DÍA MUNDIAL DE LA ESCUCHA – CDMX 2017

CONVOCATORIA

Como parte de las actividades a realizarse a nivel mundial por el World Listening Day, el Laboratorio de Música Libre (LML) convoca a sonidistas, artistas y personas interesadas en trabajar con el sonido, a compartir grabaciones relacionadas a la escucha del suelo, las cuales formarán parte de la actividad que compondrá el Día Mundial de la Escucha CDMX 2017, a realizarse en las instalaciones de la estación Mixcoac (línea 12) del Metro.

Las propuestas deberán considerar los siguientes puntos:

  • Se podrán presentar grabaciones de paisaje sonoro (en el sentido más amplio del término) que reflexionen sobre nuestra relación con el terreno que pisamos cotidianamente, sea la tierra, el concreto o la vegetación que pobla calles, banquetas, caminos y parques de la ciudad o fuera de ella, en búsqueda de otras posibilidades de relacionarse con el entorno urbano a través del sonido.
  • Se podrán enviar hasta tres grabaciones, cada una con duración de entre 2 y 5 minutos, en formato .wav.
  • Las grabaciones deberán ser enviadas, a través de un enlace de descarga (we-transfer, yousendit, google share o cualquiera similar), a la dirección de correo lml@lists.riseup.net junto a la siguiente información: nombre de quien participa, país y ciudad de procedencia (en el que fueron hechas las grabaciones), así como una descripción de la(s) pieza(s) que no supere las 50 palabras. Es importante no adjuntar los audios directamente al correo.
  • La fecha límite para el envío es el domingo 9 de julio de 2017.

Las grabaciones reunidas serán reproducidas durante la actividad de escucha que compondrá el Día Mundial de la Escucha CDMX 2017, a realizarse el martes 18 de julio, de 16:00 a 20:00 horas, al exterior de las instalaciones del Museo del Metro (estación Mixcoac, línea 12), con el objetivo de sensibilizar a la población y usuarios del Metro sobre la importancia del entorno acústico.

Asimismo, las grabaciones (con sus respectivos créditos) formarán parte de la documentación que se enviará al World Listening Project, y serán también integradas a un documental sonoro que el Laboratorio de Música Libre realizará después del evento.

Todas las grabaciones recibidas, siempre que respondan a los criterios mencionados, serán utilizadas. No habrá selección ni discriminación de ninguna contribución. El material que se reúna será, en su conjunto, publicado con licencias Creative Commons.

Anuncios

III. Re-surrección

r48NX1

Espectrograma, Jesu, Joy of Man’s Desiring, J. S. Bach, fragmento por PhonoGrafic, 2017.

El asunto ahora es retomar esas intenciones y esos sentidos para la concepción de una imagen nueva, así pues la imagen anterior es resultado de un primer reencuentro, ya que para desarrollar lo que aquí intento decidí primero reenfrentarme a estos procesos que había tenido en latencia la guitarra y el dibujo, a los que tenía tiempo sin haber recurrido, tal vez porque no habían sido necesarios o porque había encontrado otras formas o quizá por respeto, miedo o dolor, que realmente esto último me parece la razón más convincente que lo explica.

Así pues la imagen muestra el espectro sonoro de un fragmento de la interpretación que hice de “Jesu, Joy of Man’s Desiring” de J.S. Bach que se escucha en el audio adjunto, tenía por lo menos ocho años que no agarraba cualquier partitura e intentaba ejecutar, me hallaba más que oxidado, razón por la cual solo pude medio revisar la mitad de la obra y bueno hacer algunas pruebas, recuerdo de esa pieza la fluidez y concentración que me requería para su ejecución, así que en realidad se dificulto mucho el proceso sobre todo por la idea de grabar, mis dedos requieren tiempo para asegurar las digitaciones, en fin, fuera de ese aspecto creo disfruto mucho eso, construir una obra en la mente y aterrizarla en la guitarra, revisarla toda y en partes, subir y bajar por ella una y otra vez.

La idea de retomar la obra barroca en parte es por querer expresar ese sentimiento dramático que esta experiencia supone, emparejarla a su vez, con el sentimiento religioso que nos envuelve de momento, nunca he sido devoto acaso, pero el percibir de alguna forma la expresión de esos sentimientos, siempre me ha alimentado y en cierto punto a través de la creación me gustaría expresar esa parte.

Qué quiero hacer, se trata pues de volver a dotar de vida, cómo puedo lograrlo, son las preguntas fundamentales en este asunto, justo ahora creo que al revisar mis procesos, al retomar la guitarra al ver su imagen, creo que algo que deseo es que tanto el dibujo figurativo barroco de contrastes dramáticos y el espacio sonoro planteado por el sonido y sus paisajes expresivos convivan en un mismo espacio, pienso quizás en composiciones complejas basadas en obras barrocas pero también afectadas por la estructura del sonido en su gráfica, pienso quizás en escenas como “La resurrección de Cristo” de Rembrandt pero también pienso en Lazaro quien también resucito para sorpresa del mundo, pienso en esa atmosfera de desconcierto y temor a lo divino que podría crear el sonido y su imagen si participan de la escena, pienso en muchas cosas.

Por PhonoGrafic.

II. Re-concepción.

He40zI

2. Audición, lápiz y carbón sobre papel, PhonoGrafic, 2007.

Esta imagen, es el resultado de una re-concepción de los elementos que resultaban fundamentales en mi vida, es un proceso de muerte, duelo y re-concepción. He de decir que las primeras experiencias que me acercaron a el lenguaje plástico las tuve en las clases de dibujo con dos maestros a quienes más aprecio realmente, ya que ellos me pusieron ante lo que después pude dar forma en una búsqueda personal.

Recuerdo que mi primer maestro me enseño el dibujo con guitarras, en una de las primeras clases me pregunto si era guitarrista, a él solo le bastaba observar para saber mucho de las personas o sus alumnos, ahora pienso que seguramente pudo observar mis uñas para saber que yo me dedicaba a ese instrumento. Pero la visión que él me brindo transformo la forma en la que yo veo el mundo. Cuando él me explicaba algo del dibujo, siempre lo comparaba con la ejecución guitarrística, él decía, por ejemplo, que un trazo en el papel por diminuto que fuera, vibraba sobre la superficie, de la misma forma que lo hace un pequeño golpe a la cuerda de una guitarra en una sala de conciertos y que la importancia del silencio y el espacio eran tan importantes como los trazos y las notas. En ese momento el tomar esas analogías de alguna manera fue la forma de asimilar el proceso de duelo por el que pasaba, en realidad en esa época, los primeros semestres de licenciatura, todavía me era muy reciente aquel sentimiento de frustración de no haber sido aceptado en las escuelas de música, y el trauma que me representaba haber realizado los exámenes ocho veces y jamás ser aceptado, de alguna manera el descubrir con sorpresa a las artes visuales y toda las experiencias a nivel artístico, estético y sensorial creo que fue lo que me permitió superar aquella añoranza.

Este dibujo lo realice como proyecto con mi segundo maestro quien de forma más experimental nos pedía que definiéramos un asunto para el dibujo, fue esto lo que me orillo a llegar a combinar toda mi experiencia, toda mi intuición y mis intereses para lograr esta imagen. En realidad partí de esta analogía de sonido y trazos, silencio y espacio, pensaba entonces que cada trazo era un sonido o que sonaba de alguna forma en el papel, que resonaba y habitaba en él, porque a diferencia del sonido que transcurría en el tiempo, este sonido quedaba congelado en el lienzo, a esto llego entonces la imagen perfecta, mi hermana me mostro de sus avances en clases de lingüística aquella herramienta que plasmaba la imagen del sonido, el espectrograma, una huella del sonido que para el científico eran forma de ondas y frecuencias pero para mí, artista plástico, eran líneas, manchas, espacios y paisajes. Una vez entendido que así debía ser mi proceder al dibujar o mi manera de entender el dibujo entonces había que ponerse a dibujar, esta es una de las primeras imágenes que de igual forma me es muy significativa, porque lleva en sí una suma de experiencias, decisiones, dolores y disfrutes en perfecta contradicción y armonía.

Lo que hice fue lo siguiente, pedí a mi primo con el que vivía entonces, que utilizara el micrófono, fue entonces su proceder lo que me sorprendió, pues tomo el micrófono y en vez de decir algo, simplemente se lo llevo a la boca y grito de la manera más intensa que pudo, fue increíble. Pero la sorpresa fue aún mayor cuando me di a la tarea de ver la imagen que generaba la computadora, era una suerte de tormenta, una gran nube que flotaba y asechaba un gran suelo, claro, la imagen de un grito y su forma de tormenta, es ahí cuando ya estaba todo hecho, todo ya tenía sentido, entonces procedí a ejecutar el acto de dibujar, dibujar un sonido con forma de tormenta, dibujar el sonido de una tormenta, una resolución que debía ser tormentosa pero apasionante a la hora de trazar, de la misma forma como lo era para mí el alejarme de la música como yo lo deseaba y aprender a concebir otras formas del arte. Finalmente estaba hablando de lo mismo, ya podía expresar lo mismo con sonidos o con manchas, en espacios y en silencios, había encontrado un espacio donde no importaba el medio en el que se expresara, sino lo que esto simboliza y hace sentir.

PhonoGrafic.

Monólogo. La re-concepción de sí mismo. Compartir un proceso creativo en la semana de muerte y resurrección

Por PhonoGrafic.

A lo largo de los siguientes días como mi colaboración al blog de Armstrong Liberado, me he propuesto a mí mismo compartir y exponer el proceso por el cual quiero re-concebir uno o varios procesos creativos que me han acompañado durante poco más de diez años que me he dedicado a la creación artística, que por una u otra razón han estado presentes por momentos, en relevos, tal vez unos más constantes que otros, pero creo que al final su existencia es fundamental en lo que actualmente hago y en la manera en la que veo y vivo el mundo. Por otro lado en mi entorno se respiran por su cercanía asuntos de perdida de interés, depresión, re-concepción, re-surrecciòn que me ameritan un examen personal que por alguna razón, esta vez será en cierto grado público.

I. Muerte

PhonoImage01

El entierro del conde de Orgaz, El Greco, fragmento 22x40cm, lápiz sobre papel, P:A. PhonoGrafic, 2005.

La imagen anterior es un fragmento de una réplica a lápiz de “El entierro del conde de Orgaz” del Greco que realice en el año 2005, es uno de los pocos trabajos figurativos que realice una vez en la carrera de Artes Visuales y es anterior a que empezara una búsqueda para combinar lo plástico y lo sonoro, es un trabajo que me dejo satisfecho en su momento pero que en realidad tiene una carga emotiva muy fuerte a nivel personal.

Si bien el tema de la muerte está presente en la obra al narrar el milagro en el que San Sebastián y San Agustín bajaron del cielo para enterrar ellos mismos al Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz como premio a una vida ejemplar, también en la obra original se contempla una imagen del juicio donde se ilustra la aceptación de su entrada al cielo. El trabajo que realice fue encargo final de una las materias que entonces cursaba, sin embargo su realización se entrecruzo con una vivencia a nivel familiar muy fuerte, el fallecimiento de mi abuela materna, la simultaneidad de los hechos es tal que recuerdo dos momentos fundamentales en los que trabaje este dibujo, el primero durante las tardes de guardia en la clínica donde estaba internada mi abuela, recuerdo sentarme junto a su camilla después de platicar acaso un poco con ella y esperar pasar el tiempo mientras continuaba con mis trazos sobre el papel. Y el otro es junto a su ataúd durante su velorio a lo largo de toda la noche. Mi abuela pintaba, ella me heredó sus pinceles y pinturas, aunque en realidad ella siempre quiso persuadirme de que abandonara mi idea de dedicarme a la música o al arte y esas cosas que eran buenos pasatiempos nada más. El día de su velorio, lloré toda la noche, lloré mientras dibujaba y pensaba en todo lo que representaba la muerte de mi abuela, lo que implicaba para mis tíos y sobre todo para mi madre, quien me sorprendió por su forma de enfrentar la muerte y mostrarme que la vida seguía después de su muerte, que nos tocaba continuar. Sin embargo la imagen que más rondaba mi mente aquel momento era el día en que decidí regalarle un retrato de mis papás, mi hermana y mío, porque ese día dejo decirme que me dedicara a otra cosas, después de ese día me dijo que adelante, que hiciera eso que sentía y que me iría bien.

En realidad con ese trabajo ahora entiendo el lenguaje plástico y su nivel simbólico, entiendo que cada uno de los trazos que depositaba mientras dibujaba, eran el reflejo de lo que sentía, de lo que pasaba, de mis recuerdos y de todo eso que era mi abuela, la imagen entonces va más allá de la vida.

Dialŏgus. Arte, imaginación y pedagogía Por Yeimi Roa e Iván Navarrete

Un diálogo es una forma de comunicación verbal o escrita en la que se comunican dos o más personas, en las que se realiza un intercambio de información, sin embargo los griegos lo instauraron como género literario para tratar de explorar un tema o llegar a una conclusión sobre el mismo. El diálogo en sí aloja dos ejercicios fundamentales para los conceptos del arte y la pedagogía, comunicar y aprender.

 ¿Cómo es que dialoga un artista con el espectador, cómo dialoga un maestro con su pupilo y viceversa un espectador con el artista o un alumno con su maestro?  En todos los casos son más que palabras las que se intercambian, porque las imágenes que se transmiten entre ellos están compuestas de existencia. A esta cuestión también vale agregar ¿Cómo dialoga el arte y la pedagogía en voz de quienes la ejercen?, cómo intercambian y debaten mientras conciben el arte de la pedagogía de la imaginación?

De eso trata este diálogo a continuación presentado:

 Una vez indicada la actividad, ambos maestros salen del aula y se disponen a  compartir sus inquietudes respecto al trabajo con los alumnos en el módulo de Improvisación (Composición en tiempo real) del Diplomado de Live Cinema & Arte Sonoro: Estudio exploración y creación audiovisual en tiempo real, mientras caminan por los pasillos de la Antigua Academia de San Carlos:

I

Es necesario prestar mucha atención a lo que sucede allá dentro.

Y

Eso es lo que se hace, pero lo más importante es que nuestras miradas son distintas.

I

Y por eso mismo es que tenemos que compartir puntos de vista e inquietudes.

Y

Yo tengo muchas, pero me gustaría escuchar primero, para saber de dónde partir…

I

No es cosa fácil  pero haré un esfuerzo por plantear un asunto que siempre me ha hecho ruido,      me podrías explicar si se puede entender desde la pedagogía a los procesos artísticos como detonadores de aprendizajes, sin que esto implique convertir los recursos artísticos en recursos didácticos

Y

Ese es todo un asunto, pero puedo empezar por señalar que la finalidad de un recurso didáctico es facilitar la labor del docente en cumplir con sus objetivos exitosamente. Es fácil reconocer un proceso artístico que ayude en el aprendizaje, a un recurso didáctico, el segundo ha sido diseñado precisamente para eso, mientras que el  proceso artístico es la actividad creativa que intenta comunicar activamente a los demás mediante la música, imágenes, lo plástico, etc. Podría considerarse entonces un plus en el proceso artístico que ayuda a comprender aspectos meramente informativos tanto como aspectos más esenciales de lo humano.

 Una persona que lleve a cabo un proceso artístico es capaz de entender no sólo técnicas, también datos sobre momentos históricos en donde se utilizó la misma técnica, lo que se ha escrito sobre ello, cómo podría usarlo en su vida escolar y personal. El ser humano es integral, por lo que no hay sólo una reacción ante una provocación, cualquiera que sea su objetivo, un proceso artístico es capaz de desarrollar otros más por la manera en que se presente y condicionada por la historia de vida de la persona.

 Este asunto de inmediato me lleva a preguntarme entonces, y que bien porque ya sé por dónde seguir,  desde tu perspectiva ¿qué crees que caracteriza a un proceso artístico frente a otro (no artístico), y en qué  momentos  de las actividades desarrolladas durante las sesiones se hacen evidentes?

I

Aunque prefiero ver a los procesos o fenómenos desde la intermedia, bajo su potencial de observarse desde distintas perspectivas, creo que cuando se enfocan las intencionalidades estéticas o artísticas que generan  dichos procesos, es cuando se puede hablar de que un proceso es artístico. Estas intencionalidades del arte, en primer instancia las puedo referir a lo que Kant llamaba “el fin sin fin del arte”. Sin embargo dentro del trabajo realizado durante las prácticas del módulo de Improvisación, se puede afirmar que cuando la intención de un proceso en este caso de un proceso artístico es trascender las intencionalidades artísticas  y detonar en sí procesos de aprendizaje o sea sumergirse o devenir en procesos pedagógicos, creo que este “fin sin fin” se concreta en la trascendencia de una esfera a otra, un cambio dimensional.

Y creo que el diplomado en sí se basa en una premisa: sólo  hay una manera de aprender a hacer arte…haciendo arte.

Y

Pero entonces, explícame si un proceso artístico puede plantearse, ¿cuál  sería su objetivo?, ¿se puede enseñar a hacer arte o sólo provocar ideas aleatorias?, ¿cuáles  eran las pretensiones  de este módulo en el diplomado?

I

Como mencionaba la finalidad del arte  puede basarse en “el fin sin fin”, en el sentido de que el arte es desinteresado y falto de una clara funcionalidad. Sin embargo, sucede que los fines artísticos son de orden humano, que se sale de las reglas de la lógica y la razón, parámetros por los cuales el hombre ha intentado entender al mundo, por lo que los intereses del arte son otros, quizás más enfocados a crear y compartir experiencias de vida, fuera de la cotidianidad, explorar las posibilidades del mundo hacia fuera y hacia dentro.

Los conceptos de ‘hombre’ y ‘arte’ están intrincados, así como entre los animales se muestra a las crías a ser tal, conejo  a ser conejo, caballo a ser caballo y todo lo que esto implica, el hombre tiene la capacidad de hacer arte, por lo que tiene la capacidad de enseñar a hacer arte, o más bien a despertar la capacidad artística de otro ser, ya que ésta está  inserta en cada ser humano la cual  le permite este nivel de expresión.

 Primordialmente el módulo improvisación plantea generar accesos directos al imaginario (sonoro, visual, espacial, corporal) mediante la práctica artística de la improvisación sonora.

En este sentido me es necesario cuestionar entonces ¿cómo se puede explicar desde la pedagogía, que la falta de una imagen resulte en inacción y pasividad mientras que por el contrario la generación de imágenes e imaginarios individuales y colectivos es el mejor detonador de procesos creativos y trabajo en equipo?

En ese momento una rafaga de aire empezó a remover las hojas del gran árbol bajo el que reposaban, se hacían evidentes los choques de hojas como improvisaciones del viento, ambos subieron la mirada percibiendo la luz intermitente que se filtraba entre las hojas.

Y

Ese respiro me ha traído a la mente la imagen que un alumno me compartió “Se imagina el cambio como un infante que imagina otros “mundos posibles” y que decide creer en una infinidad de cosas que el adulto racional desecha inmediatamente” (Medina 2017)

 Es casi natural la acción de generar  ideas e imágenes a  partir de otras, puede decirse que  en todo momento generamos imágenes que provienen de otras, por lo que difícilmente se puede caer en un estado de inactividad o pasividad, al menos mental. Una persona que observa detenidamente las fotos del viaje de un conocido y se ve disfrutando en sus vacaciones en ese lugar, un grupo de emprendedores que piensan que podrían aportar algo en el mundo empresarial con sus diferentes ideas, una imagen puede provocar un sinfín más, pero lo importante no se estanca ahí, se trata de ir más allá, llevar a la acción aquello que se está imaginando y llevarlo a lo tangible, lleva más tiempo cumplirlo, pero se puede.

 Esto lo puedes entender si se pregunta ¿cómo se sabe que las acciones de los participantes  del diplomado durante una improvisación  sonora son producto de un buen entendimiento de este método (improvisación) y no por el simple hecho de hacer algo durante la actividad?

 I

Cierto, porque el simple hecho de intentar supone un ejercicio de generar imágenes, realizar una valoración de su pertinencia, hacer analogías basadas en la prueba y el error, escucharse y escuchar al otro, empezar un diálogo… mientras que la inacción supone la falta de imágenes, finalmente la práctica de la improvisación no es un asunto de entendimiento sino un llamado a la acción… Improvisar supera la idea de error, ya que al no existir expectativa, tampoco hay error…

Pero entonces a tu manera de ver  ¿cómo se puede entender y constatar  en los resultados del módulo de improvisación, que los alumnos lograron encontrar y crear accesos directos a su capacidad de generar ideas e imágenes con respecto a su entorno y articularlas en diversos tipos de argumentaciones  (verbal, formal, musical, sonora, visual, espacial, corporal)?

Y

Por la manera en que lograron completar las actividades  que se planearon para el módulo. Provenientes de diversas carreras, con distintas habilidades y objetivos, lograron con ayuda de un poco de provocación y orillados por la necesidad de a completar las actividades, pudieron realizarlas, exitosamente, con  la ayuda de su experiencia previa en la vida, personal y académica.

De una u otra forma, todos vivimos experiencias que pueden coincidir en lo que nos provocan y nos dejan como huella personal, es por ello que se pueden retomar con la provocación adecuada, así que los resultados fueron satisfactorios.

 I      

¿Crees que la abstracción misma de trabajar con el concepto de la imaginación , desde las concepciones de la libertad , los mundos posibles, la incidencia política, la realidad y la ficción, genera cambios en la conductas creativas y colaborativas, influyendo en el autoestima y la integración social de los alumnos?

 Y

Claro, porque los simples conceptos hablan sobre movimientos e ideas en acción, provocan reacciones, cuando los pensaron, lograron percatarse de las implicaciones y las cosas que daban por sentado.

El impacto en la autoestima se nota cuando logran visualizar sus propias ideas en proyecciones reales y tangentes, hacen conscientes sus habilidades para realizar las cosas que logran pensar y que inclusive pueden cambiar o impactar a terceros, a su entorno, así que pueden incidir en él e integrarse como crean pertinente, a pesar de lo que se diga o piense sobre él, si está seguro de que es lo que quiere hacer, lo hará sin importar las consecuencias.

¿Cuál sería el punto que hace evidente que los chicos asimilaron  los procesos artísticos  junto con los conceptos que se manejaron durante las sesiones y por qué?

 I

Cuando el alumno es capaz de concientizar que los procesos creativos del arte parten de la capacidad de generar imaginarios, de tal forma que identifican cómo pueden provocarlos, recuerda, ellos mismos expresaban: “Es fundamental que cada uno de nosotros tenga curiosidad de preguntar, de señalar y dejar de sentir vergüenza de ser una mente libre al cuestionar al mundo, porque de los cuestionamientos surgen imaginarios los cuales podremos hacer realidad…”(Alcaraz 2017)  Entendiendo de esa manera el contexto en el que se han desarrollado:

 Las instituciones te limitan; en el sentido de la improvisación, resuelven los problemas de una forma racional y mecánica, nunca piensan en otro recurso como la imaginación (la marginan), no ven la improvisación como una forma de aprendizaje. (…) Quizá esa marginación sea una forma de control, para aceptar las cosas como “son” y no hacer preguntas. (Lorenzo 2017)

 Para finalmente darse cuenta que cuestionar es la puerta de entrada para los procesos artísticos y pedagógicos, es entonces cuando empiezan a plantearse: “¿Hasta dónde puede llegar un performance?” (Consuelos 2017) para encontrar la finalidad de una pieza artística, recuerda ese ejemplo en la clase, la escena de Sound of Noise, Money 4 U Honey  y lo que los alumnos refieren de ella:

Robar un banco sin robar dinero y destruir el dinero de una forma tan poética que el público al final quiera destruir sus propios billetes, Amor eléctrico es una de las escenas que nos muestra los riesgos que asume uno como artista al realizar una acción y llevarla hasta las últimas consecuencias, que la gente crea que es un atentado artístico para ver si de esa manera algún alienado despierta mediante un shock cultural a su sociedad hipócrita. Hagamos pues un esfuerzo de imaginar un mundo posible para poder conseguir la verdadera libertad. (Bollas 2017)

 Porque están aprendiendo por su propia experiencia que la expresión artística, es la expresión de lo humano:

 Cuando se quiere usar la imaginación para expresar algo en esta forma, se necesita usar la metáfora para meterle sentido a estas ideas con energía y carga,  para qué se pinta un cuadro, para el que lo expresa, y cualquier otro espectador. Hay muchas resonancias con quien lo entiende[…]El mundo interno del humano es mucho más expansivo que el cuadro del lenguaje convencional, por eso se tiene que romper ese límite.(Flores 2017)

 En esta reflexión se hace evidente que se  vuelcan en un cuestionamiento de los límites propios auto impuestos o inmersos en sus contextos sociales y lo expresan, solo recuerda sus voces:

[…]cuando éramos niños la imaginación era nuestra mejor amiga nos daba acceso al mundo de los juegos, nos permitía explorar las realidades humanas, nos ayudaba a crear y modificar nuestras pequeñas teorías acerca de la vida y era la vía por la que conocíamos el mundo, en nosotros tenía cabida un acuerdo bilateral de fantasía y realidad con ambos se construía nuestra actividad creativa e íbamos por la vida ideando un montón de cosas sin preocupación alguna pero ¿qué le pasó a aquel espíritu libre? La respuesta, se enfrentó al inevitable proceso del crecimiento […] (Bolaños 2017)

 No apesta, huele a espíritu joven, a acciones desmedidas; porque es exactamente lo que estos pretenden: conocer sus límites y desafiarlos.[…] Hay respuestas que solo desde el arte pueden ser alcanzadas,  lo que queda de revisar Noviembre, Sound of the Noise  y Filosofías del Underground es un excitante llamado a la acción, un deseo que no debe engendrar pestilencia. (Medina 2017)

 Sin embargo, a lo largo de la historia han surgido siempre personajes que han construido su experiencia y entrenado su percepción a partir de su deseo de ver lo que existe como podría ser y no como supuestamente es, de no aceptar pasivamente la realidad que les ha sido dada y de tratar de ver el mundo con los ojos de la eternidad. La herramienta fundamental que da la fuerza vital a ésta empresa es la imaginación. […]La imaginación es en todos los casos el punto de partida y el punto de llegada de la creación artística. La posibilidad de mejorar el mundo está en la capacidad de desearlo, el arte tiene como finalidad señalar y potenciar esta capacidad. (Carreón 2017)

 Ella se quedó  pensando en todo, mientras mojaba su brazo en el río que fluía y sonada ante ellos, aunque ambos sabían que esa improvisación acuosa no era otra que la que brotaba del aula en la que los alumnos trabajaban.

 I      

Bueno y finalmente ¿cómo crees que trabajar el imaginario sonoro a través de la improvisación para generar argumentaciones y refutaciones en tiempo real a nivel sonoro y musical pueda ayudar a construir una proyección del imaginario colectivo a manera de utopía, como motor hacia la transformación?

Y

Sólo es un primer paso para desarrollar confianza en que sus acciones son válidas y provocan algo, si logran crear obras, también cambios sociales. Es un ejercicio de prueba: a través de la improvisación, con la ayuda de su imaginario sonoro, logran hacer intervenciones válidas y en total consciencia del porqué lo hacen y las consecuencias que traerán. Recuerda lo que comentó otro de los alumnos:

 La experimentación puede ser confundido como un proceso mediocre de lograr crear algo con pocos elementos o bagaje. Cuando en realidad es un método, que de acuerdo al bagaje, y experiencias personales del creador, le permite improvisar con un verdadero nivel de arte moldeado por la imaginación (Vaquerano 2017)

 De la misma manera pasa en el ámbito social, cada uno crea ideas que piensa que deben ser las correctas, hay un consenso y se procede a la acción, se trata de actuar en tiempo real y no hay mucha planeación la que se puede hacer, es por ello que las mejores ideas en el imaginario deben ser las que se proyecten de la manera en que mejor satisfagan las necesidades sociales, para todos, aunque es difícil de lograr, nunca se debe dejar de trabajar en los imaginarios ni en las utopías.

 […]una plataforma de posibilidades al conectar, unir y entrelazar lo real de lo ficticio para crear un estado de libertad, despierta al de a lado para juntos poder imaginar 80 mundos en un día o todos los sonidos del universo en un abrir y cerrar de ojos, la imaginación es energía y la energía crea formas, por eso es incomprensible para algunos el hecho de salir de esta rutina para embarcarte a una experiencia diferente que nutre e inquieta tu percepción del mundo…libertad con b como proceso subjetivo que cada individuo radia, imagina,  cree y lucha para que todos lo puedan alcanzar. (Bollas 2017)

 Y a todo esto ¿consideras importantes los procesos pedagógicos en un diplomado como este?

I

Por supuesto, al grado de replantear que la intención de la obra de arte propia sea detonar procesos de aprendizaje, que el proceso creativo sea un proceso de aprendizaje y que el aprender sea la esencia del proceso artístico.

 Al terminar esta última frase, ambos asintieron con la cabeza que sus inquietudes habían quedado satisfechas en aquel momento, retornaron hacia el aula a presenciar el trabajo de los alumnos, pero con plena conciencia de que hay mundos posibles que solo se pueden imaginar junto a otro, en una plena co-incidencia.

https://vimeo.com/user16161963

Trabajos citados

Alcaraz, Tonatiuh. «La realidad en nuestra realidad.» CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte Sonoro, 5 de enero de 2017.

Bolaños, Brenda. «Imaginación y libertad.» CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte Sonoro, 5 de enero de 2017.

Bollas, Juan. «Eres libre en lo que se te demuestra lo contrario.» CDMX: Diplomado en Live Cinema & Artes Sonoro, 5 de enero de 2017.

Carreón, Alejandro. «Realidad/ficción, libertad e improvisación.» Reflexión sobre las películas “Sound of Noise”, “Noviembre” y el ensayo “Filosofías. CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte Sonoro, 5 de enero de 2017.

Consuelos, Andrea. «Reflexión.» CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte sonoro, 5 de enero de 2017.

Flores, Juan. «Reflexión sobre el alfabeto de la imaginación.» CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte Sonoro, 5 de enero de 2017.

Lorenzo, Suymar. «Reflexión sobre realidad/ficción, libertad e improvisación.» CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte Sonoro, 5 de enero de 2017.

Medina, Issac. «Libertad, improvisación, realidad y ficción.» Reflexión breve sobre el texto Filosofías individualistas, Noviembre y Sound of Noise. CDMX: Diplomado en Live Cinema & Arte Sonoro, 5 de enero de 2017.

Vaquerano, Ulises. «Reflexión.» CDMX: Diplomado en Arte Sonoro & Live Cinema, 5 de enero de 2017.

 

 

 

 

 

 

 

Hacia una pedagogía de la imaginación

Una estrategia artística-pedagógica basada en la aplicación de la imaginación creativa dentro de la práctica de la improvisación sonora

por Yeimi Roa e Iván Navarrete

Todo depende del cristal con que se mira, si nos ponemos a analizar cada proceso o actividad que día a día realizamos, podemos visualizar procesos de cualquier tipo: los artísticos y pedagógicos no son la excepción. Cabe aclarar que es más sencillo identificar estos procesos si de alguna manera hay cierta intención en que estos sucedan. Un proceso pedagógico es fácil de identificar si hay aprendizaje de por medio, pero siempre irá más allá de acumular información y ya, la carga ética es lo que la hace especial. Mientras que un proceso artístico puede tomar multiplicidad de formas, siempre conlleva en sí provocar una experiencia estética. Aquí se propone generar aprendizajes mientras se plantean estrategias de provocación estética, más aún, que la experiencia estética sea el aprendizaje y que el hecho estético sea aprender.

La intención que detona este trabajo es plantear y analizar una estrategia artística-pedagógica basada en la aplicación de la imaginación creativa dentro de la práctica de la improvisación sonora y el escenario para esto fue el Módulo VI. Improvisación (Composición en tiempo real), del Diplomado de Live Cinema & Arte Sonoro: Estudio exploración y creación audiovisual en tiempo real, de la Academia de San Carlos de la UNAM.

Con un grupo promedio de 20 personas, de carreras en Artes visuales, Diseño y Comunicación Visual y Comunicación, se comenzó un nuevo planteamiento, tanto en contenidos, como en el programa, con ideas e inclinaciones distintas poco a poco se han concretado los objetivos a alcanzar y aunque los participantes estén posicionados desde distintos puntos, han logrado entender y apropiarse de los procesos, contenidos y habilidades surgidos. Esta manera de plantear el programa, surge de la idea de una imaginación pedagógica. La pedagogía de la imaginación intenta cerrar las brechas que la memoria y la razón por sí solas han dejado, mediante imágenes crear nuevas ideas y formas de concebir la vida y evidentemente, puntos más particulares de ella. Aprender de lo que las ideas nos ofrecen, no sólo memorizar contenidos y llegar a conclusiones lógicamente perfectas, la pedagogía de la imaginación ofrece un abanico de posibilidades que poco se explora y que en el caso de este taller, se busca rescatar y tomar como eje pedagógico en su planeación.

El taller hasta ahora ha logrado dar forma a varios procesos, todos ellos tan ligados uno al otro que es más sencillo explicarlos a la par. Se realizaron varias técnicas, dinámicas y actividades que apoyaron a la realización de los objetivos del taller, por ejemplo:

El primer acercamiento a la improvisación fue abordarla a través de un tema de interés general, ya que se requiere el reconocimiento de saberes que son necesarios al momento de improvisar, aunque pareciera que no se sabe mucho sobre cierta idea, si se empieza con un aspecto general, es muy probable que nos lleve a aspectos más específicos, ideas puntuales que hemos visto antes pero por no sernos de mucha importancia, las ignoramos en el momento, sin embargo aquí se reúne la información, se reestructuran las ideas y se expresan de la manera más coherente y funcional al tiempo de la exposición.

Para después confrontar las visiones subjetivas en un debate de improvisación, en el cual se debe tener un reconocimiento del pensamiento para abordar la argumentación y refutación de ideas y entonces dirigir el discurso, actividad compleja que requiere la honestidad necesaria para aceptar lo que se sabe y lo que no.

En el caso específico del reconocimiento de habilidades, puede ayudarnos identificarlas para posicionarse estratégicamente en cualquier circunstancia en particular, saber si se tiene la habilidad de cerrar un debate o de cuestionar los argumentos de los contrincantes, o en general si se sabe tocar la guitarra en un concierto de improvisación y si no, cómo o con qué se va a tocar, qué recurso inventar o qué hacer si algo inesperado pasa; habilidades útiles tanto en un ambiente controlado e intencionado, como en un momento común de la vida cotidiana.

El reconocimiento del entorno y aprendizaje de otras personas, se ejercitaron en la convivencia con Armstrong Liberado, al ser un colectivo de improvisación con particular interés en la exploración sonora, compartieron con los miembros del diplomado ejercicios con respecto a la práctica de la escucha, aplicada a la improvisación sonora, ellos partieron de un enfoque en el que los objetos fueron tomados por esculturas sonoras (con capacidad de producir sonido) por lo que la más sutil manipulación implicaba ya la generación de sonido y de esta forma abrir la percepción auditiva de los participantes, así como alterar la forma en la que físicamente uno se relaciona con los objetos, cómo el sonido de cada objeto y nosotros produciendolos nos relaciona con el entorno y así mismo lo transformamos; puede sonar sencillo, pero la trascendencia personal que tiene llega a ser tal, que hace del individuo una mejor persona, no sólo se trata de poseer información, sino de avanzar con ella y a través de ella, se aprueba uno mismo al plantearse frente al otro o a lo demás, se llega a una relación armónica.

Mundos Posibles propone para sí misma la forma de un Monumento Sinfónico, pensada para ejecutarse por Orquesta de Esculturas, que sólo ve salida a través un monumento a la imaginación y a sus posibilidades, la idea es simple aunque compleja en sí, una obra sonora, basada en argumentaciones sonoras y musicales improvisadas por ejecutantes no músicos, en su mayoría, quienes bajo dirección manipularon y transformaron la materia para crear esculturas sonoras, usar objetos sonoros o instrumentos musicales y con ellos proyectar ciertas ideas o intenciones solicitadas en el guión de la pieza. En esencia se busca provocar imágenes mentales individuales, para después proyectarlas a través de la ejecución, esto bajo la guía pertinente que busca siempre que en conjunto se logre proyectar el imaginario colectivo, provocando al público a apropiarse y reinterpretar estas imágenes. Es una pieza que se sostiene en la tensión dialógica de la improvisación, una pieza que se desarrolla durante la performance, pero implica una multiplicidad de procesos artísticos y pedagógicos, individuales y colectivos antes, durante el montaje y la ejecución y posteriores a estos, procesos que implican aprender y desaprender concepciones de lo musical, lo artístico, lo sonoro, lo individual y lo colectivo.

Estos son algunos de los procesos que se han llevado a cabo, pero existen momentos más específicos que también se pueden rescatar. Situaciones en las sesiones como ensayos con la voz o con algún instrumento u objeto sonoro, ejercicios que implican la escucha, la imaginación sonora y la proyección vocal para llevarlos a prácticas de improvisación son ejercicios que ayudan no sólo al reconocimiento de conceptos nuevos, sino también al desarrollo de seguridad de los participantes, aspecto útil en la vida personal y social de cualquier ser humano, que en la mayoría de las situaciones, no se da en un sistema donde se está al pendiente de destacar el error.

La improvisación dentro de la educación artística formal y más aún en las artes plásticas no es una práctica difundida, de ahí el agradecimiento a espacios como Live Cinema & Arte Sonoro que acoge este proyecto y encuentra espacios dentro de la Academia para difundir estas prácticas. Las cuales desde nuestra perspectiva crean accesos rápidos y directos al imaginario individual y canales y redes en el imaginario colectivo para lograr proyecciones en formas artísticas, vitales y cotidianas. Poco a poco se lleva al participante a proyectar sus ideas en hechos reales y concretos, llegar al entendimiento de que esas ideas pueden traspasar lo que sea si es que así lo desean, retomar el control que les pertenece sobre las decisiones y sus bases, que al final de cuentas, sus actos tienen consecuencias que suenan y hacen eco en otros y se logran ver en un mejor porvenir.

Catálogo de Software Libre

Recomendada página, Perfecta para explorar e iniciarse en el mundo del Software Libre. Los programas están disponibles para Windows y Linux. Abrazo Colectivo! 😀

Estas son las categorías en las que están clasificados los programas incluidos en cdlibre.org. Haz clic en cada categoría o subcategoría para ver los programas correspondientes. También puedes buscar en este catálogo por cortesía de Google.

Pokemón Go,la Taradez Humana y la Ciudad Zombie (Parte 1)

Pokemon-Go-Argentina-inmediata-graciosos_CLAIMA20160804_0119_28 (1)

Dibujo de Pawel Kuczynski

Cuando era adolescente, habia un anime que me gustaba mucho, estoy hablando de “Pokemon” (si ese anime que a todos recuerda nuestra melancolica infancia) serie donde un joven tiene como objetivo en la vida, de convertirse en el “Maestro Pokemón”. Este personaje parte a una corta edad del pueblo Paleta para vivir un sin fin de aventuras y desafios, todo al lado de su fiel amigo Pickachu (mascota dificil de atrapar en el nuevo juego popular: “Pokemón Go”).

tumblr_mqogfkcGuq1sp9jfao1_500 (1).gif

Ash Ketchum y Pickachu

Pequeñas Dosis de Razonamiento Libre

Pensaran que es un análisis suspicaz hacia este nuevo entretenimiento exitoso, pero no es asi, se trata de una reflexión abierta y preocupacional sobre la humanidad.

Ese vacio personal y espiritual de dejarse controlar por los dispositivos electrónicos y las aplicaciones triviales del teléfono. Implica dependencia en una supervivencia estéril entre pares.

Atrás quedo la coexistencia humana, proyectado a los paseos con amigos, a la entrega de algún hobbie, el momento con la familia.

La tecnologías se estan apropiando de la humanidad, y cada vez resulta más complicado redimirla.

La Influencia de las Corporaciones Privativas y el Globo Fantasma

Screenshot_20160805_082445.png

Diario Argentino: EL Doce.Tv

Esta imagen llamo mi interés, la presencia imponente de las instituciones individuales con desesos personales de poder, ingresan a pasos agigantados en la dimensión de lo cotidiano. ¿Pero cual es el objetivo de estas industrias? Creo que su propósito es claro. Imaginen a niños de tan solo 5 o 6 años que van a ser el futuro del país, o del mundo por el progreso y porque no la paz mundial al convertirse zombies de esta inestabilidad emocional por el nuevo objeto folcklórico. Se cae en una doble moral, al saber que la gente mayor debe dar el ejemplo, pero son los adultos que impulsan la demagogía de esa virtualidad.

No se trata de apuntar a nadie con el dedo,no todo es malo pero ni tampoco bueno, hay que buscar un balance en lo se que se pretende de nuestra existencia. La capacidad de decir “No” sin caer en la vergüenza o en el repudio del conjunto autómata. Actuar con conciencia sin depender de lo que me impone las empresas.

Lo Esnob

Screenshot_20160805_082528.png

Libreta de Calificaciones de uno de los alumnos sancionados del Colegio Porteño.

Ahora traslademoslo al campo educacional, practicamente es el área que todo docente se siente Ash Ketchum al intentar conseguir la atención de sus alumnos a la hora de trasladar los conocimientos básicos. Creanme que es un reto constante del día a día, es la repondabilidad de cada educador que mantiene firmemente la esperanza de hacer un cambio, aunque no se tiene el apoyo necesario de los padres o tutores del chico/a en cuestión, justificando al juego como algo “inocente”. Esta claro que no lo es. Y es ahi cuando estos organismos entran a la escena, pretendiendo que esas inutilidades del consumismo inexplicable e inecesario se conviertan en una sumisión ante los ojos de las personas.

Screenshot_20160804_153407

Diario Argentino: la Nación

La retroalimentación por el empleo de los artefactos trending de parte de las figuras públicas y la actitud complice de los periodistas generan en las personas un estimulo obediente y absurdo donde agrava la situación, porque aunque nos parezca inverosímil, los medios masivos son la puja perfecta para adaptarse a esta docilidad.

 

Publicidad de Musimundo: Axel (Figura Pública)

Screenshot_20160804_151824

Fede Bal (Figura Púbica)

Para EL Oscuro Heraclito Efeso:

A todo hombre le es concedido conocerse a sí mismo y meditar sabiamente”.

En mi opinion personal, deberiamos tomarnos varios minutos del dia para meditar, y con esa paz interior razonar en lo que realmente necesitamos, que propósitos en la vida queremos alcanzar, de conocernos a nosotros mismos. Pretender que no haya un desgaste emocional insignificante si no tienes un like en facebook o en la desilución de no capturar u obtener un Pokemón. Abarquemos terrenos desconocidos de la música, de la escritura, del arte , atrevamonos a ir por lo irreconocible, lo extraño, conservemos la cordura y la mente lúcida. No nos dejemos persuadir, la resistencia de la minoria es suficiente para expresar el rechazo por algo que la multitud lo considera razonable. Valemos más de los que nos dice una etiqueta.

En este momento en cada rincón de algún lugar, los soñadores/as estan contribuyendo con su granito de arena para renovar el mundo, de enriquecerlo con conocimiento, de hacerlo diferente.

Y para terminar, una frase más de Heraclito Efeso:

“Lo sabio es la meta del alma humana y a medida que se avanza en sus conocimientos, va alejando a su vez el horizonte de lo desconocido”

Seamos sensatos…

 

 

 

“Tocar” la Música. Laboratorio de Escultura Sonora Baschet (I Parte) | BARBARA SANSONE

Entrevista tomada de: 
http://interartive.org/2012/02/laboratorio-escultura-sonora-baschet-entrevista/

Son extraños, vistosos, hechos de cartón, láminas de aluminio, barras de vidrio, sutiles varillas de metal. Son bellos a la vista, pero sobre todo dan ganas de tocarlos. La ambigüedad del verbo “tocar”, entre entrar en contacto y hacer sonar un instrumento, parece inspirada por ellos. Basta rozarlos con los dedos apenas húmedos para que emitan magníficos sonidos, de esos que los instrumentos tradicionales sólo podrían igualar tras años de dura práctica. Se trata de Cristal Baschet y de otras obras de los hermanos François  y Bernard Baschet.

Martí Ruids y François Baschet. Foto de Roseta Marí.

Las investigaciones de los Baschet empezaron a principios de los años 50 y rápidamente los convirtieron en pioneros de la escultura sonora, además de muy reclamados entre músicos, compositores, directores experimentales como Jean Cocteau y museos de vanguardia como el MOMA, dirigido entonces por Alfred Barr. La idea derivó de la guitarra hinchable que se construyó François para poder transportarla cómodamente en sus numerosos viajes. El hecho de que sonase tan bien le llevó a interrogarse sobre el funcionamiento de los instrumentos musicales y, junto a su hermano Bernard, a desarrollar la tecnología de los instrumentos acústicos y de alta impedancia.

Superando la clasificación de los instrumentos musicales en familias, los dos hermanos se centraron en los principios físicos comunes que permiten a los instrumentos generar sus sonidos. Así descubrieron que todos los instrumentos se basan en la vibración, la energía y la amplificación. Todo lo demás puede atribuirse a la fantasía del luthier. La fantasía a ellos nunca les ha faltado. Y ha estado siempre acompañada del deseo de difundir sus propios descubrimientos y de ponerlos al disposición de todos, especialmente niños y discapacitados, renunciando al paraíso de gloria que el mundo de arte les ofrecía. Durante sus largas vidas siempre se han mantenido fieles a lo único que daría sentido a la existencia: hacer felices a los demás.

Martí Ruids, Andreu Ubach y Pepe Martínez  en el Laboratorio Baschet

Y no sólo parece que lo consigan, sino que consiguen también contagiar esta generosidad a los demás. Así lo demuestra el Laboratorio de Escultura Sonora Baschet, un pequeño milagro en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (UB) creado para documentar, continuar y difundir el trabajo y los principios de los hermanos franceses. Después de haber visto a François Baschet y a los miembros del Metaludic Baschet Ensemble (Martí Ruids, Jordi Casadevall, Andreu Ubach y Pepe Martínez) en acción durante un concierto participativo celebrado en el ámbito de la exposición que les dedicó el Museo de la Música de Barcelona el pasado 2011, nos encontramos con ellos en el Laboratorio.

Barbara Sansone: Habladme de lo que hacéis aquí en el Laboratorio…

Martí Ruids: El proyecto del Laboratorio partió de Josep Cerdá, escultor y catedrático extremadamente activo que tiene una visión muy clara sobre cual debería ser la función de la Facultad de Bellas Artes y que continuamente intenta generar proyectos y oportunidades para sus estudiantes. Aquí abrió una fundición, un laboratorio de trabajo de la piedra, ha creado un ambiente activo y vital de los que no siempre se encuentran en una universidad. Cerdá siempre se ha interesado por el sonido y las estructuras resonantes, y como escultor se preocupa de la relación de las obras con el ambiente que nos rodea, colaborando con su mujer, arquitecta y paisajista.

En la Facultad de Bellas Artes ha creado un nuevo curso llamado “Laboratorio del Caos”, en el que es posible hablar de cualquier cosa, sobre todo de aquello que no está claramente categorizado en ninguna disciplina (caos, fractales, aleatoriedad, polipoesía, arte sonoro, instalaciones, escucha, etc.), en el que propone grabar paisajes sonoros, “mirar” el ambiente más con los oídos que con los ojos y en el que habla de personajes particulares, entre los que están los hermanos Baschet.

Yo, que soy un músico autodidacta, me ofrecí a enseñar a editar las grabaciones y de ahí, a través de varias sinergias, montamos el laboratorio de Arte Sonoro, que es una extensión del Laboratorio del Caos. En sus inicios organizamos en el Centro de Cultura Contemporánea (CCCB) varias jornadas sobre “Paisajes Sonoros de Cataluña” que sirvieron para poner en contacto a diversas personas que se ocupaban del tema y para poner en común medios y capacidades. Desde entonces el Laboratorio ha seguido creciendo y proponiendo nuevos cursos y actividades en la Facultad, recogiendo la participación y el interés de muchos alumnos.

BS: En efecto, la música según como se haga, se puede considerar un arte plástico…

MR: Si. Por ejemplo en Tokio el Conservatorio y la Facultad de Bellas artes se fundieron en una única universidad transdisciplinar que da mucho espacio tanto a los nuevos medios como a los temas más contemporáneos. Y, de hecho, las ideas de John Cage fueron asimiladas más rápidamente por la gente de “diversas” artes que por quienes se ocupaban de la música en un sentido más académico. Aquí muchos entran con una idea de arte y después descubren un espacio para el sonido digital (grabado, reproducido, manipulado) y el acústico (el trabajo sobre los instrumentos de los Baschet completa el aspecto intangible del sonido). Cada año, entre los que participan en los cursos que organizamos, siempre hay alguien que se queda a formar parte del Laboratorio.

Cristal Trombón, donación al Museo de la Música. Foto de Vicent Matamoros

BS: ¿Y cómo entrasteis en contacto con François Baschet?

MR: Estamos trabajando en una radio colaborativa con Radio Evoluciò, un canal no mainstream interesado en hacer divulgación científica en el ámbito de la música. La idea es crear un programa que permita introducir a la investigación a los estudiantes interesados en ella. Los temas giran entorno al sonido y la escucha, con la intención de conocer personajes de cualquier procedencia o disciplina y de entrevistarlos para saber a qué se dedican y cómo lo hacen, y así hacer crecer el Laboratorio de forma rizomática. La relación con François Baschet nació así, buscando contenidos para el programa. Él vive en Barcelona desde hace algunos años y acogió con mucho entusiasmo nuestra propuesta. La experiencia que empezamos con él nos ha permitido enriquecer el Laboratorio con una componente ligada a la fisicidad del sonido, un factor que atrae mucho a los estudiantes que tienden hacia una relación táctil con el arte.

BS: ¿Cómo conociste a Andreu Ubach?

MR: Andreu es percusionista y desde hace años colabora con François. Gracias a su ayuda surgió el proyecto de recoger toda la documentación de los instrumentos Baschet (fotos, dibujos, esquemas, medidas, grabaciones, detalles técnicos, patentes) en una base de datos libremente consultable por todo aquel a quien le interese. François es un entusiasta de las licencias Creative Commons y quiere tener esta información a disposición de todo el mundo.

BS: Bien, porque actualmente la información en línea está un poco dispersa entre varios sitios no siempre cómodos de navegar…

MR: Es verdad. Por eso por hemos creado un blog donde vamos publicando vídeos y otros materiales. Cuando conocimos a Fraçois, la primera idea que se nos ocurrió fue precisamente recoger y ordenar la documentación en un corpus digital recogido en una sola web, y contamos con la colaboración de Uli Zinke y Ana Sánchez Bonet, que están trabajando en Francia en la redacción de un catálogo detallado sobre el trabajo de los Baschet. Por tanto, estamos intentado coordinar a todos los protagonistas de la historia, incluyendo a Michel Deneuve, el “cristalista” por excelencia, y a Frèderic Bousquet, el actual constructor de los instrumentos pedagógicos que se usan con niños y discapacitados. Retomando el espíritu de los Baschet, que no siempre ha sido respetado por las generaciones posteriores, nuestra intención es crear un espacio de difusión y puesta en común de estos conocimientos y de colaboración e intercambio con todos los que decidan utilizarlos.

BS: ¿La exposición en el Museo de la Música de Barcelona fue una iniciativa de este laboratorio?

MR: En parte fue una idea de Miquel Calvet, profesor de física que hace años dirigió un trabajo interdisciplinar de investigación sobre la construcción de estos instrumentos junto a docentes de artes plásticas y de música; un estudio empírico de análisis del sonido y de los materiales con la participación del propio François. Desde hace años, Miquel quería organizar una exposición en el Museo de la Musica y aquí confluyeron las voluntades de los colaboradores catalanes de los Baschet y del actual director del museo, Oriol Rossinyol, que en los años 80 había trabajado con sus instrumentos pedagógicos.

La mayor parte de las obras expuestas procedían de la Fundación Baschet. Otras era de François o de Bernard y los instrumentos pedagógicos nos los facilitó Frédéric Bousquet. Tamién había un prototipo del Kit Multitambrico realizado aquí en el Labratorio y un Cristal construido por Miquel Calvet con sus estudiantes del IES de Castellar del Vallès.

Cristal Trombón, donación al Museo de la Música. Foto de Vicent Maramoros

BS: ¿Bernard estuvo implicado en todo esto?

MR: Sí, claro. Pero en un momento dado de su vida empezó a dedicarse sobre todo a las aplicaciones pedagógicas y a la musicoterapia. Los caminos de los dos hermanos se separaron. Bernard se casó, se centró en la familia y se quedó en París; François sin embargo ha querido una vida más aventurera, ha viajado por todo el mundo, ha dirigido laboratorios por todas partes, ha conocido artistas y pensadores. Fue a la Exposición Universal de Osaka de 1970, combatió en la II Guerra Mundial y persiguió nazis en Argentina. Aunque parece que François se centró más en la escultura sonora, su trabajo no ha sido menos pedagógico que el de Bernard.

Cuando fuimos a ver a Bernard a París y le explicamos lo que estábamos haciendo, pareció contento. Con motivo de la exposición los dos hermanos se reencontraron después de mucho tiempo (ahora Bernard tiene 93 años y François 91). Bernard nos abrió su archivo, que afortunadamente – será porque es ingeniero – está mucho más ordenado que el de François.

Metalúdic Baschet Ensemble. Jordi Casadevall, Pepe Martínez, Martí Ruids y Andreu Ubach. Convent de San Agustí, 2011

BS: Venimos de un concierto altamente participativo. Sin embargo este aspecto no ha estado claramente anunciado. Es una pena que el museo no haya destacado la importancia de un formato tan innovador, de esos que hoy hacen tanta falta…

MR: …y que es el tipo de formato que siempre usó François. A finales de los 50 hacía estas cosas en el MOMA y desde entonces las exposiciones han empezado a pasar del don’t touch al please play. François quiere que el público pueda tocar y hacer sonar sus instrumentos en cualquier momento, no sólo mirarlos. Pero en los museos no dejan hacerlo si no hay alguien que vigila.

En mi opinión, si se rompe cualquier, cosa después se arregla. Es una filosofía que privilegio sobre la de poner grandes distancias entre el público y la obra. Por ponerte un ejemplo, la exposición coincide con otra en museo de Arte Contemporáneo de Chicago con obras de Tanguy y los hermanos Baschet y sólo se pueden tocar ciertos días, cuando están vigiladas. Ya se las está tratando como obras históricas que deben conservarse. Nosotros razonamos de otra forma porque construimos estos instrumentos y preferimos que lo pueda tocar quien quiera. Aún así, el museo ha estado muy satisfecho de los laboratorios realizados en el contexto de la exposición, con niños o discapacitados, porque obviamente les interesa ser más interactivos, acercarse más al público, ofrecer actividades y no sólo poner las obras en vitrinas.

Laboratorio pedagógico con los instrumentos de los hermanos Baschet

BS: ¿Por qué estos instrumentos funcionan tan bien con los discapacitados?

MR: Algunos de ellos se proyectan específicamente con esta función. En todos los casos están construidos de forma que sean accesibles y no susciten visualmente el temor que  normalmente inspiran los instrumentos tradicionales. Por otro lado, las percusiones melódicas en general funcionan siempre bien con los discapacitados, por el gesto que requieren para hacerlas sonar, pero también por la riqueza del sonido que producen, que capta la atención y estimula la curiosidad.

Con el Cristal quería ofrecer un sonido rico, de calidad, con el mínimo esfuerzo. Con un violín, por ejemplo, tienes que tocar mucho antes de lograr obtener un buen sonido, mientras que con estos instrumentos cualquiera, aunque se aun principiante, puede producir un sonido bonito y limpio. La respuesta es también física, táctil: cuando los tocas notas como vibran, el feedback entre tu acción y la respuesta del instrumento la percibes en los dedos. Adviertes si la nota es fuerte, larga, si va in crescendo. Este aspecto es interesante tanto para los músicos como para quienes no han tocado nunca. Los autistas, que no se relacionan con el mundo exterior, con estos instrumentos empiezan a notar que aquello que hacen tiene consecuencias sobre el ambiente y después de varios días comienzan a divertirse.

BS: Además de los instrumentos, François ha creado también esculturas sonoras y los llamados “molinos”…

MR: Sí. Y también animalitos sonoros que revelan un gran sentido del humor. Piensa que el laboratorio de François he encontrado perritos, elefantes o conejos hechos con restos de lata. En su libro Las Esculturas Sonoras nos explica los principios de la acústica de forma muy comprensible y se pueden ver también obras realizadas por sus alumnos, que formalmente son muy diferentes, pero que funcionan con los mismos principios. Hay una donde el sonido se activa con las burbujas del agua, por ejemplo. Y luego están los instrumentos hinchables: los primeros Cristal eran todos inflables, se tocaban en vertical y estaba llenos de esas varillas que generan armónicos por simpatía. Después, con el tiempo pasaron a ser de conos y láminas de acero. Pero para mí las partes hinchables tienen un potencial escultórico muy interesante que me gustaría estudiar.

Hace un tiempo, Jordi Casadevall fue a Japón a conocer a los Geinoh Yamashirogumi, que son expertos en todas las músicas tradicionales del mundo y descubrieron que los gamelan producen el efecto llamado hipersónica, sonidos entorno a los 10000Hz, que no se pueden oír pero que probablemente nos afectan ya que parece ser que tienen la misma frecuencia que nuestra sistema nervioso. Y ahora están interesados en estudiar si estos instrumentos producen ese efecto.

Mataludic Baschet Ensemble. Jordi Casadevall, Pepe Martínez, Martí Ruids y Andreu Ubach. Convent de Sant Agustí, 2011

Como ves, el potencial de estos instrumentos de los Baschet es infinito y estas son las cosas que queremos activar en nuestro Laboratorio. Entre otras cosas, estamos formando una cooperativa “metaludica” de músicos y luthieres que tengan un espacio común en el que trabajar y donde poner acoger a todos los que quieran venir a tocar y escuchar. La idea, por ejemplo, es abrir las puertas un día a la semana y hacer una orquesta abierta tipo gamelan.

Más información en:

http://www.tallerbaschet.tk/

http://francois.baschet.free.fr/

http://www.baschet.org/

http://www.structuresonore.eu/

http://www.micheldeneuve.com/

Exposición temporal “Esculturas Sonoras. Los instrumentos Baschet”

Toccare la Musica – Laboratorio de Scultura Sonora Baschet

Barbara Sansone

Originalmente publicado en Digimag 67, Septiembre 2011:

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=2135

Versión en inglés: http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=2149

Digicult: http://digicult.it/

Escultura sonora. Libertad y prácticas artísticas

Lo que a continuación presento es  una propuesta, que en sí se trata de un despojo, un ejercicio de deslindar de dificultad técnica, física, matérica, teórica, económica, académica el acto estético.

Para esto se tiene que entender que la forma se crea, la materia se transforma, que el espacio se ocupa, los sonidos se sienten con toda la corporeidad, que el cuerpo expresa y comunica, que las percepciones se interpretan, que los sucesos se conectan, se sincroniza en  el mundo que fluye. El asunto está en señalar, enfocar y desenfocar, concentrar la atención, generar diálogos incidir en la materia y en el espacio, utilizar y manipular el sonido todo esto para transformar, eso es lo más importante, transformar la materia, el espacio, a uno mismo y a los demás.

Pero también se trata de ejercer la libertad  con esto quiero decir que es necesario reinventar la manera de tocar un piano, por poner algún ejemplo. Propongo pues que es preciso olvidar que existe algún método o tratado para esto, que se tiene que ver a la acción de tocar un piano por la relación que esto está sugiriendo, tocar se trata de ejercer un contacto físico y ante esto  y mientras se cumpla este contacto cualquier manera es válida. De tal forma que el modo en el que yo (sujeto) me relaciono con el objeto, se determina por mi manera propia de ejercer la libertad. Así dejar caer un piano del tercer piso, podría ser un modo valido de tocar un piano, sin embargo la dificultad económica que plantea adquirir un piano y luego destruirlo no es una manera viable a cualquiera, no para mí, por ejemplo. Y aunque fuera “mi manera ideal” de relacionarme con este objeto no es “mi manera” porque no la puedo llevar a cabo. No tengo la libertad para llevarla a cabo.

Entonces ¿qué tengo que hacer para ejercer mi libertad? ¿Para reinventar la manera de tocar un piano? Existen dos maneras: si mi convicción es destruir ese piano, entonces tengo que planear una estrategia se trata de iniciar un ejercicio de gestión. Por otro lado se puede procurar descubrir otra manera viable a mis posibilidades, esto bajo el ejercicio de la experimentación y confrontación con el objeto y sus posibilidades.

Aquí se encuentran dos vertientes la primera se manifiesta una obstinación, mientras que en la segunda se sede ante el objeto y se permite que este se manifieste en sí. Esta propuesta se inclina a la segunda posibilidad, porque parte  de ejercer la libertad con lo que se tiene y con lo que está cerca. En esto es esencial permitir que el objeto me modele ya que es fundamental abrirse a ser transformado por el objeto.

El camino: la práctica, la construcción, la realización, la ejecución, poner en acción, para ello es necesario otro despojo: despojar al arte de la importancia del producto en sí para centrarse entonces en la práctica artística.

Quedarnos con las prácticas que involucran la concepción, realización (construcción, composición, ejecución, etc.), exhibición (presentación, percepción, interpretación, reinterpretación) dentro del ciclo espiral de creación-recreación del acto artístico. Porque todo esto está inmerso en un proceso constante de simbolización o de generación de sentido.

Los recursos, se opta por la utilización de la escultura sonora como recurso mediador y generador de estos procesos dado que el objeto tomado por escultura sonora es un objeto sonoro despojado de la dificultad técnica de un instrumento musical para el acercamiento a la experiencia estética sonora, en otras palabras la escultura sonora permite al individuo a partir de sencillas manipulaciones generar sonidos y ocupar espacios con atmósferas sonoras de una manera fluida y natural. Se opta por la construcción porque es una manera de transformación del medio, donde la utilización de la herramienta permite la incidencia directa en la materia y así experimentar y apreciar sus cualidades físicas y sonoras. Y se opta por la improvisación por su desarrollo libre, por la negación del error y  su naturaleza fluida.

La estrategia, instituir como prácticas a la construcción e improvisación colectiva dirigida a través de un modelo de taller,  precisamente por la incidencia social de éste. En él se brindan los recursos básicos para el entendimiento del objeto sonoro, su construcción, su manipulación y su ejecución llevada mediante la improvisación libre.

Un resultado concreto es la Orquesta de Esculturas, la cual está formada por las esculturas sonoras generadas en el taller en un contexto colectivo, las cuales retoman la configuración de un modelo orquestado, asumen una dirección, la cual a través de imágenes provoca la asociación de formas y sonidos a través de metáforas que genera cada uno de los ejecutantes. La gestión de estas imágenes, el desarrollo en el tiempo y el diálogo del grupo produce una experiencia orquestal completa. Se asumen roles dentro del grupo, el director gestiona egos, intenciones, matices, entradas y salidas  permitiendo que la ejecución sea un acto de simbolización colectiva. El individuo tiene participación política activa y consciente de la gestación de esta experiencia artística.

Se pretende ir más allá ya que cualquiera puede imaginar, cualquiera puede construir, cualquiera puede ejecutar e interpretar, entonces cualquiera puede dirigir y enfrentar ese intento por transmitir un sentido a los intérpretes y de señalar los ritmos de su desarrollo. Eso pasa en la orquesta, finalmente se trata de despojar de todo prejuicio para liberar la esencia de la búsqueda artística constante.

Iván Navarrete [PhonoGrafic]