Pequeña Biografìa Armstrong

Este Post esta dedicado para aquellas personas que se cruzò con algùn Armstrong en festivales, cursos, talleres, toquines y un sin fin de eventos. Naciendole la curiosidad de indagar sobre los pseudònimos originales que manejan cada uno de los Integrantes. Aquì les dejo una pequeña Biografìa, animàndolos a que nos conozcan un poquito màs…

Abrazo Soñador! (*-*)/

Rizomarx

cmgeoag8

by Rizomarx

En algún lugar donde se cruzan los senderos del pensamiento crítico y la intuición mística fue visto por primera vez rizomarx. Estaba sentado, inmóvil, diríase ausente ante la presencia de una piedra de ilimitada belleza. La segunda vez lo encontraron platicando con una doñita octogenaria que vende remedios herbales afuera del metro Chapultepec, quien le entregó un cubo que tenía limada una arista. La última vez nadie lo vio sino que fue hallada una de sus notas en donde se leía: “¿Es verdad que hemos estado encerrados entre tantos contornos sin hacer nada al respecto? Perderse en el bosque a manera de desagravio. Cauterizar la piel. Desgastar nuestros caminos.”

Phonografic

img-20161129-wa0007

By PhonoGrafic

Cuando el mismo Dios que creo a todos moldeando barro con sus manos se dispuso a trazar las montañas misteriosas, se dio cuenta de que le falto pensar quien habitaria esta periferia, fue entonces como todo Dios creativo que mirando a su alrededor decidiò tomar los sonidos que caìan bajo el àrbol, entonces los petrificò y tallo como acordes de èbano, entonces lo nombro Phonografic como el que puede visualizar lo invisible, lo etèreo, lo audioble, lo sonoro.

Una vez terminado lo tomo y esparciò en el mundo como ecos del aire a contraflujo del mundo improvisando sonidos y construyendo caminos.

Sísifo Pedroza

GG215_La_perplexit_de_Sisyphe_2002_large2.jpg

by Sìsifo Pedroza

Hace unos cuarenta siglos, Sísifo engañó a los dioses del inframundo y a causa de ello fue castigado. ¿Cuál fue su condena? Cargar una piedra montaña arriba y ver cómo ésta caía, una y otra vez al abismo, cuando estaba a punto de llegar a la cima. Durante años, décadas, siglos y milenios, Sísifo ha venido repitiendo el absurdo ritual que ha causado el estupor de filósofos, pintores y poetas. Los humanos, por su parte, han aprendido de Sísifo el don de la necedad: esa gracia antropológica de estar siempre dispuestos a soñar, a luchar por la libertad y la dignidad, aun sabiendo que los sueños volverán a desplomarse cada vez que se encuentren a pocos metros de alcanzarlos. A lo largo de tanto tiempo, Sísifo se ha vuelto aficionado a la poesía, al teatro del absurdo, y algunas corrientes filosóficas que exploran las complejidades del cosmos. Gusta de promover el software libre, de hacer música ruidosa, y de ver algunas series televisivas como Los Simuladores y Black Mirror. De entre todos los homenajes que le han rendido, el que más le gusta repetir es el siguiente: “En ese instante sutil en que el hombre se vuelve sobre su vida, Sísifo, volviendo hacia su roca, en ese ligero giro, contempla esa serie de actos sin ligazón en que se convierte su destino. Creado por él, unido bajo la mirada de su memoria y pronto sellado por su muerte. Así, persuadido del origen completamente humano de todo lo que es humano, ciego que desea ver y que sabe que la noche no tiene fin, está siempre en marcha. La roca sigue rodando” (A. Camus).

Heràclita Efesa (La Oscura Heràclita Efesa)

foto-de-perfil

by Heràclita Efesa

Para Heráclito Efeso: ” el arjé es el fuego, en el que hay que ver la mejor expresión simbólica de los dos pilares de la filosofía de Heráclito: el devenir perpetuo y la lucha de opuestos, pues el fuego sólo se mantiene consumiendo y destruyendo, y constantemente cambia de materia”.

En una ocasiòn, una soñadora se topò sin querer en una de sus investigaciones con el fragmento que presenta esta Biografìa, sin conocer en profundidad los pensamientos de este personaje, le pareciò algo curioso he indago algunas de sus obras, le tomo por sorpresa la similitudes de pensamientos que ambos tenian. Entre ellos los que se destacan en un continuo pesimismo de lo que se concreta, tomandolo como un esfuerzo inùtil, pero como un cambio necesario. Esta modalidad sobreexigue una cuota de esperanza a sabiendas que al pasar los años se tendra un resultado exitoso o no.

Entonces tomo la desiciòn de convertirlo en su nueva identidad transformandolo en un ser femenino que entre sus argumentos, da vida a aquella figura.

Sus animales favoritos son el lobo y el bùho. Amante de los cortos independientes, y del cine clàsico. En la actualidad le encanta todo lo que tenga que ver con la mùsica experimental y la tècnica Glitch influenciado por la experiencia que obtuvo en uno de sus ultimos viajes, conociendo a un grupo de personas increìbles, dedicadas y pasionales, que dejaron en ella una fascinacion y admiraciòn en lo que hacen.

Hasta el dìa de hoy, se mantiene pesimista, tiene presente la critica e incorformodidad como su sucesor, ha caìdo inumerables veces en su lucha insaciable por defender la injusticias, por ejecutar planes con el programa sobre el software libre en las escuelas proyectandolo en la pràctica, el legado que recibio de su visita, pero principalmente entregada en cuerpo y alma a la educaciòn, impulsada por las quimeras que mantienen su ideal, con la perspectiva de que cada persona puede aspirar a un mundo mejor y poner su granito de arena para poder lograrlo.

“Glitze”

delphinus-2-0

by Glitze

La unión de un nombre dictado por los dioses mayas que fue enviado del cielo y la palabra glitch art o estética del error, da origen a “Glitze” a quien le gustan las estrellas ya que brillan en la obscuridad y guiaran a cualquier marinero a un lugar seguro, a casa, a tierra firme, en medio del inmenso y profundo mar. Glitze puede ser una estrella que cayó por error para brindar luz a todo el que se la encuentre por su camino. Su animal favorito son los delfines, el color rojo siempre formara parte de su esencia. Cree firmemente en la bondad de las personas, la familia y amigos, lo que siempre protegerá. La vida le asigno la tarea de enseñar a los más pequeños el amor por la música y también le regalo un “Salterio” para que sea su compañero musical, su compañero de viajes, de aventuras, de vida.

Muchas gracias, saludos y abrazos apapachadores!!!!

Glitze. 

Después del experimento “Montaña y Agua”

¡Hola! me presento, soy un nuevo tripulante en Armstrong Liberado, mi nombre es Daniel Delgado Herrera y por ahora me gusta usar el pseudónimo Daniel Evo o Dnl3vo cuando hago alguna abstracción artística, que es casi la mayoría del tiempo. Aún no tengo una cuenta de usuario para subir posts así que agradezco a Sísifo Pedroza por subir éste y el post anterior (un ensayo sobre la instalación, formato del arte contemporáneo). Creo que la mayoría de mis posts serán sobre artes plásticas y escénicas, su vinculación con el arte sonoro. Aunado a ésto me gusta también pensar en las disciplinas artísticas como órganos y organismos unidos y que se pueden activar en cualquier momento gracias a un softwere que compartimos todos los humanos, de hecho pienso en términos de órganos y organismos la mayoría del tiempo también.

Quería aprovechar esta oportunidad de escribir en un blog (idea que me parece súper linda) para compartir un experimento que hice los pasados domingos 20 y 13 de noviembre, en “Montaña y Agua” mostré un momento de mi pensamiento a través del arte que puedo hacer, implicaciones físicas y energéticas que tienen los cuerpos (objetos, pinturas, personas) respecto al espacio y escucha para generar ambientes.

Muchas nuevas preguntas surgieron a través de habitar el centro deportivo London Squash, una mini residencia donde a partir de sentir el lugar y dejar respirar los materiales se definió la obra. Un tríptico, (tres obras que en sí mismas son una obra independiente y que unidas se relacionan en otra obra más grande). Así, en tríptico de formato expandido intervine tres canchas de squash. Una variante importante fue el tiempo de montaje, que en los dos casos fue de menos de 15 horas, ambos domingos los acomodos fueron diferentes.

Voy a hablar brevemente de cada una de las canchas e insertar fotos correspondientes;

Cancha 1. Pintura dentro de pinturas. La diseñé considerando la forma externa de las pinturas (rectángulos y cuadrados) interactuando con los puntos y líneas de tensión del diseño propio de la cancha. Construir una pintura en el espacio de cancha con otras pinturas, un todo de unidades. La cancha de squash como lienzo en blanco tridimensional. Éste vacío tridimensional también fue habitado por globos inflados con helio, puntos de color ocupando diferentes alturas.

unnamed

Cancha 2. Bitácora abierta. “Acomposición”. Aleatoriedad. Traslado de taller. Proto obra. Conjunto de diversos materiales sobre el suelo de la cancha, apelando al caos, al banco de ideas desde donde se componen otras. En esta cancha se llevaron a cabo diversas acciones escénicas a partir de la improvisación y escucha espacial, entre ellas un ensayo abierto de algo que en Armstrong Liberado estamos preparando para un evento en diciembre, el FUCK LOGIC. Aquí también la grabación de esa improvisación:

Cancha 3. Nihilismo optimista es un concepto que me dio vueltas cuando vi terminada la instalación que construí aquí, diversos materiales de desecho apilados, ensamblados y adheridos con cinta, generando un equilibrio absurdo, una construcción compleja sostenida desde la fragilidad, de naturaleza efímera. Un conjunto, un ambiente dado desde la respiración de los materiales, objetos cotidianos resignificados en la cancha, elegidos desde su naturaleza física, densidad cromática, pictórica, dispuestos en su propia consciencia de ambiente.

Con este experimento presté atención a mi interés genuino de generar ambientes, ecosistemas que resuenen con el gran ecosistema externo, hacer movimientos y creer que repercuten en la música del universo, si este juego danza junto con el aleteo de un pelícano o con la caída natural de una rama de un árbol en algún otro punto del planeta, me seguiré sintiendo satisfecho.

ENSAYO

BERNADETTE MARTINEZ CISNEROS

INSTALACIÓN

ENSAYO tomado de: https://bernadetteinstalacion.wordpress.com/ensayo/

En este ensayo se abarcara el concepto artístico de instalación así como un acercamiento a las acepciones de espacio y tiempo, contexto, espacio de exhibición, materiales, función, participación del público, y el cuerpo del espectador, haciendo alusión a la simbiosis resultante de estos elementos entrelazados. Serán tomados como fundamento principal los textos vistos en clase, haciendo una comparación entre la obra de los artistas; Evelyn Glennie, Jessica Stockholder, Christo y Jeanne Claude, Gordon Matta Clark, Tomas Saraceno, Bruce Nauman y Richard Tuttle.

Una instalación es un trabajo artístico que le da al espacio una dignidad especial, situándolo en el centro de la propuesta plástica como contenido específico. A su vez inviste al espectador como eje central y fundamento de la experiencia artística, incorporándolo al proceso de construcción representativa.

Empezó a surgir un problema en donde ni la pintura y escultura satisfacía ya las necesidades del artista y del espectador, ya no era suficiente solamente pararse enfrente a admirarlas, comenzó a surgir una nueva necesidad la cual empezó a hacerse notoria para los artistas, los cuales empezaron a crear otro tipo de obra. Así mismo la instalación permite que el artista se explaye recurriendo a gran variedad de técnicas y materiales para la creación de una obra y que también permite e incluye la participación del espectador, y el espacio.

El espectador y el espacio empiezan a tener relación, debido a que se vuelven una parte importante de la obra.

El espectador se vuelve una condición básica, no solamente en su relación con la obra, sino en su inclusión en el proceso artístico, debido a que puede tener contacto con ella.

El espacio forma parte de la instalación, No sólo siendo el soporte a la obra, o enmarcándola, sino que se vuelve parte fundamental de ella, es a la vez contenido. El espacio, en la medida en que necesita ser usado, activado, recorrido, experimentado por el usuario, es también un espacio de acción.

Al crearse este tipo de instalaciones, se genera una relación más cercana  entre el artista y la audiencia, ya que el artista puede admirar desde otro punto de vista lo que el artista quiere decir, porque está viviendo realmente la obra.

Se puede utilizar todo tipo de materiales, pueden ser de origen natural, combinándolos con los nuevos medios de comunicación; video, sonido, plasma. Todo tipo de materiales y la combinación de ellos logra algo diferente e interesante.

Comenzaré con el texto de Sculpture in the Expanded Field donde Rosalind Krauss menciona que en los últimos diez años cosas sorprendentes son llamadas escultura. Al mismo tiempo se empezó a considerar que todo era escultura y era necesario encontrar otro tipo de clasificación para lo que estaba siendo creado, porque no era lógico que todo lo que se hiciera fuera de calidad o no o transmitiera algo o no, era llamado escultura.

Considera que el criticismo ha demostrado que categorías como pintura y escultura pueden ser tan extensas que pueden incluir todo. Y el historicismo trabaja en lo nuevo y diferente para disminuir la novedad y moderar la diferencia.

En 1960 aparece la escultura minimalista, y el criticismo empieza a construir una paternidad para poder autentificar estos objetos extraños.

El minimalismo denota un universo unido no por la mente, sino por los accidentes de la gravedad.

En 1970 la palabra escultura era más difícil de pronunciar, porque el término escultura había empezado a ser algo oscuro, ya que sabemos que es una categoría históricamente limitada y no como la estaban considerando, universal.

La lógica de la escultura consiste en que es una representación conmemorativa. Está en un lugar en particular  y habla simbólicamente acerca del significado o uso de ese lugar. También es inseparable de la lógica del monumento.

En el siglo XIX la lógica del monumento recae, ya que empezaron a considerarse otros elementos para la creación de ellos. Las puertas del infierno y el Balzac de Rodin, fracasaron como monumentos ya que habían múltiples versiones.

Las puertas fueron esculpidas de tal manera que no son operantes y Balzac fue hecho con un nivel de subjetividad, entrando al modernismo ya que este periodo de producción escultural es el que opera en relación a la pérdida del lugar produciendo el monumento como una abstracción, como una base, sin lugar y autorreferencial.

Empiezan a ser la representación de su propio material, o el proceso de su construcción, la escultura representa su propia autonomía.

En ese momento resalta la obra de Brancusi, porque representa precisamente un cambio. Empieza a tomar en cuenta la base, ya que forma parte de la escultura, como en su obra the Cock. Por otro lado la escultura es toda la base, ya no existe división entre una y la otra como lo representa en Caryatid, ya existe una relación recíproca con la base.

En la entrevista con Lynne Tillman, Jessica Stockholder nos menciona como empieza a descubrir estos bastidores que no son del todo lisos, los cuales ella los interviene encimando materiales, llegando a la conclusión de que realmente es una tela, no solamente un bastidor.

Empezó a trazar dibujos de objetos que llegaban a ser un poco abstractos, y aprendió a apreciar la sorpresa de hacer algo inesperado.

Usa material como un lugar para crear ficción, fantasía e ilusión. Piensa que así la atención se hunde en algo abstracto y separándose del material (pintura y bastidor). Considera que el manipular el material es una manera de comunicarse, ya que xon la variedad de elementos, pueden ser percibidas diferentes sensaciones.

Le gusta forzar un encuentro de abstracción con material, resaltando que el color sirve para eso.

Al igual que Richard Tuttle considera al color como parte fundamental de la obra, y menciona al color dándole un significado como un material independiente.

En su obra Recording Forever Pickled, utiliza colores que se complementan. El amarillo que pone en el piso hace que el violeta de la madera de arriba sea reflejado en él.

Le interesa el espacio que se crea entre la pared y el objeto, por lo que trata de traer el objeto más cerca, en lugar de tener toda la obra distante.

Recalca que su obra no es una crítica de algo en especial, sino que es más que una exploración. Trabaja en contra de la clase de polarización que está implicada en la crítica, ya que expresa que su trabajo de alguna manera depende de la institución, la cual es arte.

En la instalación toma en cuenta el lugar en vez de solamente la pared. El proceso es lo importante, dice que al empezar a hacer el trabajo uno va llevando al otro.

Una manera de enriquecer su obra es mostrándola y teniendo a los espectadores hablando de ella y mirándola. Pero por otro lado considera que su pieza The lion, the witch and the wardrobe, llama la atención por sí misma como objeto.

En The Edge of hot house glass, mueve el piso arriba para tratar y contrarrestar la sensación de estar hundido en la sala. Parte de la obra esta ordenada y parte solo permanece donde calló.

Siempre existen dos elementos, la obra y el lugar. No es claro en donde empieza y acaba el uno ni el otro.

Utiliza dos tipos de título, con uno se refiere más a lo narrativo. Cuando utiliza título, trabaja con las palabras en un modo que va paralelo a la manera en que trabaja con objetos.

Al igual que tenemos la capacidad para admirar una obra de arte, me parece interesante como Evelyn Glennie en su documental Touch the sound, toma en cuenta también la importancia que tiene el sonido, y nos da a entender que la vida se trata de sonido y que el sonido se encuentra en todos lados.

El sonido viene a nosotros, lo que tenemos que hacer es estar más conectados a él. No solamente entra por los oídos, también existen vibraciones por medio de las cuales lo podemos sentir y así mismo vivirlo.

La única manera en la que lograremos captar las diferentes características del sonido, es siempre y cuando estemos abiertos a todo, porque desde los sonidos débiles hasta los más intensos pueden llegar a comunicarnos algo.

Piensa que el problema es que no hemos desarrollado la sensibilidad para escuchar o sentir las vibraciones del sonido, solamente estamos acostumbrados a tomar en cuenta lo que observamos. Cada ser humano tiene su propio sonido y cada uno es diferente, por eso entiendo que la capacidad de percepción también varía, lográndose así una variedad de arte.

Otros artistas que realizan instalaciones artísticas ambientales son

Christo y Jeanne Claude que conformaban un matrimonio de artistas.

Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.

Considero que son de los artistas más importantes que han creado de las obras de arte más monumentales.

Al generar ese tipo de obras, piensan que muchas personas no entienden lo que hacen, pero dicen que para poder lograrlo tienen que ir y observar su obra y entrar realmente en ella, educando al ojo a lo que está viendo físicamente.

La escala que empezó a utilizar Christo para sus obras, es pequeña como la de Jessica Stockholder, a diferencia de la escala que empezó a usar desde 1961 con Wall of Oil Barrels – The Iron Curtain.

En su instalación llamada The gates, localizada en Central Park, no querían que el público experimentara ningún tipo de sentimiento cuando estuvieran recorriéndola, porque consideran que como cualquier verdadero artista, ellos hacen la obra para ellos mismos. Si al espectador le gusta solamente es una ganancia.

Christo y Jeanne-Claude saben que la mejor forma de llamar la atención sobre algo es velándolo, y llevan hasta sus más descomunales consecuencias esta fórmula, compartida, en una escala más íntima, por el teatro de máscaras y el erotismo.

Richard Tuttle a diferencia de Christo, utiliza materiales muy pequeños como: Alambre, madera, PBC, papel, corrugado y cuerdas, que podrían llegar a ser insignificantes, pero aún así logra crear cosas interesantes. Son materiales que se expresan por sí mismos aunque no sean muy elegantes.

Presentando obras muy pequeñas que dicen mucho, tienen mucho para analizar y un lenguaje muy notorio. Hace que la gente se cuestione y analice más de lo que estaban acostumbrados.

Él se siente liberado al conectarse con su estilo de arte.

El artista es vida, tiene que serlo. Él trata de armonizar y de vivir la belleza, no solamente mirarla. Tiene que tener la habilidad de darle al espectador algo que sea significativo para su vida.

Piensa que el color amarillo es el color de la felicidad, pero también que es un color importante en general.

Considera a la instalación como una manera de crear una clase de mundo entre dos personas que es el artista y el espectador, invitándolo como huésped.

Utiliza el espacio de la galería de distinta manera, rompe lo tradicional. Quitó la escultura del típico pedestal como menciona Rosalind Krauss, y la lleva al piso para integrarla con el espectador. Coloca sus obras en el piso, en el borde entre la pared y el piso, en cualquier lugar de la pared, en un espacio muy grande coloca una obra muy pequeña.

Considera que no solamente el artista dibuja lo que está a su alcance, piensa que lo interesante es cuando crea lo que también no se ve. La obra es el retrato del artista, aunque muchas veces refleje algo que está muy en el fondo.

Él busca sostener la polaridad donde pueda ser el pincel de la sociedad, pero al mismo tiempo hacer de la sociedad tu pincel. Cuestionaba la autoridad y la realidad absoluta. Cuestiona el término arte.

Por otro lado Gordon Matta Clark se ha descrito como “el único y verdadero arquitecto deconstructivista”.

A diferencia de otros artistas, utiliza la descomposición como proceso de desmantelamiento de elementos: paredes, suelos, ventanas, puertas, etc.

En lugar de esta contención y cierre arquitectónico habituales, que nos acerca a las cosas, acentúa nuestra capacidad de intervenir sobre ellas y dominarlas, Gordon Matta-Clark permite con sus intervenciones una abertura.

Cuestiona el concepto mismo de propiedad. Así sus investigaciones con el grupo de Anarchitectura plantean cuestiones históricas y filosóficas de amplio alcance sobre la naturaleza del espacio social y de la propiedad, así como la relación entre el concepto de propiedad y las condiciones de su uso, su consumo y, aún más importante, su transformación en desecho.

Todas estas acciones tienen lugar fuera de cualquier museo o galería, como es en el caso de la obra que realiza Christo.

Intervino edificios, cortándolos, agujereándolos, seccionándolos, troceándolos y desplazándolos, para así materializar sus ideas sobre el espacio que él intuía como designar espacios así creando complejidad.

Sus viajes al subsuelo de la ciudad pretendían descubrir espacios sin nombre, lugares ocultos: «Tengo interés en una expedición al subsuelo: una búsqueda de los espacios olvidados y enterrados bajo la ciudad. Esta actividad debería sacar el arte de la galería e introducirlo en las cloacas», señalaba Matta-Clark.

Matta-Clark explora los espacios olvidados que han quedado enterrados bajo la ciudad, como reserva o como recordatorios supervivientes de proyectos y fantasías perdidos.

El piensa que los que tienen una casa, por norma general, no hacen mucho más que conservar su propiedad. «Hay que abrir la casa para que pueda recordar, hay que moverla para poner de nuevo en libertad esos recuerdos. Para abrir la memoria de la casa pondríamos agua por medio, agua que nos apartaría de su visibilidad, que nos desposeería de la seguridad de nuestra intervención sobre los objetos que rodean nuestro cuerpo, ya no viéndolos; porque, ¿qué otra cosa es el dominio —como realización de lo doméstico— sino la costumbre que guía nuestros hábitos útiles, la cristalización de una de aquellas entidades fantasmáticas en siempre la misma reacción apropiada?»

Así, para poder ver las intervenciones de Matta-Clark había que caminar, internarse en ellas, ser tragado por ellas, hasta que la dimensión, la forma, el color mismo de los objetos exteriores perdiera su fuerza, su rotundidad, y con ello, nuestra capacidad de actuar sobre ellos, de dominarlos.

En su obra the Estate of Gordon Matta-Clark te ofrece una vista del lado viejo y nuevo de París.

Aunque la obra de Tomás Saraceno sea igualmente en grandes dimensiones, existe la diferencia de que te invita a intervenir y a participar en sus instalaciones de manera diferente, sus conceptos son antes que nada experimentales. Tomas Saraceno concibe sus proyectos de obras inflables, en las cuales, el espectador puede experimentar sensaciones poco comunes. Producen en la imaginación de cada uno visiones utópicas de estructuras de transporte, de vivienda o de otro tipo de actividades.

Bruce Nauman es un artista cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y extender la escultura a partir de la década de 1960.

Sus inquietantes obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación.

Su arte recurre a la utilización de una increíble variedad de materiales como luz neón, y en especial a su propio cuerpo.

En Raw materials también utiliza al sonido como base de la obra, al igual que Evelyn Glennie.

Como conclusión y sustento a lo que antes expuse considero que la instalación es un tipo de arte que para poder ser bien apreciada es necesario no solamente mirarla, sino que recorrerla para así poder entender lo que el artista quiso comunicar.

Creándose así un tipo de relación más cercana entre el espectador y el artista, ya que no solamente es admirar la pincelada o el color como en una pintura, o el material y la forma como en una escultura, sino que es vivir la experiencia de estar dentro de una obra creada para ser enriquecida y hasta en cierto momento modificada con los diferentes tipos de percepciones que se crean alrededor de ella llenándola de vida.

Muchos artistas necesitan salirse del museo o de la galería para poder realizar sus instalaciones, ya que el espacio empezó a formar una parte muy importante dentro de la obra.

No solamente es considerado como un lugar para exponerla, sino que forma parte del contexto. Y al formar parte de ello, pienso que hay mucha más variedad de formas de expresión, porque es eliminada la limitante que existe dentro de un museo.

Existe la posibilidad de crear obras extraordinarias en lugares tan amplios y que al mismo tiempo están disponibles para que todo tipo de espectadores puedan admirarla.

Es impresionante como cualquier tipo de material, desde los más pequeños como los que utiliza Richard Tuttle hasta los más monumentales como los de Christo, forman parte de lo mismo, solamente que con diferentes intenciones que cada artista quiere expresar.

Doris Salcedo – Shibboleth

Orígenes de la instalación

Sculpture in the expanded field con Rosalind Krauss.

Christo – Running fence

Christo – Berlín

Christo – Pont neuf

Christo – Central Park

Richard Tuttle

Gordon Matta Clark

Tomás Saraceno

Bruce Nauman

BIBLIOGRAFÍA

Texto de Introducción a la Instalación.

Conversación de Lynne Tillman con Jessica Stockholder.

Texto de Antecedentes de la Instalación.