BREVES NOTAS SOBRE LA EDUCACIÓN MUSICAL EN LOS NIÑOS, y la triste historia de una servidora

Toda mi formación musical fue caracterizada por el terror, la humillación y el condicionamiento, es decir, fui obligada a aprender música. Recuerdo que siempre me ha gustado cantar, soñaba con ser cantante, pero no pensaba en tocar algún instrumento, aun así lo tuve que aprender, posteriormente por voluntad propia decidí estudiar educación musical y es ahí en donde encontré nuevamente la enseñanza a través del terror y la humillación, que en palabras de mis profesores de instrumento “eran para hacernos más fuertes.” Pero también aprendí a enseñar a educar desde el corazón, desde el cariño y el amor por lo que haces, a disfrutar cada nota producida por mi cuerpo y exteriorizada por un instrumento.

Al final del día, mis profesores tuvieron la razón, su maltrato y sobajamiento me hicieron entender la forma en la que NO se debe “educar” y “educar musicalmente” a las personas, principalmente a los niños.

Durante siete años he tenido la oportunidad de trabajar con niños pequeños en una institución de educación pública dando la clase de música; con bebés de 40 días de nacidos, hasta niños que han alcanzado los cinco años de edad.

No tengo hijos y espero tenerlos algún día, es así que mi contacto con los niños pequeños ha sido a través de mi trabajo como profesora de música y el cual me ha mostrado la importancia de formar seres humanos desde pequeños, desde bebés, de la importancia de la repetición de los sonidos para la formación de un oído musical, la importancia del canto materno para relacionarse con los afectos y de la importancia del contacto físico en el ámbito de la confianza y la seguridad.

CENDI NIÑOS

Mis alumnos de Maternal II

Es así que quiero compartir algunas breves notas sobre la filosofía de Shinichi Suzuki, violinista japonés, quien es el fundador del Movimiento de Educación del Talento y mayormente conocido por sus libros para aprender violín, piano, cello y otros instrumentos. El método Susuki, sostiene que los niños pueden aprender a tocar un instrumento así como aprendieron a hablar, es decir, a través de la repetición de los sonidos.

Shinichi Susuki

Shinichi Susuki

En su libro Desarrollo de las habilidades desde la edad cero, Susuki explica que el talento no es innato, no nacemos talentosos, es el entorno y el cuidado que nos dieron nuestros padres lo que nos ayuda a desarrollar un talento.

“Supongamos que tengo un bebé normal y que le atamos la mano derecha hasta que cumpla los cuatro años. Pasados estos años intentamos que use la mano que le amarramos y podremos observar que esta no se ha desarrollado bien. Es una mano inútil, inservible. En cambio la mano izquierda estará perfectamente bien desarrollada y por lo tanto el niño es zurdo. Dejar los talentos de un niño sin atender hasta que tenga los cuatro años de edad, es como si le estuviésemos amarrando su mano derecho. Es lo mismo.

… El destino de un niño está en manos de sus padres” (Susuki, 2007,24)

Suena muy sencillo y tal vez polémico pero, trabajando con mis niños pequeños a lo largo de siete años he podido observar el desarrollo de sus habilidades musicales, puedo decir que he formado una primera generación de niños sensibles a la música. ¿Por qué me atrevo a decir esto? La mayoría de mis niños tomaron clases desde bebés conmigo y cada año fuimos trabajando y reforzando sonidos y nociones musicales, las cuales a sus cinco años de edad han dado frutos al escucharlos cantar y no gritar o recitar, así mismo, a poder palmear rítmicamente una canción, esto significa que escuchan, que han desarrollado un talento que en su mayoría tal vez nunca más vuelvan a necesitar, pero que ya han interiorizado y que se llevaran para siempre.

Con respecto a los padres, no tengo mucho que decir, es difícil criar a un hijo si fueron criados desde la violencia o la falta de cariño. Pero la responsabilidad de traer una vida al mundo supongo en algunas personas crea esa necesidad de hacer las cosas mejor.

“Por favor, recuerden que una habilidad no se puede desarrollar si no hay ciertos momentos de entrenamiento.” (Susuki, 25)

El practicar nos llevará a la concretización de nuestras habilidades seamos niños o personas adultas, algunos necesitan pequeños momentos para realizarlos y otros como yo, necesitaremos más de una hora para lograr interiorizar el aprendizaje.

“Para obtener una continua repetición, las circunstancias que lo rodean deben de ser felices, sin protestas ni jaleos.“ (Susuki, 25)

El gusto de hacer lo que amamos nos llevará a tener un mejor aprovechamiento de nuestro aprendizaje, es por esto que los niños aman su clase de música, porque todo es cantar las mismas canciones que todos nos sabemos y aprender algunas nuevas, de jugar, gritar, reír y tal vez llorar por alguna caída o choque entre cabezas de nuestros compañeros, pero es un momento donde no soy juzgado, donde todos estamos en un mismo nivel y si me cuesta trabajo realizar alguna actividad, siempre hay un compañero que me ayuda a realizarlo lo mejor posible.

“Hay personas que piensan que insistir es educar. El persistir en “¡Tienes que practicar!” o “¡Práctica!” se le puede llamar el método de “Cómo no desarrollar una habilidad”. “ (Susuki, 26)

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Esta última frase puede ser utilizada en muchos aspectos y ámbitos de nuestra vida, no sólo en la música, cuando lo hacemos por obligación y no con gusto, el desarrollo de nuestras habilidades no está siendo correctamente ejecutado, la asimilación del conocimiento se quedará a la mitad, ya que al no disfrutar lo que hacemos y en algún momento odiarlo, al final nos llevara a repudiar y abandonar dicha actividad.

Para terminar, lo único que quiero decir, es que educar con autoritarismo, represión e humillación, no es la mejor opción para formar seres humanos. A mí me yudo a ser una mejor profesora, pero pudo tener un resultado negativo y llevarme a repetir las formas en las que fui educada, me quedan secuelas de ese maltrato, pero al final del día sigo pensando que podemos ser mejores y confió en la bondad de las personas.

Eduquemos desde el corazón, por la sencilla razón de compartir para el bien común.

“Liberemos a Armstrong”

Susuki, Shinichi, 2007, Desarrollo de las habilidades desde la edad cero, ENDEMUS, México, pp.96.

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El eclipse y la fundación de Tenóchtitlan

El relato de una larga peregrinación fue conservado por los mexicas como parte de su tradición y origen. Así fundaron la gran Tenochtitlan, en el lago de Texcoco, guiados por su dios Huitzilopochtli.

Los mexicas habían salido de una isla llamada Aztlán, por cuyo nombre también son conocidos como aztecas, situada probablemente en algún lugar remoto al norte de Tenochtitlan. Este hecho está documentado, en especial en el códice conocido como la Tira de la Peregrinación, que es una tira de papel de maguey que representa el viaje del pueblo desde su salida de Aztlán. Los historiadores consideran que alrededor de los años 1150 y 1300 los mexicas peregrinaron por diversos lugares hasta asentarse en los lagos del Valle de México.

La mayor parte de las fuentes históricas señalan que la fundación de México-Tenochtitlan ocurrió en el año 1325. Esta fecha corresponde a la que declararon los propios indígenas en los años siguientes a la Caída de Tenochtitlan. Los estudios arqueoastronómicos indican que en ese año también ocurrió un eclipse solar, suceso astronómico que pudo ser tomado por los mexicas como un marcador mítico que pudiera legitimar la supuesta relación entre los toltecas y los tenochcas.

Huitzilopochtli dijo a su pueblo que fuera hacia nuevas tierras, también les ordenó que dejaran de llamarse aztecas porque a partir de ese momento serían todos mexicanos, así es recreado en el Códice Aubin y el Códice Durán.

La Tira de la Peregrinación señala que Aztlán estaba ubicado en una isla donde había seis calpullis (clan formado por un conjunto de familias) y un gran templo, probablemente dedicado a Mixcóatl, después que los mexicas llegaron a Teoculhuacan en el año 1-pedernal, partieron ocho calpullis encabezados por cuatro teomamaque (cargadores de los dioses); uno de ellos, identificado como Tezcacóatl, quien “cargaba” a Huitzilopochtli.

Según el mito, Huitzilopochtli ordenó que fundaran la ciudad donde estuviera “un águila parada sobre un nopal devorando una serpiente”. Siguiendo este designio, los mexicas deambularon por varios lugares, siempre en busca de la señal.

De acuerdo con la Tira de la Peregrinación, la gente de Cuitláhuac se separó del resto de los calpullis.

Más tarde, los mexicas llegaron al Valle de México y pasaron por varios pueblos, hasta que se asentaron en territorio de los tepanecas de Azcapotzalco, a quienes les sirvieron como guerreros mercenarios.

Finalmente, encontraron el sitio señalado por Huitzilopochtli en un islote del lago de Texcoco.” (1)

(1) Texto copiado del sitio http://www.templomayor.inah.gob.mx/historia/mito-de-la-peregrinacion.

ECOS INSTANTES DE MEMORIA

Escuchó su voz, levanto la mirada solo un poco y la dirigió a sus manos, pronunciaba palabras sabias y dulces, levanto su cabeza para mirar su rostro y regreso a sus manos. Ahora sabe quién es.

Es lo que es, está completa, se ha detestado, pero esta completa, cinco dedos en pies y manos, dos brazos, dos ojos, boca, nariz, dos oídos, escucha, habla, ama.

Su cabeza se ladea, se acerca lentamente a su cuello y muy despacio le dice -¡Eres hermosa!- Su cuerpo tiembla, pensó que sería un beso.

Comenzó lentamente, los botones eran muy pequeños. No creyó que hubiera verdad en las palabras de ella, sabía demasiado. Su boca es un pincel de sensaciones corporales, con cada trazo un despertar excitante del cual no hay retorno.

Es asombroso saber que la indiferencia existe, la suya es decepcionante.

Sonríe nuevamente. Ten cuidado con lo que deseas. No le importa. Ten cuidado con lo que deseas.

Es hermosa, está completa, ha recorrido el mundo, ha aprendido a ser fuerte.

Despierta y no sabe dónde está, tiene un sentimiento de dolor, todo fue un sueño. Te mire…, y una sonrisa dibujo nuestros rostros.

Glitze

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The Black Parade

La recomendación del disco que hago en esta ocasión es “The Black Parade” de My Chemical Romance.  Antes explicar un poquito sobre este disco y la banda, quiero compartir una breve reflexión sobre 13 Reasons Why, la serie de moda producida por Netflix, la cual aborda  el tema de una chica que se suicida y deja una serie de casettes que ella misma graba con 13 razones por las cuales cometió su suicidio.

La serie me pareció un poco lenta y redundante, pero difícil de sobrellevar si te sientes completamente solo y tienes menos de veinte años. Lo que quiero decir, es que la serie me trastorno de diversas maneras, me hizo recordar situaciones de mi etapa escolar, además, tenía que entender de que estaban hablando mis alumnos adolescentes. En mi próximo post hablaré sobre la serie y les diré lo que opino al respecto.

Es así que todo esto me llevó a recordar mi gusto por la banda y el disco que ahora les presento.

The Black Parade es la tercera producción de una banda californiana denominada My Chemical Romance surgida a principios de 2002. El género musical de esta banda puede definirse como una mezcla de diversos géneros como el rock, punk, pop punk, post hardcore y emo. Sus letras hablan sobre la muerte, el desamor, la incomprensión, entre varios más tópicos dramáticos.

Personalmente me fascina la manera en que canta e interpreta el vocalista de la banda Gerard Way, puedo sentir su dolor, su desesperación, su frustración y verlo me quiebra completamente.

I’m not Okay (I promise)” es una canción que habla sobre el rechazo y la incomprensión que pueden sentir los adolescentes; el vídeo aborda el bulliyng escolar y los momentos que llevan a la depresión juvenil.

“Helena”es otra canción icónica del grupo, la cual refleja el dolor de la pérdida de un ser amado ya sea por separación o muerte. La canción como el vídeo, son las razones por la cuales comencé a seguirlos, la música para mi es realmente buena.

Helena y I’m not okay (I promise) pertenecen a su segundo álbum Three cheers for swet revenge.

The Black Parade es un viaje musical sobre la vida de un personaje que sufre cáncer y el proceso de aceptación de una enfermedad que finalmente lo matará. Los sencillos más famosos de este disco fueron: Welcome to the black parade, Teenagers, I Don´t love you y Famous last words

“Cáncer” es una de las canciones más bonitas y deprimentes que he escuchado. Aunque no fue un sencillo conocido del disco, el arreglo instrumental que incluye cuerdas, es bellísimo. La letra versa sobre alguien que describe cómo se siente después de recibir quimioterapia y el dolor de perder a un ser amado. En el 2016 Twenty One Pilots hizo una nueva versión de esta canción.

En el 2016 el disco cumplió 10 años de ser editado. La banda lanzo una edición especial del disco con algunos temas inéditos y versiones  de estudio de algunas de las canciones.

No es una recomendación muy alegre, pero considero que es el trabajo más sobresaliente de esta banda.

AMOR #6

La insoportable necesidad de la esperanza

Uno de los actos de magia mas hermosos que he vivido ocurrió la primera vez que vi nevar. De repente, pequeños copos de nieve semejantes a minúsculas bolitas de algodón flotaban etéreamente en al aire y al rededor de mi. Era un sueño hermoso, como si el tiempo se detuviera; la nieve al contacto con mi cuerpo, mi ropa y mi piel, se posaba un breve instante para luego desaparecer.

Lo inesperado de un momento así lleva a la emoción, a la gratitud y a la esperanza de que vendrán tiempos mejores.

Creo que enamorarse es como esa nieve que cae lentamente y te mantiene en un sueño momentáneo que después desaparece.

¿Me he enamorado?

Por supuesto que sí.

¿Se han enamorado de mí?

No lo sé, no conozco esa forma de amor.

La esperanza prevalece, esa terrible e insoportable esperanza que no ha cesado en mí.

Cinco veces amor y cinco veces dolor.

Necedad, necesidad, esperar, esperanza.

Creo en el amor,

y creo en la magia,

Sé que existe el dolor,

pero tengo esperanza.

Amor #6

Por Itze Serrano (Glitze)

Para los que siguen esperando.

https://archive.org/details/Amor6

En el balcón

En el balcón, 1947.  Alfonso Michel.

DESOLACIÓN #18

Dieciocho

Partiste un día dieciocho, yo nací un día dieciocho, y así de irónica la vida, dieciocho el número del ser que un día amé.

El tiempo es inclemente, cada dieciocho te recuerdo, cada dieciocho vuelvo a nacer, cada dieciocho rompes mi corazón.

Metafóricamente ¿Cuánto puede aguantar un corazón al dolor?

Se desmorona lentamente y cuando comienza a recuperase, lo vuelves a destrozar.

¿Es el alma la que soporta y soporta el dolor y la pérdida? ¿Es la necedad de aferrarse a lo que no puede ser lo que produce el dolor?

Ya nadie volverá, solo queda el recuerdo y el recuerdo es en momentos doloroso.

Pero la respuesta es clara, el olvido y solo el olvido, es el que ayudará a sanar.

Aún así, cada dieciocho te tendré que recordar, al que se fue, a la que nació, al que amé.

La mitad de dieciocho es nueve, y también decidiste llevártelo un día nueve, un padre, un esposo, un amigo.

La mitad de dieciocho, la mitad de alguien y ese alguien a quien quise mucho. Si multiplicamos tres por seis, nos da dieciocho, así que seis veces tres, tres hermanos, que también son hermanos míos, comparten el mismo dolor.

Dieciocho veces que diré te extraño,

dieciocho veces que diré te amo.

Dieciocho veces que lloraré en silencio,

dieciocho veces que gritaré olvido.

Por Itze Serrano (Glitze)

Para: Bernardino, Cándido y alguien más.

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Luz. Glitze

MELANCOLIA

  • Poema 15

“Me gustas cuando callas porque estás como ausente,

y me oyes desde lejos, y mi voz no te toca.

Parece que los ojos se te hubieran volado

y parece que un beso te cerrara la boca.

Como todas las cosas están llenas de mi alma

emerges de las cosas, llena del alma mía.

Mariposa de sueño, te pareces a mi alma,

y te pareces a la palabra melancolía.

Me gustas cuando callas y estás como distante.

Y estás como quejándote, mariposa en arrullo.

Y me oyes desde lejos, y mi voz no te alcanza:

déjame que me calle con el silencio tuyo.

Déjame que te hable también con tu silencio

claro como una lámpara, simple como un anillo.

Eres como la noche, callada y constelada.

Tu silencio es de estrella, tan lejano y sencillo.

Me gustas cuando callas porque estás como ausente.

Distante y dolorosa como si hubieras muerto.

Una palabra entonces, una sonrisa bastan.

Y estoy alegre, alegre de que no sea cierto.”

 

Pablo Neruda

Neruda, Pablo, Veinte Poemas de amor y una canción desesperada, Editorial Nascimento, Santiago de Chile, 1924.

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La flor muerta, 1868.  Manuel Ocaranza

 

 

3RR0R C4P4 8, Armstrong Liberado en UnRadio de la Universidad Nacional de Colombia

El pasado 16 de marzo, Melissa Vargas (compositora y pianista colombiana) dedico uno de sus  programas de radio “Inmerso-Música Contemporánea en Colombia y América Latina”, a la música electroacústica en México, en donde se presentaron algunas de las piezas de la primera producción discográfica “3RR0R C4P4 8” de Armstrong Liberado.

http://unradio.unal.edu.co/nc/detalle/cat/inmerso/article/electroacustica-actual-en-mexico.html

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Aquí pueden escuchar el disco completo.

https://archive.org/details/3RR0RC4P48

Los sonidos perdidos de la orquesta.

Retomando el post de esta semana sobre “El sonido como recuerdo y el silencio como olvido en la era digital” aquí un post sobre una orquesta que implemento un programa computacional  ASTRA (Aplicación de la reconstrucción del Sonido/Timbre de instrumentos antiguos) para recuperar los sonidos perdidos de algunos instrumentos musicales y que paulatinamente podrá desarrollar y permitirnos escuchar el sonido y posteriormente la construcción de estos instrumentos musicales  de los cuales solo existe iconografía. Un tema que me fascina y que posteriormente seguiré abordando.Espero les guste.

Para ver el articulo original dar clic al siguiente enlace.

https://gipemblog.wordpress.com/2010/02/01/los-sonidos-perdidos-de-la-orquesta/

Los sonidos perdidos de la orquesta

El pasado septiembre, la iSGTW informó sobre el regreso de los epigonion, un antiguo instrumento griego de cuerda de madera que se asemeja a un arpa. Los instrumentos antiguos se pueden perder porque son demasiado difíciles de construir, o muy difíciles de tocar, pero la epigonion se escuchó de nuevo después de ASTRA (Aplicación de la reconstrucción del Sonido/Timbre de instrumentos antiguos) recrea su red usando el sonido habilitado para los modelos computacionales.

Los más antiguos son los instrumentos que se oían antes, después de la organización oficial La Orquesta de Sonidos Perdidos finaliza sus preparativos para una presentación única a finales de verano.

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Tras haber logrado reconstruir el sonido de la epigonion, ASTRA está trabajando en toda una serie de otros instrumentos perdidos incluyendo la Barbitono (base de una guitarra antigua), la siringa (una flauta de pan), un antiguo tambor del marco inferior del Mediterráneo, la trompa (un tipo de trompeta antigua) y el aulos (un oboe antiguo).

En muchos aspectos, La Orquesta de Sonidos Perdidos de ASTRA es como cualquier otra orquesta – con músicos reales, ensayos y actuaciones – excepto su objetivo que es ofrecer a su audiencia un mundo completamente nuevo de música. Los sonidos de la Barbitono y el marco de tambor en la actualidad se está ultimando, mientras que un guitarrista tiene que familiarizarse con el epigonion y al uso de su Barbitono, especialmente adaptada la guitarra MIDI eléctrica, que ha sido programada con los sonidos perdidos. (MIDI, o “Interfz Digital de Sonidos Musicales”, es un protocolo estándar que permite a los instrumentos musicales electrónicos, teclados, computadoras y otros equipos electrónicos de comunicación, el control y la sincronización con los demás.) Los sonidos de la trompa debe también completarse a finales de verano.

“La preparación va muy bien”, comenta Domenico Vicinanza, el coordinador técnico del proyecto. “Es un proceso largo, extraño y fascinante. Junto con el coordinador artístico, estamos eligiendo las piezas y la adaptación de la orquestación del conjunto único que tenemos. ¡Todo el mundo está muy emocionado! ”

La reconstrucción de los sonidos

Una técnica llamada síntesis de modelado físico se utiliza para reconstruir los sonidos de los instrumentos perdidos. Las ecuaciones y los algoritmos describen la estructura física del instrumento, mientras que los sonidos son generados por el modelado como un sistema mecánico con diferentes configuraciones para cada nota.

En otras palabras, cada instrumento se define por un conjunto de valores constantes (por ejemplo, sus dimensiones y propiedades de los materiales), junto con un conjunto de funciones dependientes del tiempo (cómo el músico interactúa con él). Por ejemplo, el marco del tambor está modelado por la definición de constantes como la rigidez y densidad de la membrana, mientras que una fórmula libera la energía inyectada en el sistema cuando se golpea con una fuerza particular por el músico, produciendo una nota única.

En sus esfuerzos por recrear los sonidos del pasado no son sólo se detienten en los instrumentos, como el coordinador artístico del proyecto Francesco De Mattia explica: “Estamos trabajando en el modelado de los entornos antiguos – las habitaciones, lugares, etcétera – donde se tocaba la música, tratando de describrir cómo cambia el entorno físico, y modificar los timbres y sonidos para tener una comprensión mejor de todo el mundo musical, una imagen completa del escenario sonoro del pasado”.

El ambicioso proyecto es en gran medida un esfuerzo multidisciplinario, que incluye no sólo a los informáticos y los músicos, sino también historiadores, físicos, arqueólogos e ingenieros. Para reconstruir los instrumentos, se tiene en cuenta una amplia gama de datos arqueológicos, a partir de descripciones escritas de los fragmentos de excavaciones y las fotos en las urnas antiguas. El equipo de ASTRA está en contacto con el Museo de Bellas Artes de Boston, donde una trompa muy bien conservada, reside, para recoger datos adicionales de imágenes de alta resolución a la entrada en su modelo.

Debido a la complejidad del proceso de modelado físico, se necesitaría un equipo de escritorio de gran alcance de cuatro horas para producir un solo sonido de 30 segundos de duración. Para acelerar el procedimiento y alcanzar la potencia de procesamiento necesaria, los modelos Astra se ejecutan simultáneamente en cientos de computadoras en toda Europa y la zona inferior del Mediterráneo con las infraestructuras Gilda y EUMEDGRID, que vinculan los recursos informáticos a través de la GÉANT2 y redes de investigación EUMEDCONNECT de hasta 2,5 Gbps, utilizando el middleware de EGEE.

Tócala otra vez

El epigonion ya se ha escuchado en vivo, junto a un cuarteto de cuerdas en el concierto de la Cena de Gala Terena TNC’09, interpretando una amplia variedad de música que van desde el barroco hasta la música de Frank Sinatra. El pianista contemporáneo Ramin Bahrami también desempeñó el epigonion en julio de este año en su Considerando Bach en Nápoles.

De Mattia está muy entusiasmado con el reto de tocar el epigonion de la Orquesta de los Sonidos Perdidos. “Hacer instrumentos sin prácticamente límites técnicos es un proceso continuo, un reto maravilloso como músico y director de orquesta. Decidiendo cómo tocar, cómo interactuar, qué interfaz usar, qué tratamiento, qué sonido se busca. Sinceramente, el único desafío verdadero al que tengo que hacer frente es a mí mismo “.

La generación de Los Sonidos Perdidos utiliza modelos de ordenador, más que la reconstrucción física de los instrumentos, en última instancia, más personas podrán tener acceso y escuchar a través de las bibliotecas de sonido. La Orquesta de los Sonidos Perdidos está organizando un proyecto especial dedicado a la música de Doménico Scarlatti, estableciendo una red a través de la cual los músicos de todo el mundo pronto serán capaces de tocar el epigonion utilizando un teclado MIDI y grabar una sonata utilizando su ordenador personal
“El resultado final será algo especial”, se entusiasma Vicinanza. “La red será la herramienta para reunir a personas con diferentes experiencias, diferentes orígenes, pero la música se habla como idioma común.”

-Seth Bell, iSGTW

https://gipemblog.wordpress.com/2010/02/01/los-sonidos-perdidos-de-la-orquesta/

 

 

EL SONIDO COMO RECUERDO Y EL SILENCIO COMO OLVIDO EN LA ERA DIGITAL

Navegando por la red encontré un artículo de la BBC Mundo sobre tecnología titulado “El innovador museo que preserva los sonidos en extinción” donde se hablaba de un museo virtual, el cual, tiene como misión preservar los sonidos de aparatos electrónicos y programas digitales creados hace más de 20 años o tal vez más.

Brendan Chilcutt originario de Tennessee, Estados Unidos, es el creador de dicho sitio denominado Museum of Endangered Sounds. Brendan es consciente de que la tecnología avanza cada vez más rápido, y muchos de los sonidos provenientes de los aparatos electrónicos que se han vuelto obsoletos con el paso del tiempo desaparecen con ellos. Así como los sonidos de los programas computacionales, de los videojuegos y juguetes. Por esta razón crea esta plataforma en la cual puedes escuchar los sonidos de la conexión a Internet, un teléfono, la aguja de un tornamesa, una máquina de Fax o la famosa cancioncita del Tetris en un Gameboy.

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Esto me llevo a la reflexión de utilizar como una metáfora al sonido como recuerdo y al silencio como olvido, así de sencillo, espero que los puristas del sonido y la escucha no se enojen de la ligereza con la que trataré el tema.

Lo que muy pocos sabemos, o era así en mi caso, es que los sonidos provenientes de las computadoras y sus programas fueron diseñados minuciosamente por seres humanos para ese programa en especifico, el ejemplo más claro es el de Brian Eno, músico, compositor y productor musical británico, que ha colaborado con artistas como David Bowie, U2 y Coldplay , entre otros y quien compuso una pequeña melodía que dura aproximadamente 6 segundos y que muchos recuerdan por que cada vez que prendían una computadora  de Microsoft con Windows 95, se escuchaba.

Este sonido formaba parte de una estrategia de mercadotecnia gigante, la cual hizo despuntar a Microsoft y volver a Bill Gates uno de los hombres más ricos del mundo, “el sonido Microsoft” como fue denominado, es una composición de doce notas y de 6 segundos de duración que irónicamente fue creada en una Mac. –“Lo escribí en una Mac. Nunca he utilizado un pc, no me gustan”[1]– fue la declaración de Brian Eno en una entrevista a una cadena radiofónica de la BBC.

Posteriormente Microsoft opto por crear ella misma las siguientes melodías para los subsecuentes sistemas operativos que se crearon, basadas principalmente en el tema compuesto por Eno, pero en esta ocasión ya no fue requerida la participación de un compositor en dicha labor. Este sonido también es uno de los más odiados ya que el sistema operativo XP dio muchos dolores de cabeza a los usuarios que llegaron a detestar el hecho de escuchar cada vez que se reiniciaba su computadora el sonido de apertura del programa cuando este fallaba.

Otro ejemplo de la importancia del sonido en la tecnología es la mancuerna que realizaron el servicio de video llamadas Skype y Sir Paul McCartney , quien fue invitado a crear los sonidos de veinte emoticones “Love emojis”que se utilizaron en las vídeo llamadas y mensajes del día de San Valentín en el 2016.

“McCartney consideró que el proyecto es un reto “porque repentinamente tienes que comprimir en una interpretación musical una emoción en menos de cinco segundos”.”[2]

Es aquí donde las emociones se hacen presentes, donde una imagen que visualmente nos indica una emoción se ve fortalecida por un sonido, en este caso al no poder ver físicamente a una persona, esta pequeña creación digital transmitirá el sentimiento de quien lo está expresando. Pero ¿es necesario el sonido? ¿es necesario pagar millones de euros o dólares a un artista reconocido para crear los sonidos? Hasta la fecha desconozco si estén en uso los sonidos creados por Paul McCartney, lo que si sucedió, es que la empresa pago mucho dinero al ex Beatle para la generación de estos sonidos. ¿Es esta una apuesta a registrar el sonido dentro de nuestra memoria?

El mundo tecnológico esta volviéndose mudo, es decir esta prescindiendo del sonido. Mientras el sonido siga presente en nuestra memoria, existe, en el momento en que este sonido no vuelve a sonar, es decir es silenciado y reemplazado por el avance tecnológico, es olvidado.

De acuerdo con Hildegard Westerkamp en La naturaleza disruptiva de la escucha quien retoma las palabras de Jonh Hull autor del libro Touching the Rock: an Experience of Blindness, quedando ciego a los 40 años y que en 2001 en el Reino Unido dio un discurso durante un congreso sobre sonido, cultura y ambiente, hace referencia a que las personas asociamos el sonido a los sentidos,  en consecuencia generamos sentimientos a dichos sonidos:

Los sentidos tienden a establecer una división sujeto/objeto. Sin embargo, cuando ustedes miran de verdad son absorbidos/as por aquello que miran. Es lo mismo cuando oyen, cuando escuchan. Ustedes no son conscientes de estar a la escucha, pues son absorbidos/as por lo que escuchan, y así, desaparece la distinción sujeto/objeto. En otras palabras, ustedes escuchan con su corazón, pues se vuelven uno/a con el sonido. El sonido está dentro de ustedes, el sonido son ustedes. La ceguera me ha enseñado esto, y le estoy agradecido.[3]

Al perder la vista Jonh Hull quiere que entendamos que los sonidos forman parte de nuestro ser y que no somos consientes de lo que cada sonido significa en nuestro andar diario. Considero que de alguna manera Brendan Chilcutt se ve en la necesidad de crear un museo de los sonidos perdidos, ya que él relaciona estos sonidos con su pasado, con un sentimiento de pertenencia, de identidad y que no quiere que desparezca, que sea silenciado, que sea olvidado.

La vorágine en la evolución de las tecnologías cada vez más prescinde del sonido, otro ejemplo más es el de Facebook, esta red social no cuenta con ningún sonido que la caracterice, en cambio, el sistema de mensajería Messenger que Facebook adquirió, en los smartphone de Apple, tiene predeterminado cierto sonido que indica la llegada de un nuevo mensaje, y que si la persona dueña del dispositivo la escucha, sabe que ha recibido un mensaje específicamente de esta aplicación. Esto también sucede en otra aplicación muy conocida denominada Whatsapp, es decir, los sonidos que estas empresas deciden otorgar a sus aplicaciones son decisivos para la permanencia en la memoria de los usuarios.

Entonces ¿es el silencio un equivalente al olvido? No lo creo, pero al ya no estar presentes estos sonidos frecuentemente en nuestra audición, los olvidaremos momentáneamente, siempre y cuando el registro se haya queda en nuestra memoria es posible que al volverlos a escuchar,  los recordemos.

Las nuevas generaciones no saben que hace algunos años para poder conectarse a Internet se escuchaban ciertos sonidos provenientes de las conexiones telefónicas para poder tener acceso a la red y no creo que les importe mucho saber sobre eso, ahora todo tiene que ser sencillo y rápido. Platicando con un amigo sobre estos sonidos que se producían al conectarse al Internet, él me hizo consciente de un dato curioso, que no existía un sonido de desconexión de la misma.

Muchos sonidos que formaron parte de nuestro crecimiento desaparecerán. Estamos en constantes cambios y la moraleja de esta historia se centra en la cuestión de la escucha, de los sonidos, del silencio y cómo influyen en nuestra forma de ver, sentir y vivir la vida.

Quiero agradecer a neural xolotl por la recomendación de uno de los textos que utilice para este post y del cual él hizo la traducción.

 

[1] http://www.abc.es/20120715/medios-redes/abci-musica-inicio-windows-201207132007.html

[2] http://expansion.mx/lifestyle/2016/02/10/paul-mccartney-muestra-sus-nuevas-canciones-para-emoticones

[3] https://laboratoriodemusicalibre.wordpress.com/2016/09/17/la-naturaleza-disruptiva-de-la-escucha-por-hildegard-westerkamp/