrando mejorar la situación de la mujer en la sociedad. No obstante, el movimiento feminista no toma consciencia de sí mismo hasta la Revolución Francesa, en el que mujeres como Mary Wollstonecraft lucharon por conseguir las mismas libertades que los hombres y la igualdad jurídica. Este proceso es conocido como la primera ola del feminismo, que se desarrolló entre los siglos XVIII y XIX. Desde la mitad del s. XIX hasta principios del s.XX, En Inglaterra y Estados Unidos tiene lugar la segunda ola, en la que se reivindicaba el sufragio universal y las mismas condiciones laborales que los varones. A partir de mitad del s. XX hasta la actualidad se ha desarrollado la tercera ola, caracterizada por el análisis del patriarcado y demanda de la igualdad de género. En este tercer movimiento surgen…

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