El eclipse y la fundación de Tenóchtitlan

El relato de una larga peregrinación fue conservado por los mexicas como parte de su tradición y origen. Así fundaron la gran Tenochtitlan, en el lago de Texcoco, guiados por su dios Huitzilopochtli.

Los mexicas habían salido de una isla llamada Aztlán, por cuyo nombre también son conocidos como aztecas, situada probablemente en algún lugar remoto al norte de Tenochtitlan. Este hecho está documentado, en especial en el códice conocido como la Tira de la Peregrinación, que es una tira de papel de maguey que representa el viaje del pueblo desde su salida de Aztlán. Los historiadores consideran que alrededor de los años 1150 y 1300 los mexicas peregrinaron por diversos lugares hasta asentarse en los lagos del Valle de México.

La mayor parte de las fuentes históricas señalan que la fundación de México-Tenochtitlan ocurrió en el año 1325. Esta fecha corresponde a la que declararon los propios indígenas en los años siguientes a la Caída de Tenochtitlan. Los estudios arqueoastronómicos indican que en ese año también ocurrió un eclipse solar, suceso astronómico que pudo ser tomado por los mexicas como un marcador mítico que pudiera legitimar la supuesta relación entre los toltecas y los tenochcas.

Huitzilopochtli dijo a su pueblo que fuera hacia nuevas tierras, también les ordenó que dejaran de llamarse aztecas porque a partir de ese momento serían todos mexicanos, así es recreado en el Códice Aubin y el Códice Durán.

La Tira de la Peregrinación señala que Aztlán estaba ubicado en una isla donde había seis calpullis (clan formado por un conjunto de familias) y un gran templo, probablemente dedicado a Mixcóatl, después que los mexicas llegaron a Teoculhuacan en el año 1-pedernal, partieron ocho calpullis encabezados por cuatro teomamaque (cargadores de los dioses); uno de ellos, identificado como Tezcacóatl, quien “cargaba” a Huitzilopochtli.

Según el mito, Huitzilopochtli ordenó que fundaran la ciudad donde estuviera “un águila parada sobre un nopal devorando una serpiente”. Siguiendo este designio, los mexicas deambularon por varios lugares, siempre en busca de la señal.

De acuerdo con la Tira de la Peregrinación, la gente de Cuitláhuac se separó del resto de los calpullis.

Más tarde, los mexicas llegaron al Valle de México y pasaron por varios pueblos, hasta que se asentaron en territorio de los tepanecas de Azcapotzalco, a quienes les sirvieron como guerreros mercenarios.

Finalmente, encontraron el sitio señalado por Huitzilopochtli en un islote del lago de Texcoco.” (1)

(1) Texto copiado del sitio http://www.templomayor.inah.gob.mx/historia/mito-de-la-peregrinacion.

La ley innata

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Pioneros del rock transgresivo, Extremoduro es una de esas bandas donde lírica y timbre tienden a confundirse. En 2008 nos sorprendieron con su Ley innata, organizada en movimientos a manera de sinfonía pero concebida como manifiesto o quizá tratado. En su tiempo este disco dilató mis gustos musicales —eran los años en que participaba en la ya extinta banda de ska-punk Mal Vasallo— además de apuntalar mi inacabada crítica del antropocentrismo, por ello quisiera recomendarlo este fin de semana.

Enrique Milpa (@rizomarx)

Pequeños apuntes sobre La Pirinola

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Por Lejana


El pasado 12 de agosto nuestros queridos armstrongs acompañaron a La Pirinola en el cierre de su curso de verano “Laboratorio Arte Pop”, un cúmulo de experiencias en torno al arte, los objetos y la escucha implícita que la banda participante nos compartió en el auditorio del Museo Carrillo Gil.

El suceso consistió en tres partituras de un sentir colectivo: la mirada al mundo desde otras manos. Tres mezclas de sonidos e imágenes fueron el compás perfecto, y afecto, para desatar la acústica armstronguiana y bifurcarse entre cada esquina de la sala hasta merodear en el ritmo interno de los asistentes.

¿Cómo buscar el centro del sonido en lo común? En esta ocasión nuestros compañeros de escucha, integrantes del curso de verano, definieron y defendieron varios minutos de alegría, expeditivos de las ondas, con los ojos brillantes, mientras hicieron de la duración de sus actos un tiempo sonoro sin propietario.

Tonificamos nuestros cuerpos desconocidos cuando todos procuramos integrarnos a la sonorización de Viaje a la Luna de Georges Méliès. Emitimos sonidos sin articular y sin embargo repartimos la suma de algunas meditaciones incomprendidas; un mundo creado, recreado y re-tocado fue posible.

Link para ver la presentación: Cierre Laboratorio Arte Pop

Desenterrar un sonido

I

“Que no lo vean los mineros, pues abrirían un pozo en el cielo” – GILBERTO OWEN

Cuando un sonido desgasta su explosión inmanente, ¿a dónde se va? Todos los días volvemos de vuelta al cementerio de los sonidos, les depositamos flores, nos abarca un gran jarrón. Parece relativamente sencillo determinar el origen de un sonido, pero ¿a dónde se van aquellos que, tras un instante glorioso, de tanto disminuir desaparecen? Estamos acostumbrados a su no-estar simplemente porque sabemos que llegarán nuevos sonidos a reemplazar el lugar que ocupaban antes de ser absorbidos. Jamás hemos vivido la afonía del mundo en toda su magnitud, sería insoportable. Si hay silencio, lo vivimos como un paréntesis que no debe extenderse demasiado. Habitamos los sonidos, en cambio, como una necesidad, no importa que la mayoría del tiempo filtremos la percepción que nos hacemos de ellos. Hay certezas de segundo grado, inconscientes aunque fundamentales, como el acaecer del próximo ruido. Un mundo enmudecido sería radicalmente diferente al nuestro. Y, sin embargo, vivimos forzando los límites del discurso, cuando ningún lenguaje ha alcanzado siquiera la antesala de la inteligibilidad. La armadura del signo queda ahí, creemos que queda, incluso cuando el sustrato sónico haya sido engullido por una boca infinita.

¿Qué problemas se le plantean al minero, quien, cansado de desenterrar gemas pesadas, opta por buscar la levedad de los sonidos perdidos? La erosión de un sonido es implacable, nada queda de él, ni un susurro. Las montañas silentes son llanas, tan lisas que podemos caminar y seguir caminando y sentir que no hemos avanzado, el mapa vacío. Dado el carácter transitorio del sonido, a todo paisaje sonoro le corresponde una arqueología. O un osario. La música hizo de la repetición una estratagema para inmortalizar el instante acústico, “preparación eterna, preparación a un advenimiento que nunca llega, eterna iniciación que no acaba cosa”, como decía Unamuno. Pero antes de la repetición armónica o de su racionalización tuvo que haber una repetición accidental, un desenterrar instintivo correspondiente a la tendencia misma que tiene el sonar de ser sonido, de enterrarse. El canto —y su expresión social, la lengua oral— nacen como un impulso de la naturaleza para restaurar los sonidos idos. La voz es el rastro del devenir, el mundo clama cantos cósmicos. Por otro lado, las tecnologías de la grabación han permitido que la repetición sea cada vez más afín al sonido original. Fosilizar sonidos: he ahí la función documental del registro sonoro.

Las piedras me recuerdan a las frutas, tanto silencio resguardado en una forma. Se preguntará alguien, sí, pero ¿a qué suenan las piedras? Para romper el suelo y exprimirle un secreto se requiere de mucha fuerza de trabajo, tanto más cuanto mayor sea la cohesión interna del material. La industria extractivista se apropia y devasta el territorio de los pueblos en una enfermiza cacería de valor. No le importan los sonidos. En cambio, el oído espeleológico avanza con mucho cuidado por grutas invisibles para que no se le rasguen sus mejores papiroflexias, camina a través de las galerías que ha tallado el sonido en nuestros miles de oídos. Afirma Bachelard: “El instante del herrero es un instante bien aislado y al mismo tiempo exagerado. Eleva al trabajador al dominio del tiempo, mediante la violencia de un instante”. Por eso los minerales representan el sonido del tiempo inmaculado, la violencia de la eternidad. La esquirla es el testimonio de un sonido profundo que ya fue. El polvo es el alma del monte. La roca partida se transforma súbitamente en un linaje de mosaicos y teselaciones, tiembla. Así un poco con la vida. Está la historia de la madre que se extravió con su hijo en las sierras azules de Oaxaca, iban descalzos, la naturaleza les llamó y era imposible no ir, ¿verdad?, el cáliz de la tarde, los espíritus nocturnos, el espejo. Sobrevivieron silbando. Pero en el vientre del cerro, a diferencia de su agreste piel, siempre es de noche. No puedo imaginar cómo se distorsiona la noción del tiempo y del espacio en el interior de una montaña. Todo debe ser inmenso por todos lados. Sin adentro, sin afuera. Entonces, ¿cómo será la noche de un sonido inhumado? ¿Obscura? ¿Luminosa? ¿Y el interior del silencio? Ahora creo entender: puede que la máquina de sombras sea, acústicamente, nada más que el tiempo justo de su restauración. El parto del sonido es inminente, igual que su partida. Adiós es dar la bienvenida. ¿La escuchas, acaso? Es ella, la hermosa voz del silencio.

 

II

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III

El pasado 18 de julio se celebró, como ya es costumbre, el Día Mundial de la Escucha (DME). Este año las acciones-reflexiones se centraron en la escucha profunda de la tierra, en consonancia con los postulados de Pauline Oliveiros y Murray Schafer. En la Ciudad de México, el Laboratorio de Periodismo Sonoro coordinó una serie de actividades en el subsuelo de nuestra inmensa urbe, en las instalaciones del Museo del Metro. Previamente convocamos al público a compartir grabaciones relativas a los sonidos de la tierra, mismas que fueron reproducidas en el abarrotado pasillo que conecta las líneas 7 y 12 del metro Mixcoac. Además hubo una charla a cargo de Mirna Castro, Alicia Escamilla y Ana Cecilia Medina. La documentación del evento todavía no ha sido compilada en su totalidad, pero a continuación adelantamos una recopilación con las contribuciones. ¡Muchas gracias a tod@s!

Contribuciones DME CDMX 2017

Quisiera retomar, a propósito de la exhumación de sonidos, cuatro paisajes sonoros con los que participé en el DME. En los entornos urbanos la tierra ha sido mercantilizada por el capital con brutalidad (la especulación del suelo y el auge de la industria de la construcción son tan sólo el rostro directo e inmediato de esta operación). La serie que presento, no obstante, nace de la intención de problematizar la escucha de la tierra en las ciudades de forma indirecta y mediata. Retomando el problema del minero, en este caso lo vemos avocado a desenterrar no cualquier sonido sino aquellos sonidos en y de la tierra.

Limpiar frijol

La pieza aborda el problema del sustento en las ciudades. Dura lo que uno demoraría en limpiar una bolsa de frijoles de 900 gr, es decir, en separar las piedras y el gorgojo. Un resabio de artificio se percibe ante la presencia constante del motor del refrigerador y la cavidad metálica de la olla exprés. Indaga la relación fetichista campo-ciudad en términos alimentarios y subraya la alta entropía inherente a nuestro modo de consumo.

Las horas

Paisaje sonoro que remite al acto de modelar la materia que tenemos a la mano. La figura del obrero se confronta con la del músico, dos oficios que labran mundos paralelos. Modelar es devenir, independientemente del método empleado. El elemento temporal de las horas puede leerse de varias maneras, a mí me gusta pensar en los estratos que componen nuestra memoria donde se apila el tiempo como capas geológicas.

Tortillería Nuria

Esta grabación es otra manera de abordar los avatares de la agroindustria. Las tortillerías asimilaron los principios del fordismo para acelerar la producción de tortillas, continente universal de la dieta mexicana. ¿De qué otra manera soportar la explosión demográfica cuando el comal se mostraba demasiado lento e insoportablemente artesanal? La gente hecha de maíz envolvemos nuestro alimento en taco. Nos hicieron alfareros pero también aprendimos a hacer cerámicas efímeras y sobre todo a devorarlas.

Remedios

La última pieza fue registrada a un costado del mercado de La Merced, en la acera donde se juntan las yerberas. Un pregón, pese a su repetición mecánica, resguarda siempre la chispa de la oralidad que se acopla a los contextos específicos: es así que de un listado de enfermedades y remedios herbolarios pasamos a reflexiones sobre la economía, el clima y la vida cotidiana. Por otro lado, la pieza nos recuerda que la salud está íntimamente vinculada al poder de las plantas, cuyas propiedades curativas provienen del suelo, origen de todo.

 

IV

Viaje a Ixtlán

-Fue una estupenda señal -dijo-. ¡Qué extraño! Sucedió al terminar el día. Tú y yo somos muy distintos. Tú eres más criatura de la noche. Yo prefiero el brillo joven de la mañana. O mejor dicho, el brillo del sol matutino me busca, pero de ti se esconde. En cambio, el sol poniente te bañó. Sus llamas te abrasaron sin quemarte. ¡Qué extraño!

-¿Por qué es extraño?

-Nunca lo había visto pasar. La señal, cuando sucede, ha sido siempre en el reino del sol joven.

 -¿Por qué es así, don Juan?

-No es hora de hablar de eso -repuso, cortante-. El conocimiento es poder. Toma mucho tiempo juntar el poder suficiente incluso para hablar de él.

Traté de insistir, pero él cambió de tema abruptamente. Inquirió sobre mi progreso en “soñar”.

Yo había empezado a soñar en sitios específicos, como la escuela y las casas de algunos amigos.

-¿Estabas en esos sitios durante el día o durante la noche? -preguntó.

Mis sueños correspondían con la hora del día a la que solía estar en tales sitios: en la escuela durante el día, en casa de mis amigos por la noche.

Sugirió que probara yo “soñar” mientras echaba una siesta de día, y ver si podía visualizar el sitio elegido como estaba a la hora en que yo “soñaba”. Si yo “soñaba” de noche, mis visiones del local debían ser nocturnas. Dijo que lo que uno experimenta al “soñar” debe ser congruente con la hora en que el “soñar” tiene lugar; de otra forma las visiones que uno tenga no serán “soñar”, sino sueños comunes.

-Para ayudarte debías escoger un objeto determinado que pertenezca al sitio donde quieres ir, y enfocar en él tu atención -prosiguió-. En este cerro, por ejemplo, tienes ya una planta determinada que debes observar hasta que tenga un lugar en tu memoria. Puedes regresar aquí en tu soñar simplemente recordando esa planta, o recordando esta roca donde estamos sentados, o recordando cualquier otra cosa de aquí. Es más fácil viajar al soñar cuando puedes enfocarte en un sitio de poder, como éste. Pero si no quieres venir aquí puedes usar cualquier otro sitio. A lo mejor la escuela donde vas es para ti un sitio de poder. Úsalo. Enfoca tu atención en cualquier objeto de allí, y luego encuéntralo al soñar.

“Del objeto específico que recuerdes, debes volver a tus manos, y luego a otro objeto y así sucesivamente.

“Pero ahora debes enfocar la atención en todo lo que existe encima de este cerro, porque éste es el sitio más importante de tu vida.”

Me miró como sondeando el efecto de sus palabras.

-Éste es el sitio en que morirás -dijo con voz suave.

Me moví con nerviosismo, cambiando de postura, y él sonrió.

-Tendré que venir contigo una y otra vez a este cerro -dijo-. Y luego tú tendrás que venir solo hasta que estés saturado de él, hasta que el cerro te rezume. Sabrás la hora en que estés lleno de él. Este cerro, como es ahora, será entonces el sitio de tu última danza.

-¿Qué quiere usted decir con mi última danza, don Juan?

-Ésta es tu última parada -dijo-. Morirás aquí, estés donde estés. Cada guerrero tiene un sitio para morir. Un sitio de su predilección, donde eventos poderosos dejaron su huella; un sitio donde ha presenciado maravillas, donde se le han revelado secretos; un sitio donde ha juntado su poder personal.

“Un guerrero tiene la obligación de regresar a ese sitio de su predilección cada vez que absorbe poder, para guardarlo allí. Va allí caminando o bien soñando.

“Y por fin, un día que su tiempo en la tierra ha terminado y siente el toque de la muerte en el hombro izquierdo, su espíritu, que siempre está listo, vuela al sitio de su predilección y allí el guerrero baila ante su muerte.

“Cada guerrero tiene una forma específica, una determinada postura de poder, que desarrolla a lo largo de su vida. Es una especie de danza. Un movimiento que él hace bajo la influencia de su poder personal.”

“Si el guerrero moribundo tiene poder limitado, su danza es corta; si su poder es grandioso, su danza es magnífica. Pero ya sea su poder pequeño o magnifico, la muerte debe pararse a presenciar su última parada sobre la tierra. La muerte no puede llevarse al guerrero que cuenta por última vez la labor de su vida, hasta que haya acabado su danza.”

Las palabras de don Juan me dieron un escalofrío. El silencio, el crepúsculo, el espléndido paisaje: todo parecía haber sido colocado allí como tramoya para la imagen de la última danza de poder de un guerrero.

-¿Puede usted enseñarme esa danza aunque no sea yo guerrero? -pregunté.

-Todo hombre que caza poder tiene que aprender esa danza -repuso-. Pero no te la puedo enseñar ahora. Tal vez tengas pronto un adversario que valga la pena y entonces te enseñaré el primer movimiento de poder. Tú mismo debes añadir los otros conforme sigas viviendo. Cada movimiento debe adquirirse durante una lucha de poder. Así que, hablando con propiedad, la postura, la forma de un guerrero, es la historia de su vida, una danza que crece conforme él crece en poder personal.

-¿De veras se para la muerte a ver bailar al guerrero?

-Un guerrero no es más que un hombre. Un hombre humilde. No puede cambiar los designios de su muerte. Pero su espíritu impecable, que ha juntado poder tras penalidades enormes, puede ciertamente detener a su muerte un momento, un momento lo bastante largo para permitirle regocijarse por última vez en el recuerdo de su poder. Podemos decir que ése es un gesto que la muerte tiene con quienes poseen un espíritu impecable.

Experimenté una angustia avasalladora y hablé sólo por aliviarla. Le pregunté si había conocido guerreros que murieron, y en qué forma su última danza había afectado su morir.

-Ya párale -dijo con sequedad-. Morir es algo monumental. Es algo mucho más que estirar la pata y ponerte tieso.

-¿Bailaré yo también ante mi muerte, don Juan?

-Sin duda. Estás cazando poder personal aunque todavía no vivas como guerrero. Hoy el sol te dio una señal. Lo mejor que produzcas en el trabajo de tu vida se hará al final del día. Por lo visto no te gusta el joven resplandor de la luz temprana. Viajar en la mañana no te llama la atención. Pero tu gusto es el sol poniente, amarillo viejo, y maduro. No te gusta el calor, te gusta el resplandor.

“Y así bailarás ante tu muerte, aquí, en la cima de este cerro, al acabar el día. Y en tu última danza dirás de tu lucha, de las batallas que has ganado y de las que has perdido; dirás de tus alegrías y desconciertos al encontrarte con el poder personal. Tu danza hablará de los secretos y las maravillas que has atesorado. Y tu muerte se sentará aquí a observarte.

“El sol poniente brillará sobre ti sin quemar, como lo hizo hoy. El viento será suave y dulce y tu cerro temblará. Al llegar al final de tu danza mirarás el sol, porque nunca volverás a verlo ni despierto ni soñando, y entonces tu muerte apuntará hacia el sur. Hacia la inmensidad.”

Extracto de CARLOS CASTANEDA, Viaje a Ixtlán


Texto, fotografía y grabaciones Por Enrique Milpa (@rizomarx)

Enseñando Techne en el nivel superior

Autor: Mark Amerika. Traducción: Alejo De la Rosa. Edición: León De la Rosa.
Texto original tomado de: 
Mark Amerika. (2007) META/DATA: A Digital Poetics (Leonardo Book Series) (Kindle Locations 2362-2470). Kindle Edition.
Nota del traductor:

Diez años después, el Teaching High Techne de Amerika se antoja por supuesto datado, sobre todo cuando menciona DVDs, quemadores de CDs, PDAs y Flash; sin embargo, al revisar la propuesta central de un espacio dedicado específicamente a la investigación basada en la práctica que pudiera arrojar contenido digital con valor creativo, académico, histórico e incluso comercial, la iniciativa de Amerika en la Universidad de Colorado en Boulder empieza a adquirir valores agregados como un texto de revisión obligada para educadores interesados en la pedagogía del HACER. Hacer a partir de quebrar, a partir de dudar, a partir de presionar todos los botones erróneos en el orden equivocado. También es interesante reparar en las preguntas que el mismo Amerika sugiere pueden ser abordadas dentro de un espacio como el TECHNE y reflexionar sobre cuales ya han sido contestadas y cuales siguen en el aire diez años después.

Finalmente, esta traducción se ofrece con el afán de recapacitar acerca de las posibilidades y sub-valorizaciones de las prácticas creativas en general y las digitales en particular en lo que a la generación de conocimiento se refiere. Como educador y académico de las artes visuales me doy cuenta cada semestre de la cantidad de trampas retóricas en las que mis colegas y estudiantes caen tratando de justificar sus prácticas a partir de la sociología, la mitología, la historia y la política (entre un largo etcétera) obviando por adelantado las posibilidades reales de contextualizar el HACER como una avenida digna de ser explorada bajo sus propios términos.


Enseñando Techne en el nivel superior

Introducción general

La TECHNE es una iniciativa de investigación de las artes digitales basada en la práctica, que fundé como profesor recién contratado en la Universidad de Colorado en Boulder. La iniciativa TECHNE desarrolla acercamientos innovadores a la invención de nuevas formas de conocimiento generalmente consideradas tanto artísticas como doctas. Estas nuevas formas de conocimiento suelen manifestarse como proyectos de arte digital distribuidos por Internet y son el resultado de que los participantes de TECHNE interactúen con nuevas tecnologías mediáticas, emergentes y convergentes que cada vez están más accesibles al gran público.

Las formas del arte digital investigadas mediante la iniciativa TECHNE intentan agregar valores al de una sociedad democrática que opera al mismo tiempo en una economía de libre mercado de bienes, servicios, información e ideas. La academia, estudiantes e investigadores asociados a la TECHNE utilizan tanto hardware y software altamente especializado como aplicaciones de fácil acceso al consumidor para impulsar los límites de los cuestionamientos artísticos, escolares y científicos hacia áreas aún no descubiertas.

Una transición significativa se está desarrollando en la cultura de la información. La información ahora se está diseñando artísticamente para ofrecer una experiencia más visualmente estimulante e interactiva, más inmersiva, que lleve al usuario (consumidor, lector, observador, etc.) a un ambiente digital, sumamente manipulado, que cambia tan rápido que requiere una agenda de investigación enfocada y basada en la práctica sólo para empezar a asimilar las nuevas herramientas de investigación y marcos conceptuales requeridos para analizar adecuadamente al arte digital como un fenómeno emergente en la nueva economía mediática.


Objetivo del estudio

El objetivo de este breve estudio es desarrollar una introducción al marco conceptual de la iniciativa TECHNE y en lo general delinear algunas de las investigaciones preliminares que ya se están desarrollando. Estas investigaciones preliminares no representan el fin absoluto de la iniciativa TECHNE, sino que más bien sirven como marcadores conceptuales que señalan el marco más amplio que en realidad nos interesa. Sólo tras lograr construir un marco conceptual coherente podemos siquiera empezar el lanzamiento exitoso de la iniciativa de investigación en su contexto adecuado.

La elección de temas de investigación, definir las preguntas que deben hacerse y permitir el desarrollo de métodos así como metáforas que adecuadamente aborden los temas que deben ser analizados en un marco conceptual de “arte digital, forman parte de la iniciativa TECHNE, a la vez que apunta a investigaciones futuras y anticipa sus resultados.

Fijar una agenda de la investigación basada en la práctica es un proceso complejo e intuitivo que depende de desarrollar métodos confiables para juzgar cuáles son las líneas de cuestionamiento más valiosas. El surgimiento de Internet como una herramienta de investigación y desarrollo, y como una red global de arte digital ha creado grandes oportunidades para que artistas y académicos puedan, potencialmente, crear líneas alternativas de cuestionamiento que tengan ramificaciones críticas para nuestra cultura, particularmente en las áreas que investigan las formas en las que componemos, publicamos, exhibimos, distribuimos y conectamos estas formas emergentes del conocimiento en una cultura del consumidor dirigida por la tecnología. Con esto en mente, creemos que el siguiente marco conceptual debería:

  1. Crear una serie de parámetros que nos permitan desarrollar tanto una visión a largo plazo de la iniciativa como producir resultados muy visibles en el corto plazo.
  2. Ofrecer la suficiente flexibilidad como para que podamos crear modelos progresivos de prácticas de arte digital y publicación/exhibición en línea que destaquen las maneras en las que las artes ahora se están integrando más a la economía de la información.
  3. Anticipar el uso de plataformas cruzadas de medios para incluir nuestros hallazgos y, al hacerlo, cambiar la forma en la que el trabajo académico y artístico se da a conocer en el campo.

Marco conceptual e investigaciones preliminares

  1. Contexto de Internet como medio de arte y un contexto de publicación/exhibición

Al acercarnos a Internet como un medio de composición, al igual que uno de publicación/exhibición, los investigadores de arte en la iniciativa TECHNE se están preparando para llevar a cabo una serie de prácticas de arte digital en línea enlazadas con otras instituciones que están, de forma similar, posicionando sus agendas e investigaciones en varios lugares del mundo. Uno de los principales objetivos de TECHNE como una plataforma activa de investigación y desarrollo enfocada en demostrar el valor de una iniciativa basada en la práctica es tener influencia considerable sobre la forma en que estas iniciativas y sus hallazgos son percibidos y dados a conocer como nuevas formas de conocimiento. Generalmente se asume que estas nuevas formas del conocimiento, empaquetadas con arte digital interactivo, alterarán la forma en que interactuamos socialmente unos con otros, además de educarnos para participar en este ambiente dinámico y mediado por la computadora. Internet es antes que nada una red extendida por todo el mundo que ofrece a varios puntos nodales la oportunidad de visibilizar los resultados de investigaciones durante distintos momentos del proceso creativo. Estos logros pueden ser publicados/exhibidos inmediatamente en Internet y bajo las condiciones adecuadas pueden atraer una red de enlaces externos que le darán a la investigación un lugar más significativo en la economía de la atención.

Para este efecto, nos estamos posicionando como líderes de una de las primeras iniciativas de investigación basada en la práctica en el nivel de universidad estatal para reinventar la educación del arte. TECHNE utiliza varias tecnologías de los nuevos medios para crear un entorno de aprendizaje más colaborativo para estudiantes que buscan transferir sus habilidades creativas y críticas a la economía de los nuevos medios. Estos estudiantes –que buscan participar en un proceso social, altamente tecnológico, de descubrimiento personal e invención artística- ahora se dan cuenta que el proceso creativo involucra tanto las conexiones en línea como la colaboración grupal en tiempo real.

TECHNE se está preparando como una unidad modelo para ayudar a estudiantes y otros investigadores de arte a alcanzar este objetivo.

  1. ¿Qué es Techne?

El nombre TECHNE viene del uso griego del término Techne, que se refiere tanto a arte como a tecnología, especialmente en su aplicación y práctica (crear o hacer). TECHNE permite a sus docentes, sus estudiantes y asistentes de investigación utilizar tanto software y hardware altamente especializado como aplicaciones fácilmente accesibles para reiterar el valor de crear proyectos de arte digital más interactivos, a la par de analizar críticamente su lugar en el mundo. Los proyectos investigados son variados y se enfocan en muchos temas contemporáneos cuyas implicaciones culturales revelan la interdependencia cada vez mayor entre el arte y la ciencia. El ambiente actual de nuevas tecnologías mediáticas que se desarrollan velozmente permite facilitar a investigadores dedicados a tanto el arte como la ciencia el descubrimiento de nuevas formas del conocimiento.

Los temas explorados en investigaciones actuales y recién hechas de la iniciativa TECHNE incluyen la publicación en la web, narrativa digital, arte en PDA (agenda electrónica), conexiones inalámbricas, cine interactivo, ebooks artísticos, arte en Java, arte biotecnológico, gráficas para el cine, radio por Internet, visualización de datos, DVDs con instalación de sonido envolvente, contexto del arte en línea y su exhibición, presentaciones hiper-improvisadas de DJs/VJs, usos parasicológicos y paranormales de tecnologías de la telecomunicación, arte en GUI, ambientes de juegos en 3D para varios usuarios, la historia del arte multimedia en relación tanto con la ciencia de las computadoras como con la práctica de arte, arte generativo, arte en código o programación, estética de la base de datos e investigación basada en la práctica como proceso creativo.

Muchos de los proyectos de arte que se están investigando en TECHNE requieren un equipo de estudiantes productores cuyas habilidades creativas y críticas pueden variar. Al dar a los estudiantes una oportunidad para compartir sus fortalezas críticas y creativas en un ambiente de trabajo colaborativo, a la vez que se les permite aprender nuevas habilidades de su red de compañeros, TECHNE se separa del modelo del “artista individual como un genio” generalmente asociado con programas de bellas artes y escritura creativa, y se enfoca más en la investigación y desarrollo de habilidades prácticas que son más fácilmente transferibles al mercado laboral en rápida transformación de la industria de la tecnología y de la academia. Aunque TECHNE no es una fábrica de diseño gráfico que arroja cientos de obreros de diseño para satisfacer las necesidades industriales, la iniciativa sí reconoce que los estudiantes con habilidades técnicas, talento creativo excepcional y facilidad crítica para la toma de decisiones, seguramente serán más competitivos una vez que se gradúen de nuestro programa. Con esto en mente, muchos de los proyectos de investigación creativa iniciados en TECHNE están ligeramente ligados a un modelo de aprendizaje colaborativo y procesal que requiere actividad intelectual rigurosa de los participantes. Algunos ejemplos recientes de esto proyectos investigados en TECHNE incluyen:

– Cómo crear una narrativa digital multilineal que incorpora diversos medios en su estructura interactiva (imágenes en movimiento, sonidos, texto, lenguaje de programación avanzado, etc.).

– Cómo exhibir varias obras de arte de Internet en un entorno en línea además de crear un contexto educativo que se enfoque en la relevancia creativa, teórica e histórica de las obras curadas al mostrar cómo se pueden relacionar o diferenciar de otros medios más tradicionales, como la pintura, el cine o la novelística.

– Cómo implementar novatoriamente nuevas tecnologías de publicación y distribución que cuestionen los viejos modelos económicos de la producción impresa con un énfasis particular en reconfigurar nuestras nociones de términos como “escribir” y “leer” y su relación con los recientes avances en áreas como los lectores portátiles de Ebooks, lectores PDA, HTML, XML, PDF, Flash, estándares abiertos de Ebooks y audiolibros en mp3.

– Cómo crear interfaces de usuario personalizadas y bases de datos back-end que se enfoquen en temas como la navegación de sitios y la funcionalidad de programas en relación con la obra de arte digital, tanto como una forma de arte visual como un modelo cercano de un entretenimiento educativo futuro, interactivo y distribuido en las redes.

– Cómo articular teóricamente, mediante habilidades de diseño visual y de lenguaje crítico, una justificación para hacer disponibles obras en línea a la vez que se considera la facilidad con la que la información se vuelve parte de una red de código abierto que reta las nociones tradicionales del derecho de autor y la propiedad intelectual.

– Cómo experimentar con Internet como una plataforma abierta, en vivo y en línea, para la expresión y acción creativa que investiga las relaciones entre el alfabetismo en diseño digital, la narrativa multimedia, la teoría de la representación y la arquitectura de la información en el contexto de un webcast mundial.

– Cómo evaluar críticamente las nuevas formas de conocimiento que se están desarrollando para el nuevo entorno mediático y cómo empezar a desarrollar sitios web robustos, flexibles y colaborativos que comuniquen nuestros descubrimientos críticos a la audiencia en Internet, particularmente a nuestras instituciones compañeras nacionales e internacionales cuyas agendas de investigaciones en desarrollo pueden complementar las nuestras.

  1. Arte / tecnología / pedagogía

El término amplificación de la inteligencia parece aplicable a nuestra meta de aumentar el intelecto humano de forma que la entidad que se produzca exhiba más ‘inteligencia’ que un humano fuera capaz de exhibir sin asistencia; habremos amplificado la inteligencia del humano al organizar sus capacidades intelectuales hasta niveles más elevados de estructuras sinérgicas.

-Douglas Engelbart, “Augmenting Human Intellect: A Conceptual Framework”

Aumentar el intelecto humano y su capacidad de inventar nuevas formas de conocimiento requiere un entorno de aprendizaje mediante la experiencia más tecnológicamente sofisticada. Parte de la razón para lanzar la iniciativa TECHNE en el departamento de arte e historia de CU es ofrecer este entorno educativo tecnológicamente sofisticado tanto a estudiantes de posgrado como de pregrado para que así puedan participar en un ambiente apoyado por computadoras y colaborativo que da prioridad al trabajo en redes y a la evaluación entre pares como parte del proceso creativo.

Crear obras de arte, diseño y representaciones innovadoras, requiere un nuevo acercamiento a la pedagogía, y TECHNE ya está aplicando estos nuevos métodos de aprendizaje basados en procesos a nuestra currícula. Nuestro objetivo es:

– Crear una iniciativa basada en la práctica que eleve el intelecto humano al ofrecer a los académicos, sus estudiantes e investigadores asociados un entorno personalizado de aprendizaje equipado con las nuevas y más recientes tecnologías mediáticas.

– Dar prioridad al uso de estas nuevas tecnologías como herramientas para asistirnos en la invención de nuevas formas de conocimiento manifestadas como arte digital.

– Usar este entorno de aprendizaje personalizado para crear acercamientos innovadores a la pedagogía.

– Facilitar el desarrollo de un modelo de “mejores prácticas” para la investigación y desarrollo del arte digital en el contexto de la educación superior.

El entorno de aprendizaje TECHNE se facilita en parte por el desarrollo constante del Estudio Experimental de Artes Digitáles (EDAS por sus siglas en innglés) que nos permite integrar las nuevas y más recientes tecnologías mediáticas a la currícula mientras dejamos al frente el uso de hardware y aplicaciones de software fácilmente accesibles al consumidor. El laboratorio actualmente tiene cuatro computadoras Macintosh G4 con monitores planos de 15 pulgadas, el más reciente software de herramientas web, un proyector de datos, bocinas estéreo y un amplificador, un scanner y un quemador de discos compactos. Además hemos comprado una pantalla de plasma da de 15 pulgadas. También hemos empezado a construir un espacio que llamados el Estudio de Audio, que actualmente tiene dos poderosas PCs, un teclado MIDI, un micrófono profesional, una mezcladora Roland y software personalizado para cada computadora especialmente elaborado para las necesidades de producción de audio de primerizos y expertos. Actualmente estamos en el proceso de crear un nuevo espacio que llamaremos el Estudio de Narrativa Digital.

Nuestro objetivo principal al construir este laboratorio tecnológicamente sofisticado es crear un laboratorio de vanguardia en investigación y desarrollo de arte digital que nos ayudará a alcanzar nuestras metas de investigación mencionadas anteriormente, además de permitir a nuestros mejores estudiantes comenzar a realizar prácticas de arte digital que les servirán en todos sus objetivos futuros, sean artísticos, científicos, académicos, comerciales o simplemente técnicos. La carga estándar de herramientas de software usadas para crear obras para que sean distribuidas en la red está disponible en el laboratorio principal en todas las estaciones de trabajo individuales. Las habilidades adquiridas al usar esta serie de nuevas herramientas mediáticas disponibles en el laboratorio experimental de TECHNE son fácilmente transferibles al mercado laboral y preparan a nuestros estudiantes para la carrera de su elección.

  1. Historias de Internet: Ficciones y Facciones

En el curso de Historia y Teoría del Arte Digital que doy en la Universidad de Colorado, los estudiantes exploran los primeros desarrollos en arte realizado en computadoras, que ha permitido a artistas adelantados a su época y experimentales crear obras nunca antes imaginadas. Cuestiones y temas vistos en este curso incluyen:

– La evolución de la computadora como una herramienta artística.

– Cómo usar Internet como una herramienta de desarrollo e investigación así como un medio de composición/publicación.

– Dónde encontrar obras de arte exclusivas para la red y cómo criticarlas eficazmente.

– Cómo curar una exhibición en línea.

– Cómo responder a la condición contemporánea de la división digital.

– La historia y práctica del hipertexto antes y después de la World Wide Web.

– La interfaz tecnológica/de género.

– El creciente debate alrededor de la propiedad intelectual, derechos de autor, comunicación usuario a usuario y las licencias Creative Commons en línea.

– Cómo ubicar a las formas de arte digital emergentes en su contexto histórico y estético indicado a partir de otros medios artísticos, en particular la pintura, la fotografía, el video y la literatura, además del trabajo de teóricos contemporáneos de los medios.

Estudiantes en el curso de Historia y Teoría del Arte Digital han construido su propio sitio web a gran escala y dirigido por una base de datos llamado Histories of Internet Art: Fictions and Factions (HIAFF), que está actualmente localizado en https://art.colorado.edu/hiaff/. Este sitio tremendamente exitoso ya ha sido adoptado por varios profesores de distintas instituciones en todo el mundo como una fuente clave en la historia del arte en línea. El sitio tiene:

– Entrevistas realizadas por los estudiantes mediante correos electrónicos y video con algunos de los practicantes de arte digital contemporánaos más importantes.

– Una exhibición de arte de Internet curada por los estudiantes.

– Una sección dedicada a la teoría de los nuevos medios creada por los estudiantes.

– Un área que presenta nuevas obras de arte curadas por los mismos estudiantes.

En mi introducción al sitio como director de la facultad describo al portal como una “exhibición continua que muestra una interfaz web diseñada por estudiantes que lleva a los lectores a obras de arte en línea creadas tanto por artistas de Internet internacionalmente reconocidos como por los aún emergentes. El sitio también ofrece contenido original muy requerido para ayudar a contextualizar el surgimiento repentino del arte de Internet al mainstream en el mundo del arte”. Uno de los componentes claves para una pedagogía activista e interconectada es que los estudiantes sean capaces de participar inmediatamente en la economía de la atención apoyados por lo que Manuel Castells llama el “espacio de flujos” interconectado. Ya no hay una progresión lineal o jerarquía vertical que separe la historia distante y canónica del arte del estudiante observador. En lugar de eso, el estudiante es invitado a crear una historia alternativa aún en desarrollo al relacionarse con practicantes contemporáneos del arte de Internet en un discurso sobre las cualidades del medio mismo a la vez que usan este mismo medio que trabajan los artistas para facilitar el diálogo de la investigación y el descubrimiento.

En un diálogo publicado que tuve con el teórico alemán de medios Roberto Simanowski sobre su libro Interfictions: Von Schreiben im Netz, Simanowski me preguntó: “¿Cómo se siente cuando un artista de Internet se convierte en un profesor de arte de Internet?”. Yo respondí:

La sola noción de una práctica de arte de Internet enfocada en la narrativa digital y la teoría en plataformas intramediáticas cuestiona nuestra evaluación tradicional sobre lo que cierto tipo de trabajo o producción cultural es en realidad. Este tipo de práctica es muy conceptual e interdisciplinaria y requiere de un acercamiento flexible al ser maestro o, según sea el caso, ser “académico”. No soy un académico típico en el verdadero sentido de la palabra, pero en realidad, muchos artistas que son profesores no son académicos de verdad. Aunque lo que compartimos con las comunidades académicas y científicas está cambiando. Los ambientes más colaborativos, apoyados por las computadoras que estaban antes sólo disponibles para estudiantes de informática e ingeniería ahora son los mismos modelos que yo, como estudiante de arte, estoy explorando en mi nuevo rol.

Continúe diciendo que creo que es importante para los estudiantes sentir que tiene cierto control sobre la distribución de su obra. Tradicionalmente, los estudiantes batallan por encontrar contextos de exhibición para su obra, y usualmente no se les toma en serio. Parte del problema es la carencia de espacio físico o sólo encontrar un lugar adecuado. Pero con el arte digital, están descubriendo que pueden exhibir o publicar su obra en línea y que hay audiencias potenciales allá afuera que están dispuestas a comprometerse con su obra.

La realización que viene con este momento de descubrimiento para el estudiante es crucial porque los obliga a pensar en sus roles como artistas en la cultura. Por ejemplo, sólo porque puedes poner algo en línea, ¿significa que debes poner toda tu obra en línea? ¿Cuál es el contexto de tu obra cuando se publica en la red? Y además están las cuestiones de derechos de autor y la participación en una economía de la atención donde el pago puede no ser necesariamente en dinero pues muchas de las cosas dispuestas en la web se dan de forma gratuita.

El sitio HIAFF crece exponencialmente con el tiempo cada que una clase de Historia y Teoría del Arte Digital contribuye a su desarrollo como una fuente en línea enfocada en las historias tempranas del arte de Internet aún en desarrollo. Los nuevos estudiantes aprenden estas historias alternativas del arte de Internet al estudiar el sitio al comenzar el curso y más adelante empiezan a realizar sus propias investigaciones colaborativas para fortalecer su potencial durante la última parte del semestre. Cada grupo de investigación colaborativa inventa su propia versión de la historia del arte de Internet, y estas ficciones teóricas inevitablemente se entrecruzan, conectan o confunden una con otra. Una red con valor agregado de ideas compartidas entre estudiantes nace y se sigue pariendo a sí misma de forma que rápidamente recibes un conector multilineal de narrativas potenciales practicado como una forma de conexión social e intercambio comunitario. Esto es mucho más valioso que sólo ganarse tres créditos para la titulación.

Una versión anterior de este ensayo se publicó originalmente en linea en el European Journal of Higher Arts Education, 2 (Economies of Knowledge: New Technologies in Higher Arts Education) (2005).

[http://www.elia-artschools.org/userfiles/Image/customimages/products/33/Amerika.pdf]

La máquina de grietas

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iDrone, expuesta en el CompArte digital

¿Es posible otro internet, o sea otra red?

¿Se puede hacer Arte en la red?

¿El Arte en, por y para la red banaliza la lucha y la trivializa, o la potencia y escala, o “nada qué ver, mi buen, es arte, no célula militante”?

¿Puede el Arte en la red arañar los muros del Capital y herirlo con una grieta, o ahondar y perseverar en las que ya hay?

Estas son algunas de las preguntas con las que el EZLN convocara a la edición cibernética del CompArte: diálogo entre artistas y anartistas, hartistas y artesanas que se sienten interpeladxs por la lucha zapatista… o por la lucha social global a la que el movimiento zapatista se suscribe.

¿Cómo no sentirnos interpeladxs por tal provocación, si en tantas ocasiones hemos insitido en la necesidad de generar un movimiento artístico alternativo, concretamente uno que haga uso de las herramientas tecnológicas y los principios filosóficos, económicos y pedagógicos del llamado software libre? ¿Cómo no darnos un momento para responder a las preguntas que irrumpen en la Red en momentos tan saturados de campañas mediáticas

Hasta cierto punto sorprendidos por la alegre co-incidencia de agendas y provocaciones, saludamos al CompArte, muy a nuestra manera, con una suerte de dossier que en este caso se conforma de apuntes marginales: notas o tachones, bocetos e ideas inconexas, de esas que se escriben sobre los textos en proceso cuando sabemos que algo tiene que cambiar, pero no sabemos exactamente cómo, cuándo ni por qué.


Tratado de grietología, o la Máquina de grietas

A costa de que se nos acuse de eurocéntricos, o mejor aún, de “posmos”, de “clisés” o de “innecesariamente complejos”, hemos de referirnos a Deleuze y Guattari, particularmente a su Tratado de nomadología, conocido también como la Máquina de guerra. Y hemos de vincular esa máquina de guerra con el llamado zapatista a agrietar los muros del capital: con su llamado a arañar, herir, resistir un modelo de Estado que resulta nocivo a la vida social.

Dicen los franceses: “La situación actual es sin duda desesperante. Hemos visto a la máquina de guerra mundial constituirse cada vez más fuertemente… la hemos visto asignarse como objetivo una paz quizá todavía más terrorífica que la muerte fascista; la hemos visto mantener o suscitar las más terribles guerras locales como formando parte de ella; la hemos visto fijar un nuevo tipo de enemigo, que ya no era otro Estado, ni siquiera otro régimen, sino el enemigo indeterminado” -léase, por ejemplo, el ciudadano común que pretende subvertir el orden y las leyes del mercado global.

Dicen loas chiapanecoas: “Para nosotras, nosotros, pueblos originarios zapatistas, la tormenta, la guerra, lleva siglos. Llegó a nuestras tierras con la patraña de la civilización y la religión dominantes… En ese entonces, la espada y la cruz desangraron a nuestra gente. Con el paso del tiempo, la espada se modernizó y la cruz fue destronada por la religión del capital, pero se siguió demandando nuestra sangre como ofrenda al nuevo dios: el dinero”.

Responden los franceses: existe otro polo “que es el de la esencia, cuando la máquina de guerra, con ‘cantidades’ infinitamente inferiores, tiene por objeto, no la guerra, sino el trazado de una línea de fuga creadora, la composición de un espacio liso y el movimiento de los hombres en ese espacio. Según este otro polo, la máquina encuentra la guerra, pero como su objeto sintético y suplementario, así pues, dirigido contra el Estado, y contra la axiomática mundial expresada por los Estados” (Mil mesetas, p.421-22).

Loas chiapanecoas agregan:  “Como zapatistas que somos, nuestra memoria también se asoma a lo que viene. Señala fechas y lugares… Si no hay un punto geográfico para ese mañana, empezamos a juntar ramitas, piedritas, jirones de ropa y carne, huesos y barro, e iniciamos la construcción de un islote, o más bien, de una barca plantada en medio del mañana, ahí donde ahora sólo se vislumbra una tormenta… Y si no hay una hora, un día, una semana, un mes, un año en el calendario conocido, pues empezamos a reunir fracciones de segundos, minutos apenas, y los vamos colando por las grietas que abrimos en el muro de la historia… Y si no hay grieta, bueno, pues a hacerla arañando, mordiendo, pateando, golpeando con manos y cabeza, con el cuerpo entero hasta conseguir hacerle a la historia esa herida que somos” (El muro y la grieta, s/p).

Por esas co-incidencias, por esas voces que viniendo desde distintos tiempos y geografías parecieran conformar un mismo “arañazo”, hemos trastocado el concepto deleze-guattariano de la máquina de guerra para trazar en nuestro plano una “máquina de grietas”. Nos interesa, sobre todo, remitirnos a la noción de la línea de fuga: del rayón que se desvía, de los surcos y las grietas que se generan sobre el papel.


La red y la grieta

El nacimiento del internet tiene fechas inciertas. Algunos marcan sus inicios en proyectos como Arpanet -aquella red de ordenadores generada por la milicia estadounidense hacia los tiempos ya lejanos de la década de 1960-, y otros piensan que es hasta el surgimiento de la llamada World Wide Web cuando podemos hablar propiamente de internet.

No nos interesa de momento debatir orígenes históricos, sino señalar una contradicción inhenerente a La Historia y las historias de esta extraña tecnología: por una parte, la inter-red fue producto experimentos militares que buscaban fortalecer los poderes del Imperio, y por otra parte se deriva de iniciativas ciudadanas que buscaban subvertir los mecanismos del Poder. Entre milicia y movimientos sociales, y para colmo un mercado neoliberal que reduce al internet a un enorme escaparate, es difícil responder a las preguntas zapatistas:

¿Es posible otro internet, o sea otra red?

¿Se puede luchar ahí?

¿O es que ese espacio sin geografía precisa, ya está ocupado, copado, cooptado, atado, anulado, etceterado?

¿La Red es un espacio de dominación, de domesticación, de hegemonía y homogeneidad?

¿O es un espacio en disputa, en lucha?

En contundente decepción para quien espere resupuestas concretas, hemos de conformarnos con prender otro cigarro. Reflexionar. Dibujar un par de puntos en nuestro cuaderno maltratado. Hacer sonar las grietas de nuestro ruido des-preciado.

Nos vigilan. Nos controlan. Nos convierten en engranes de un mercado (des)informativo, en códigos de barra y en acciones financieras. He ahí la “red libertaria” que los hackers aplaudieran hace escasos veinte años. Pero al mismo tiempo, no podemos negar las redes solidarias que se tejen en la web, y el CompArte digital es una clara muestra de ello.

Desde las montañas del rupestre internetario, dedicaremos la semana a CompArtir nuestras reflexiones sobre la lucha cibernética que tiene el arte y la creación como flancos de batalla.

Que se encienda la máquina de grietas.

 

 

 

Sonorus SoFt SELF PoRtRaIt, Unfinished Music No. 2

Queridos todos

El día de hoy los invito a escuchar el álbum Unfinished Music No. 2: Life with the Lions. Este disco quizá no tan conocido como el primero. Sí ya saben, ese dónde sale Yoko Ono y Lennon desnudos en la portada. Este disco fue producido en Zapple, la parte locochona y  experimental del sello discográfico de los Beatles, Apple.

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Este disco, de 1969, a diferencia del primero, se muestra más orgánico, en el sentido de que en Unfinished Music No. 1, las piezas están realizadas a partir de ediciones de audio, es decir, están hechas con loops y collage de audio. En Unfinished Music No. 2, si bien la pieza Baby’s Heartbeat es un loop de los latidos del corazón del primer hijo que tuvieron los dos, el cual, desafortunadamente perdieron a causa de un aborto espontaneo; el resto de las piezas son improvisaciones grabadas en una sola toma. La primer pieza, Cambridge 1969, fue grabada justamente en la Universidad de Cambridge y es una improvisación en la que Ono participa con su gloriosa voz, Lennon toca la guitarra y son acompañados por el saxofonista John Tchikai y el percusionista Jhon Stevens. Esta pieza ocupaba, en aquel entonces, todo el lado A del disco. El lado B, grabado durante la estancia de Yoko en el Queen Charlotte Hospital, debido al aborto antes mencionado, esta compuesto por las piezas, No Bed For Beatle John, un canto polifónico al estilo del siglo IX, bastante hermoso y triste, si consideramos que el texto lo conforman los encabezados de los periódicos que daban la noticia de la hospitalización y el aborto. Justamente la portada del disco muestra a Lennon acostado en el piso del hospital a lado de Ono. La siguiente pieza es la ya mencionada Baby’s Heartbeat. Para hacer aún más triste esta pieza, la siguiente pista se titula Two Minutes Silence. Sí, adivinaron, son dos minutos de silencio al estilo Cage.

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La última pieza es Radio Play; en ésta, se incluyen sonidos de estaciones de radio muy puntillistas, con algunas apariciones al fondo, de Lennon hablando por teléfono. Igualmente, podríamos decir que esta pieza recuerda un poco a Radio Music de Cage.

Creo que es un disco bastante interesante de escuchar, sobre todo el lado B, dentro del contexto del aborto de Yoko. Espero lo disfruten tanto como yo.

EL DISCO AQUÍ.

Siempre suyo

guapoDfde8bits.

de judías hervidas y otros textos: Rudimentos para desempolvar un Concierto.

Queridos todos

El día de hoy quiero compartir con ustedes la página de internet (www.jts.mx) del compositor mexicano Jorge Torres Saenz. Es una página bastante interesante. En particular los invito a revisar el artículo titulado Rudimentos para desempolvar un Concierto. Espero disfruten tanto como yo.

Siempre suyo

guapoDfde8bits